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| ピンクムーン | ||||
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| スタジオアルバム | ||||
| リリース | 1972年2月25日 | |||
| 記録済み | 1971年10月30日～31日 | |||
| スタジオ | サウンドテクニックス、ロンドン | |||
| ジャンル | ||||
| 長さ | 28 : 22 | |||
| ラベル | 島 | |||
| プロデューサー | ジョン・ウッド | |||
| ニック・ドレイクの年表 | ||||
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『ピンク・ムーン』は、イギリスのミュージシャン、ニック・ドレイクの3枚目で最後のスタジオアルバムであり、1972年2月25日にアイランド・レコードからイギリスで発売された。 [3]ドレイクのスタジオアルバムの中では、生前に北米で発売された唯一のアルバムである。『ピンク・ムーン』は、バックバンドなしで録音されたという点でドレイクの以前のアルバムと異なり、ドレイクのボーカル、アコースティックギター、そしてタイトル曲にオーバーダビングされたピアノのメロディー1つだけをフィーチャーしている。
ドレイクが26歳で亡くなる2年前の1974年11月にリリースされた『ピンク・ムーン』の歌詞の内容は、ドレイクがうつ病と闘っていたことに起因するとよく言われている。[4]曲は以前のアルバムよりも短く、アルバム全体の再生時間は28分強である。
ピンク・ムーンは、ドレイクの以前のスタジオアルバムと同様に、彼の生前には売れ行きが振るわず、その飾り気のない親密なサウンドは批評家から賛否両論の評価を受けた。しかし、このアルバムはその後批評家から大きな称賛を集め、数々のベストアルバムリストに登場した。
背景
ニック・ドレイクがアイランド・レコードで出した最初の2枚のアルバム『Five Leaves Left』（1969年）と『Bryter Layter』（1971年）は売れ行きが悪く、ドレイクがライブやアルバムのプロモーションに消極的だったこともあって、アイランドはドレイクの次のアルバムに自信がなかった。[4]さらに、ドレイクはロンドンのアパートに引きこもり、うつ病に苦しんでいた。1971年に彼は精神科医の診察を受け、抗うつ剤を処方されたが、うつ病に伴う偏見と、彼が日常的に吸っていたマリファナとの相互作用に対する恐怖から、服用をためらっていた。[4]
批評家はドレイクの音楽、特に『ピンク・ムーン』の憂鬱さを彼の鬱病と結びつけることが多いが、ドレイクの遺産を管理するブライター・ミュージックのキャリー・カロモンは違った見方をしている。「ニックは鬱病に苦しんでいた間は作曲やレコーディングができなかった。『ピンク・ムーン』の作曲やレコーディング中は鬱病にはならず、アルバムを非常に誇りに思っていた。」[5]
録音
ドレイクは、3枚目のアルバムを録音する前に、このアルバムはできるだけシンプルにし、Bryter Layterで雇った多数のゲストミュージシャンを使わないようにしようと決めていたようだ。ドレイクの最初の2枚のアルバムのプロデューサーであるジョー・ボイドは、自伝の中で、 Bryter Layterのレコーディングを終える頃にドレイクが次のアルバムを一人で作りたいと言ったことを回想している。[7]そして、1971年3月にSounds誌に掲載された唯一のインタビューで、ドレイクはインタビュアーのジェリー・ギルバートに「次のアルバムでは、サウンド・テクニークのエンジニアであるジョン・ウッドと何かやろうと思っていた」と語っている。[8]
アイランド・レコードの社長クリス・ブラックウェルの別荘でスペインで短期間過ごした後、[9]ドレイクはリフレッシュしてロンドンに戻った。1971年10月、彼はレコード・エンジニア兼プロデューサーのジョン・ウッドにアプローチした。[4]ウッドはドレイクの前2枚のアルバムで一緒に仕事をしており、ドレイクが信頼できる数少ない人物の一人だと感じていた。ウッドはフェアポート・コンベンション、キャット・スティーヴンス、ピンク・フロイドなどのアーティストと仕事をしており、レコード・プロデューサーのジョー・ボイドと組んで仕事をすることが多かった。ボイドはウッドをサウンド・エンジニアとして迎え、ドレイクの最初の2枚のアルバムをプロデュースした。ウッドは主にアルバムのエンジニアリングに注力していたが、プロデューサーとして貢献することが多かった。
