フランク・ピアテク

フランク・ピアテク（1944年生まれ）は、抽象的で幻想的な管状の絵画や、精神性、文化的記憶、創造のプロセスを探求する立体作品で知られるアメリカの芸術家である。^{[1] [2] [3] [4] [5]ピアテクは、}シカゴ・イマジストと共通する様々なタイプの有機的抽象を探求するシカゴの芸術家のグループの中で、1960年代半ばに登場した。[ ^{6] [7] [8]}しかし、彼の作品は表現主義的な表現よりも暗示に頼っている。^[9]シカゴ現代美術館（MCA）は『シカゴの芸術 1945-1995』の中で、ピアテクが「シカゴの抽象絵画の発展と洗練において重要な役割を果たした」と評し、シカゴ特有の抽象と具象のスタイル間の弁証法的な関係を描写した、注意深く描かれた生物学的構成を特徴としていると述べています。 ^{[10]ピアテクの作品は、}ホイットニー美術館、^[11]シカゴ美術館、^[12]シカゴ現代美術館、ポーランドのシュチェチン国立博物館、 ^[13]テラ美術館^[14]などの施設で展示されており、シカゴ美術館やシカゴ現代美術館などのパブリックアートコレクションに含まれています。 ^{[15] [16]}キュレーターのリン・ウォーレンは、ピアテクを「典型的なシカゴの芸術家であり、非常に個人主義的で内省的なアウトサイダー」であり、「芸術的に孤立した視点から、独特で深く感じられる世界観」を展開してきたと評しています。^[8]ピアテクは、画家でシカゴ美術館付属美術館教授の妻ジュディス・ガイクマンとともにシカゴに住み、仕事をしており、1974年以来シカゴ美術館付属美術館付属美術大学で教鞭をとっている^{。[17] [18]}

フランシス・ピアテク・ジュニアは1944年、ポーランド系およびスウェーデン系アメリカ人の家庭にシカゴで生まれた。^[19] 亡き父フランク・シニアは地域活動家で町内会会長であり、敬称付きの道路標識もある。^{[20]ピアテクはシカゴの}アーヴィングパーク地区で育ち、リバービュー遊園地に隣接するレーン・テクニカル高校に通っていた頃に創作を始めた。^{[19] [21]} 1970年代、同遊園地が閉鎖された後、同遊園地の向かいにスタジオを借りた際、同遊園地の廃墟が当時の作品に登場した。幼少期にポリオに罹患した後、シカゴ美術館付属美術大学（SAIC）で学び、1967年に美術学士号、1971年に美術学修士号を取得した。^{[19] [10]}学部生時代には批評家の注目を集め、1967年にはホイットニー美術館のキュレーター、ジョン・バウアーとハイドパーク・アートセンター（HPAC）のディレクター、ドン・バウムのスタジオ訪問を受け、1968年のホイットニー・ビエンナーレに選出された。同年、SAICからライアソン・トラベル・フェローシップを受賞した。^{[11] [6]}

ピアテクはこの助成金を使って1年間ヨーロッパ中を旅し、ノートにスケッチを書き留めながら、キャリアを通じてアイデアの源となる歴史の連続性に対する感覚を養っていった。^{[10] [21]}シカゴに戻った後の10年間で、ピアテクはシカゴ美術館（AIC）、^{[22] [23]}シカゴ美術館、^{[24] [25]} カナダ国立美術館、ルネッサンス協会などで展覧会に出展し、 NAMEギャラリー（1975年）、HPAC（1969年）、そしてシカゴのイメージ派アーティストと提携していたフィリス・カインドギャラリー（1972年）で個展を開催した。^{[6] [10]}その後、ピアテクはロイ・ボイドギャラリーとリチャード・グレイギャラリーで個展を開催し、シカゴMCA、^{[8] [10]} AIC、シカゴ文化センター、^[26] HPAC、^[27] テラアメリカンアートミュージアム、^[14]スマート美術館でのショーに出演しました。^[28]