1971年にドレイクがウッドに連絡を取り、別のアルバムを録音したいと伝えたとき、その後のプロセスはドレイクの他の2枚のアルバムに比べて大幅に簡素化されました。アルバムは1971年10月下旬にロンドンのサウンドテクニックスタジオで、ドレイクとウッドの2人だけで録音されました。 [10]スタジオは日中に予約されていたため、ドレイクとウッドは午後11時頃にスタジオに到着し、曲の半分をシンプルに静かに録音しました。次の夜、彼らは同じことをしました。深夜のセッションを2回、声とアコースティックギターだけで行い、ドレイクは多くの人から「史上最も影響力のあるフォークアルバム」の1つと見なされているアルバムを作り上げました。[11]
ドレイクがアルバムをビニール袋に入れてアイランド・レコードの受付に置いて誰にも気づかれずに去ったという一般的な伝説とは反対に、ドレイクはピンク・ムーンのマスターテープをアイランドのクリス・ブラックウェルに渡した。[4] 1996年のニック・ドレイクのファンジン「ピンク・ムーン」のインタビューで、アイランドの広報担当者デイビッド・サンディソンは、ドレイクがレコード会社に到着したことは確かに気づかれなかったが、新しいアルバムを届けているという兆候はなかったと回想している。
昼食から戻って受付で彼に会い、誰かと話していたとき、ベンチの隅に人影が見えたので、それがニックだとすぐに気付きました。彼は 15 ips [インチ/秒] の大きなマスター テープ ボックスを小脇に抱えていました。私は「お茶を飲みましたか?」と尋ねました。彼は「ええ、はい」と答えました。私は「2 階に上がりますか?」と尋ねました。彼は「はい、わかりました」と答えました。それで私たちは 2 階の私のオフィスに行きました。それは踊り場の一番上にあり、大きなオフィスに続く踊り場でした。そこには大きな丸いテーブルがあり、クリスや他の全員がそこで働いていました。とても民主的でした。そこには大きなReevox [原文ママ] とサウンド システムがありました。彼は私のオフィス エリアに 30 分ほど座っていました。30 分ほど経つと彼は「そろそろ行かなきゃ」と言いました。私は「わかりました。お会いできてうれしいです」と答え、彼は立ち去りました。さて、彼は階段を降りましたが、まだテープを小脇に抱えていました。そして約1時間後、フロントデスクの後ろで働いていた女の子が電話をかけてきて、「ニックがテープを置いてきました」と言いました。それで私は降りて行ってみると、それは16トラックの大きなマスターテープで、NICK DRAKE PINK MOONと書かれていました。私は「これは私の知っているアルバムではない」と思いました。まず最初にスタジオに持ち込んで7.5インチの安全コピーを作る必要がありました。なぜならそれがマスターだったからです。それで私たちは安全コピーを実際に再生し、24時間後くらいにメインルームのReevoxで再生してPink Moonを聴くことができました。[12]
ピンク・ムーンのセッションのテープには、ドレイクの「 Plaisir d'amour」（フランス語で「愛の喜び」と訳される）の録音も含まれている。これは1784年にジャン＝ポール＝エジド・マルティーニによって書かれたフランスの古典的なラブソングである。テープが発表されたとき、「Plaisir d'amour」はピンク・ムーンのマスターテープボックスのトラックリストにサイド2の最初のトラックとして記載されていた。しかし、この曲に関する「予備のタイトル - 使用しないでください」というメモが含まれていたため[13]、この曲はアルバムには収録されなかった。1分にも満たない、ギターのみでボーカルのないこの録音は、最終的にニック・ドレイクのコンピレーションアルバム「A Treasury 」（2004年）のイギリス版に隠しトラックとして収録された。「Plaisir d'amour」がピンク・ムーンのアルバムに収録されていたら、ニック・ドレイクのアルバムの中で彼が自分で作詞していない唯一の曲になっていただろう。
アートワーク
キース・モリスは『ファイヴ・リーヴス・レフト』のカバー用にドレイクの写真を撮影した写真家で、 『ピンク・ムーン』のカバー用にドレイクの撮影を依頼された。しかし、ドレイクの急速に衰えていく容貌、背中を丸めた姿、無表情はセールスポイントとはみなされず、その写真は採用されなかった。撮影を監督したアイランドのクリエイティブ・ディレクター、アニー・サリバンは、LPのカバーに関する決定を下すのが難しかったことを回想している。「ニックと話しに行ったのを覚えている。彼はただ背中を丸めて座っていた。彼は何も話さなかったけれど、アルバムが『ピンク・ムーン』というタイトルだと分かった。彼がそれをどのように伝えたか、書き留めたかどうかは覚えていない…彼はピンクの月が欲しかったんだ。彼は何が欲しいのか私に伝えられなかったが、私には『ピンクの月』というアイデアがあった」[5] 。アイランドはマイケル・トレヴィシックによるシュールレアリストのダリ風アート作品を選んだが、偶然にもトレヴィシックはドレイクの妹ガブリエルの友人だった。ドレイクは『ピンク・ムーン』のカバーアートについて意見をはっきりと述べなかったが、彼に近い多くの人は彼がそれを承認していると感じていた。[要出典]
デイヴィッド・サンディソンは、後にアイランドが彼にオフィスとして割り当てた地下室の残骸の中からピンク・ムーンのオリジナルの額入りアートワークを見つけ、それを家に持ち帰って数年間自宅の壁に掛け、最終的にドレイクの両親に贈ったと述べています。 [12]タンワース・イン・アーデンにあるドレイクの両親の家にある音楽室の日付不明の写真には、壁に掛けられたアートワークと思われるものが写っています。[要出典]
批評家の反応
アイランド・レコードは、 Pink Moonの初回リリースに際し、異例のプロモーション・キャンペーンを展開した。レコードのリリース月に、すべての主要音楽雑誌に全面広告を掲載し、プロモーション予算をすべて費やした。
『ピンク・ムーン』はドレイクの最初の2枚のアルバムよりもイギリスの音楽メディアから注目を集めたが、批評家の批評のほとんどは依然として簡潔なものだった。
1971年、サウンズのジェリー・ギルバートがドレイクとの唯一のインタビューを行った。ギルバートはそれまでドレイクを擁護していたが、ピンク・ムーンに対する失望と、ドレイクの明らかなやる気のなさに対する苛立ちを表明し、「アルバムはニックのギター、ボーカル、ピアノのみで構成されており、いつもの特徴をすべて備えているが、ブライター・レイターにはまったく及ばない。ニックの曲にはさらなる補強が必要であることは認めざるを得ない。彼自身の伴奏は良いが、曲は装飾なしでは成り立たないほど強力ではないからだ。『Things Behind the Sun』は成功しているし、『Parasite』もそうだが、ドレイク氏は謎めいた行動をやめて、自分自身のためにきちんと組織化を始めるべき時なのかもしれない」と述べた。[15]
メロディーメーカー誌のマーク・プラマーは、彼の音楽を高く評価しつつも、ドレイクの強まる禁欲的な神話に気を取られていた。「彼の音楽は、歌詞もギターとピアノの演奏も非常に個人的で内気な感じがするので、伝わってくることも伝わってこないこともある。…ドレイクを聴けば聴くほど、彼の音楽はより魅力的になるが、いつもあなたの耳には入らない。『Things Behind the Sun』では、彼は恥ずかしそうに内気な様子で私に歌いかけてくる。彼のアルバムを音を消して聴き、ジャケットだけを見て、頭の中で音楽を奏でながら、ジャケットの中の彼の言葉を自分のリズミカルな心の韻にのせて唱えるといいかもしれない…ニック・ドレイクは存在しないのかもしれない。」[16]
ドレイクの録音作品について、フレッド・デラーはHi-Fi News & Record Reviewで「ニックがプロモーションコンサートを嫌がるせいもあってLPはほとんど売れず、誰かがミュージカル化を決めたらハワード・ヒューズの物語の主役を演じるという野望しかないという印象を受ける。一方で、彼はその心地よいスモーキーな声を使って、私が何度も何度も聴いてしまう親密な深夜のサウンドを作っている」と述べている。[17] レコード・アンド・レコーディングのダンカン・ファロウェルは「彼の曲は限りなく心地よく、限りなく似ている」と述べ、アルバムを「他のアルバムよりもさらに控えめ」と呼び、「ニック・ドレイクが大成功することはないだろう。それは彼の性質でも彼の音楽の性質でもない。そしてそれはまた別の良いことだ」と述べている。[18]タイムアウトのロンドン版で、アル・クラークはドレイクについて「印象的で感情に訴える曲を書いてきたし、いつもそうしてきたが、魔法のほとんどは歌い方にある。ジャズ寄りのドノヴァンを思わせるスモーキーで脈打つような声、コード進行に合わせて物憂げな言葉を滑らかに流し、完璧な静寂の瞬間を作り出す」と評した。クラークは「より充実した曲のいくつかは非常に美しい」と述べたが、先見の明を持って「悲しいことに、アイランドが状況を改善しようと努力したにもかかわらず、ニック・ドレイクは、幸運にも午前3時に彼の絶妙な内向性を耳にした人たちのプライベートな吟遊詩人として、影の中にとどまり続ける可能性が高い」と結論付けた。[19]