メアリー・マシューズ・ゲドやジェームズ・ヨードなどの美術評論家は、ピアテクの作品は抽象表現主義、ポップアート、ミニマリズム、あるいは（シカゴでは）イマジズムといった支配的な芸術秩序の外にあり、現実世界の形態、幻想、あるいは内容に関するそのような運動の限界を回避していると述べている。^{[6] [29] [30]}彼らはピアテクの作品を２つに分類している。１つは絡み合った管状の形態のより広く知られているイメージであり、もう１つは彼の内面の思考や創作過程を明らかにする彫刻、コラージュ、インスタレーションといった原始的な作品である。^{[31] [6] [32]}抽象的であるにもかかわらず、彼の管状の作品は、ミケランジェロ、カラヴァッジョ、ベラスケスといったルネサンスやバロックの芸術家から、マネ、レジェ、バルテュスといったより近代の芸術家まで、そしてフランク・ステラといった抽象主義者の具象芸術を参考にしている。両団体とも、ケルズの書、カドゥケウス、アステカ、ミノア、ファラオのエジプト図像など、古代の資料から象徴的な形態を探求している。^{[29] [33] [32] [34]}ゲドとヨードは、ピアテクの作品は抽象と具象の間を漂い、生物学、セクシュアリティ、機械要素、精神性をほのめかす、制限のない「官能的で魅惑的なドラマ」を上演するためのスクリーンを提供していると書いている。 ^{[29] [ 35] [32] [34]}デニス・エイドリアンは、ピアテクの神話的、形而上学的、元素的関心を、シカゴ美術のロマン主義的気質と幻想的な側面の両方に結び付けている。^[36]

学部生の頃、ピアテクは早くから注目を集めた2つのグループの絵画を制作した。1つは、波、X、逆U字型などの形状のキャンバスを使用し、ストライプやチューブを特徴とし、キャンバスの端の輪郭に沿っていることが多かった「無題（小さなXの絵）」（1967年）などである。^{[8] [37] [26]}作家たちは、それらをフランク・ステラのミニマリスト的なストライプの絵画への直接的な反応であると説明しているが、それでもなお、 （ステラのように）絵画の平面性を肯定するのではなく、明暗法のモデリングと幻想的な空間を採用することで、当時支配的だったグリーンバーグ形式主義から離脱している。 ^{[6] [8] [26]}ピアテクはまた、巨大なうねるチューブ状のモチーフを試した（例えば、「無題」 、1967年）。これらの作品は彼が初めて受賞した作品であり（AIC 1967年と1968年の「シカゴとその周辺」展）^{[38] [39]}、美術館（AIC、1970年）に収蔵された。^[40]

管状の絵画は、40年にわたって幅広いバリエーションを模索してきたトレードマークの作品となった。ピアテクは、管状の絵画を、暗く密集した謎めいた空間から浮かび上がる、ねじれた模様のある対称的な形として描いた。フランツ・シュルツェやジェーン・アレンなどの評論家は、管状の絵画は、有機物（体、手足、男根、虫、腸、木）、人工物（コイル、ロープ、鎖、金属パイプ、結び目、風船）、象徴的な形のクローズアップ拡大を想起させると評した。^{[41] [ 42] [43] [36]}彼らはさらに、この作品が、コイル状のエネルギー、微妙なウェット・オン・ウェットのモデリング、クロスハッチのブラシワークとアクティブな表面、明るい色、輝く霊妙な光を示唆する力強い描画とリズミカルなデザインを特徴としていると特徴づけている。^{[44] [42] [45] [46] [36] [41]} 1970年代にアレンはそれらを「絡み合い波打つ形の薄暗い蛍光灯の世界への舷窓」と呼び、「形の基本的な感覚の魅力的な演習」となった。^[41]シュルツはそれらを形式的には地味で、本能的な比喩的連想、エロティシズム、ファンタジー、魔法を示唆する抽象的な作品であると説明した。^{[44] [35] [1]}