1972年10月号のクリーム誌でアルバムを批評したコルマン・アンドリュースは、曲を「ひどく良くはない」「弱い」と評し、音楽は「文体よりもスタイルが、感覚よりも音が勝利したもの」であり、「彼の歌の多くは心地よい繰り返しである」が、これがポイントだと述べた。「彼は、自分の伴奏にどのような感情的制限を課すべきかを正確に知っている。それは魅惑的な音楽だ。」[20]
1990年代と2000年代にアルバムがコンパクトディスクで再発行された頃には、ドレイクの名声と批評家の評価は大幅に向上し、アルバムに対する伝統的なレビューは圧倒的に好意的なものであった。
Q誌のマーティン・アストンは1990年に「このアルバムの雰囲気は[ドレイクの最初の2枚のアルバムよりも]さらに遠く、喉と言葉の両方に敗北感が感じられるが、彼の最も優雅なメロディーがいくつかある」と評した。[30]
同じ雑誌に掲載されたジョン・ハリスによる2000年再発盤のレビューはさらに肯定的で、「多くの人がピンク・ムーンをニック・ドレイクの最高傑作としている」と主張し、「成功へのモチベーションは消え去り、ドレイクは表面的には信じられないほど独特で妥協のないレコードを作った...真実は、ピンク・ムーンの素晴らしさは、[レコード制作中とその後の死に関するドレイクの心境に関する]果てしない憶測に関係なく、輝きを放っているということだ。これほど親密に聞こえたり、憂鬱として知られる永遠の人間の病をこれほど優雅に確信を持って体現したレコードはほとんどない」と述べた。[25]
モジョ誌でロブ・チャップマンは「ピンク・ムーンは彼の最高傑作であり、ロバート・ジョンソンと比較されるのは当然だ」と主張した。 [31]
ケンブリッジ大学でドレイクと同時代を過ごした評論家で作家のイアン・マクドナルドは、Uncut誌で「明らかなのは、これが最高級のシンガーソングライターのアルバムの一つであり、11曲のほぼ全てが時代を超えた名曲だ」と述べている。[29]
ローリングストーン誌のアンソニー・デカーティスは「これらのセッションの頃までに、ドレイクは自分の内面世界に深く引きこもっていたため、曲が『何について』なのかを言うのは難しい。彼の歌詞は、民俗的な俳句のように圧縮されており、その構造はほとんど子供じみたほど単純で、イメージは原始的である。彼の声は、うめき声や息の詰まるささやき声で魅惑的な官能性を伝えているが、まるで自分の人生をはるか遠く、越えられない距離から眺めているかのように歌っている。その孤立した要素はぞっとする。それを補強するために、孤独のメッセージが曲の簡素で雄弁なメロディーの表面に徐々に浮かび上がってくる。」と述べている。 [32]
3年後、同じ雑誌でジェームズ・ハンターは2003年の北米再発盤について「このアルバムはドラマチックな荒々しさと息を呑むほど美しい音楽を生み出している」と述べた。[26]
オールミュージックのネッド・ラゲットは回顧的なレビューで「ピンク・ムーンは、何よりもドレイクをカルト的な存在にしたレコードだ。特にピンク・ムーンは[彼のすべてのレコード]の中で最も暗い。ベル・アンド・セバスチャンのような人たちがドレイクのファンであることは明らかかもしれないが、このアルバムの穏やかで集中した苦悩は、悲惨であると同時に魅力的でもあるが、彼らがそれを達成できるかどうかは疑わしい...ドレイクの優雅な憂鬱は、シンプルで優しい歌声を貫くおかげで、少しも気取った感じに聞こえない。一方、彼のギター演奏の純粋な荘厳さは、--「ロード」や「パラサイト」の冒頭の音を考えてみると--見ていて息を呑むほどの驚異だ。」と書いている。[21]
2014年のボックスセット『タックボックス』の一部である『ピンクムーン』をレビューしたピッチフォークのジェイソン・グリーンは、「『ピンクムーン』は不吉なシンボルであり、差し迫った死や災難の兆しである...紙の上では、この感情は復讐的な怒りのように聞こえるが、レコードでは思索的な響きに聞こえる。ドレイクの声は、明白な怒りや悲しみを伝えることは決してなかった。彼は、育ちの産物である、わずかに優しい声と上流階級のアクセントを持ち、簡潔できれいで、ギターはいつものように、澄んだ純粋さで鳴り響いた。彼の音楽は非常に慰めになるので、その中心にある暗闇に常にアクセスできるわけではない。したがって、 『ピンクムーン』の感情的な放縦を聞くことは、彼の最初の2枚のアルバムの味を口に残さずにはほとんど不可能である。そのとき初めて、ギターの乾いた響きが少し不安に感じられ、静寂の背景は、ドレイクのビジョンの純粋さと、より暗い。まるで世界から脱落した人が予言をつぶやいているかのよう...ニック・ドレイクの音楽には、近づく者を魅了する静けさがあり、ピンク・ムーンはその最も純粋な表現である。ほとんどの人が最初に聴くニック・ドレイクのレコードであり、それには十分な理由がある。」[24]
賞賛
ピンク・ムーンは、コリン・ラーキンのオールタイム・トップ1000アルバム（2000年）の第3版で131位に選ばれました。 [33] 2003年には、ローリング・ストーン誌の「史上最高のアルバム500選」で320位にランクされました。[34] 2012年にそのランキングは321位に改訂され、2020年には201位に改訂されました。[35]
イギリスでは、ピンク・ムーンはメロディー・メーカー誌の2000年の史上最高のアルバムのリストで48位にランクされ、 [36]アンカット誌の2016年の史上最高のアルバム200選では126位にランクされました。 [37]
遺産
ニック・ドレイクの曲の最初の注目すべきカバーバージョンは、1992年にルシンダ・ウィリアムズがアルバム「Sweet Old World 」で「Which Will」をカバーしたときであり[38]、オルタナティブロックバンドのセバドーがEP 「Sebadoh vs Helmet」で「Pink Moon」をカバーした。[39] 2006年までに、ベックは「Which Will」や「Parasite」を含むアルバムの曲のカバーをオンラインのみでリリースした。[40]
1999年フォルクスワーゲン カブリオレ広告
1999 年 11 月 11 日、フォルクスワーゲンは、ピンク ムーンのタイトル トラックをサウンド トラックとして 使ったフォルクスワーゲン カブリオレをフィーチャーした「ミルキー ウェイ」というテレビ広告キャンペーンを開始しました。
アーノルド・コミュニケーションズの最高クリエイティブ責任者ロン・ローナーはプレスリリースで「この曲はとても特別です。ニック・ドレイクという男の古い曲です。『ピンク・ムーン』という曲で、ニック・ドレイクを知らない人にとっては、彼のことをよく知るための良い入門曲です。とても感動的です。そして私たちにとっては、特別な夜に田舎をドライブするのにとてもふさわしい曲だと思いました。」と述べた。[41]
ジョナサン・デイトンとヴァレリー・ファリスが監督し、ランス・アコードが撮影したフォルクスワーゲン・カブリオレのCMは、レコード売上の大幅な増加[42]と、ピンク・ムーンのAmazon売上チャートでの 5位獲得につながった。 [43]このキャンペーンは、ポピュラー音楽を広告に活用する上で重要なマイルストーンとなった。[要出典]
セントラル・イングランド大学メディア・コミュニケーション学部教授のベサニー・クライン氏は、「『ミルキー・ウェイ』の成功における『ピンク・ムーン』の役割は興味深いもので、コマーシャルの芸術性を高め、スポットの視覚的な芸術性によって保護された。広告が『効果があった』（美的成功）ため、ポピュラー音楽を広告に使用することに関する通常の否定的な議論は、止まらなかったとしても、少なくとも軽減され、肯定的な評価が伴った。この広告が『画期的』であり、『うまくできた』という点は偶然ではない。この広告が非常にうまく実行され、美的に非常に成功したため、業界と一般大衆はこの例をきっかけに広告における音楽の使用を再評価したのだ」と述べている。[44] 2001年、フォルクスワーゲンはフォルクスワーゲン・カブリオの新車購入者全員に、最初のトラックに『ピンク・ムーン』を収録したコンピレーションCDを配布した。
ニック・ドレイクのアルバム「ピンク・ムーン」の米国での売上は、カブリオのCMでこの曲が使用される前の6,000枚から、2000年には74,000枚に増加した。 [45] 2004年時点で、米国での売上は329,000枚であった。[46]
トラックリスト
すべての曲はニック・ドレイクによって作詞・作曲されました。
人事
すべてのクレジットはアルバムのライナーノーツから引用。[47]
- ニック・ドレイク– 「Pink Moon」のボーカル、アコースティックギター、ピアノ
生産
認定資格
リリース履歴
参考文献
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外部リンク
- DiscogsのPink Moon (リリースリスト)
- MusicBrainzの Pink Moon
- VW カブリオのコマーシャル（記事＋動画）