ピアテクは1970年代初頭、個人的かつ芸術的な危機の時期に、内向的でシャーマニズム的な2番目の作品群を展開した。作家たちは、死と再生、マクロコスモスとミクロコスモス、神話と集合的無意識を主要なテーマとしている。^{[6] [47] [21]}彼は当初、風景や樹木のイメージを求める壁画の依頼^{[43]に触発され、曲がりくねった原型的な形態や象徴的な象形文字を試すことになった。 [43] [26]}彼は個人的にこの方向性を追求し、蜘蛛や樹木を直接的に指示する象徴的な絵、工芸品のような彫刻、蛇、星、さやのような石棺、泥やより糸や布で覆われた船に乗った死人の彫刻などを制作した。^{[9] [6] [47] [21]}この新作でフィリス・カインド・ギャラリーとの関係は終わったが、オルタナティブ・ギャラリーのネーム・ギャラリー（1975年）での実験的なインスタレーションで頂点を迎え、儀式のような配置が彼の定番のチューブ・イメージと並んで特徴づけられた。^{[48] [31] [49]}いくつかの批評は、原始的なイメージと現代絵画の相互作用、そしてピアテクのこれまで隠されていたプロセスとインスピレーションへの洞察を指摘した。^{[49] [31] [48]}フランツ・シュルツェは、彫刻を説得力のある「フェティッシュなオブジェクト...不吉で私的なもの、彫像のように、先祖返りの意味合いに満ちている」と呼んだ。 ^[49]しかし、デレク・ガスリーは、原始的なアプローチは説得力に欠け、過度に理性的であると感じた。^[50]ピアテクは、キャリアを通じて、このより親密な作品を様々なメディアと形式で探求し続けている。

1980年代初頭、ピアテクとシカゴの画家ウィリアム・コンガー、ミヨコ・イトウ、リチャード・ラヴィングは、現実世界の連想、イリュージョニズム、メタファーとしての形態を取り入れた抽象表現への共通の関心に基づくグループを結成した。^{[51] [52] [10]}彼らはその手法を「暗示的抽象表現」と名付け、最終的にはピアテク、コンガー、ラヴィングが共同編集するアーティスト執筆の出版物、シカゴ・アート・ライトを通じてそのアイデアを宣伝した。 ^{[53] [54]}グループの共同作業は全国的な出版物で批評家の注目を集め^{[51] [55] [56] [57]}、シカゴ抽象表現の巡回展を開催した。^{[36] [27]}ピアテクはまた、コンガーやラヴィングを含む抽象表現主義者に焦点を当てていることで知られるロイ・ボイド・ギャラリー（1984年から2001年まで6回の個展）に移り、共通の関心をさらに強調した。^[6]

この時期、ピアテクはチューブのモチーフで同様の形式上の関心を探求し続けましたが、古典派のグレージング技法からウィレム・デ・クーニングのようなモダニストからアクリル絵具に応用した手法まで、絵画技法や材料を幅広く実験しました。^{[3] [58] [4]}これらの新しい方法は、彼が開発した SAIC の絵画コースの研究に触発されたもので、彼の作品をより階層的でエッジの柔らかい絵画的なアプローチ^{[30] [47] [58]}へと移行させ、形態の緩和、よりリズミカルな表面の動き、^[3]より鮮やかな色彩と空間の奥行きをもたらしました（例：Glowing Forms、1984 年）。^[1]アラン・アートナーやクリストファー・ライオンなどの批評家は、この作品にエロティシズムの感覚がより多く見られると指摘し、ルーベンスの肉付きの良い赤み、アングルのオダリスク、ミケランジェロの筋肉質と比較しました。^{[59] [60] [30] [61] [62]}彼らはまた、いくつかの展覧会をレビューし、この時期の作品はピアテクの絵画と、彼が展示した紙に描かれた繊細な柳とブドウの木炭の作品の両方において、よりデッサンを強調していたと指摘した。^{[58] [62] [2] [61]}

スタジオのセットアップを反映した「上階と下階」形式の展覧会（ロイ・ボイド・ギャラリー、1987年）で、ピアテクはより親密な作品群に新しい媒体を導入しました。それは、芸術制作をテーマにした10年分のコラージュ・アサンブラージュで、メインフロアの絵画の下の下のギャラリーに展示されました。^{[63] [32]}コラージュ作品は直線的な時間を破り、コピーで転送された初期のノートブックの画像（ピアテク、彼のスタジオ、儀式用のオブジェクト）、現在の作品、テキスト、神話の形を、精神的な考古学とより大きな集団とのつながりの両方を示唆する記憶と原型のオーバーレイで結合します。^{[5] [32] [64]}アラン・アートナーやアンディ・アーギーなどの批評家は、これらの複合メディア、重層的なマークやプロセスの組み合わせを、彼の最も精巧な作品の一つであると評した。それは、彼の絵画の根底にある抽象と具象の感性と相互作用を明らかにする文化史の系譜に関わる、暗く凝縮された意識の流れの絵画日記である。^{[63] [32] [58] [62] [2]}

ピアテクは、この創作過程の探求を、その後のいくつかのインスタレーションでも展開した。彼は妻で画家のジュディス・ガイクマンとともに、スタジオの残留物（原材料、スケッチ、本、情報源）を、アーティストの作品を照らす付随テキストとして探求した2つのダブルインスタレーション、「スタジオ過程残渣」 （1999年）と「スタジオの絵画」（2009年）を発表した。どちらの展覧会でも、彼らはそれぞれ、完成した作品を含むスタジオの表現を作成した。^{[18] [65] [66] 「}ほぼ航海時間/旅行者レポート」（2008年）は、2つのボート/ポッドの形をした祭壇のようなインスタレーションで、ドローイング、シンボル、テキストの断片が記された紙のタグがぶら下がっており、変容のための素材の収集を示唆している。^[21]インスタレーション作品「ケルクス・アイオン」（2007-8年）と「隠された索引の劇場」（2014年）は、ピアテクのテキストとマーク作成行為への重点を引き継いでおり、言葉のドローイングと無数のタグや切り取った紙を組み合わせ、多くの場合象徴的なシンボルやパターンでマークやペイントを施し、紐で一列に吊るしている。^[67]

ピアテクは40年以上にわたり、主にシカゴ美術館附属美術大学（SAIC）で美術を教えてきた。セントルイスのワシントン大学で1年間（1973〜74年）、SAICで数年間パートタイムで教えた後（1971〜72年、1974〜84年）、1984年にSAICのフルタイムの職に就き、現在もその職に就いている。^[17] 1990〜93年、リチャード・ラヴィングとともに絵画プログラムの共同議長を務めた。 1976年、ピアテクは、同校で廃止されていた「絵画の材料と技法」のコースを研究し、再考し、当時のいわゆる「絵画の終焉」の危機などの現代の理論的議論や、幅広い歴史的絵画プロセスを導入した。このコースは40年以上にわたって継続されている。^{[8] [6] [47]}また、1991年には、長年にわたる講義/スタジオコース「アートにおけるスピリチュアル」を考案し、開発した。 ^{[68] [69]ピアテクは、}ホワイトウォールズ、シカゴ/アート/ライト、カレッジアートアソシエーションで、ドローイング、抽象化、地域主義、アートにおけるスピリチュアルについて執筆および講義を行っている。 ^{[70] [53] [54] [71]}

ピアテクの作品は、シカゴ美術館^[15]、シカゴ美術館^[16]、 アーカンソー美術館^[72] 、カリフォルニア大学デービス校のCNゴーマン美術館^{[73] 、} エルムハースト大学^[52] 、イリノイ州立博物館^[74 ] 、メアリー＆リー・ブロック美術館^[75] 、ミネアポリス美術館^[76]、 スマート美術館^[77] 、シカゴ大学クラブ^[78]、ワシントン州立大学美術館^[79]などの公共美術コレクションに収蔵されている。ピアテクは、全米芸術基金（1985年）、イリノイ芸術評議会（1980年）^[80]、フランシス・ライアソン外国旅行（1967年）フェローシップ、シカゴ美術館のポーリン・パーマー賞、ジョン・G・カーティス賞などの栄誉を受賞している。 ^{[39] [23] [17]}

• フランク・ピアテク、アーティスト口述歴史アーカイブ、シカゴ美術館。リンダ・L・クレイマーとサンドラ・ビニオンへのインタビュー、2010 年。
• フランク・ピアテックの作品、シカゴ美術館の永久コレクション。