バイオリンのテクニック

バイオリンを演奏するには、楽器を顎と鎖骨の間に挟む必要があります (この姿勢のバリエーションについては以下を参照してください)。弦は、弓を引く(アルコ)か、はじく (ピチカート) ことで鳴らします。左手は、指で弦を指板に押し当てて弦の音の長さを調節し、さまざまな音程を生み出します。

バイオリンは、様々な方法で持つことができます。ほとんどの演奏者は、楽器の下部を左肩と顎の間に持ち、半永久的に取り付けられたあご当てと取り外し可能な肩当てを補助として使います。あごの下に正しく持てば、バイオリニストは楽器を手で放しても、楽器はしっかりとそこに留まります。楽器を持つ他の一般的な方法には、座った状態でスクロールを足の上に置くカルナータカ式^[1]や、ダンスマスターの「キット」または「ポシェット」式、つまり前腕に沿って胸郭の下縁に沿わせる持ち方がありますが、これらは広く普及した伝統的な持ち方ではありません。歴史的には、バロックバイオリンは顎なしで持つことが多かったようで、今日の古楽演奏者もこの持ち方をすることが多いです。^[2]モロッコ では、バイオリンは座った演奏者の太ももの上に完全に垂直に置き、左手でバランスを保ちながら指を弾くことがよくあります。

顎当てと肩当てのアクセサリーは、さまざまなスタイルと形状のものがあるので、各自の体格と演奏スタイルに最も適した組み合わせを見つけることができます。理想的な組み合わせを探すのは、場合によっては長い時間がかかることがあります。どのような装備であっても、演奏者は通常、背骨、特に首をまっすぐにして、バランスのとれた自然で快適な姿勢を維持することを目指します。多くのバイオリニストは、その部分に長期間圧力がかかることで、首に赤みがかった跡、いわゆる「バイオリンのキスマーク」（または「フィドラーのキスマーク」）を持っています。この跡は、顎当てクランプ金具のニッケルメッキに対するアレルギー反応、または楽器に存在する微生物病原体によって悪化する場合があります。^[3]

左手首をリラックスさせてほぼ「まっすぐ」にしておくと、指の動きが自由になり、反復運動障害の可能性が減ります。手首を折り曲げて手の甲でバイオリンを「支える」のは、多くの初心者が陥る残念な癖で、克服するには何年もの絶え間ない注意が必要です。左前腕はかなり極端に回外し、左肘は内側、つまり右に引かれます。低弦に届きやすくするために、左肘を見えるところまで持ってくるようにとアドバイスされることもあります。

どちらかの肩を自然にリラックスした位置より上に上げることは、気づかないうちに簡単に身につく癖です。他の不必要な緊張と同様に、動きの自由度が制限され、不快感のリスクが高まり、音質が低下します。右腕と弓で形成される「四角形」に注意を払い、それを平らな面に保ち、弦を交差する動きでどの部分が「リード」しているかを観察すると役立ちます。

バイオリンを始めたばかりの生徒は、左手の指を正しく置くために、指板に貼られたテープやマーカーに頼ることが多いですが、より熟練した経験豊富な演奏者は、そのような指示がなくても、練習と経験から正しい位置に指を置きます。 良いイントネーションを得るために、バイオリン演奏者は、正しい位置に指を置くように訓練し、音程が合っているか外れているかを聞き分け、演奏中に素早く自動的に音程を修正する能力を養います。 心の中で音程を「歌う」ことは、正しい位置に指を置くのに役立ちます。 (実際には、イントネーションは、隣接する開放弦を鳴らし、2 つの音の間隔を聞くことで確認できます。) 指を置いた後に目的の音程に調整することは確かに可能ですが、最初に指が適切に置かれるように訓練することで、必要な調整の量を大幅に減らすことができます。

指は慣例的に 1 (人差し指) から 4 (小指) まで番号が付けられています。特にバイオリンの教則版では、音符の上の数字はどの指を使うかを示し、音符の上の「0」は「開放」弦、つまり左手で音程を操作せずに弦を弾くことを示します。2 番目の指は「低い」または「高い」のいずれかで、第 1 ポジション (弦に指を置いていない) の E 弦の G または G ♯に対応します。同様に、左のボルノフ指​​パターンの表に示されているように、1 番目の指は半音下げて F を、3 番目の指と 4 番目の指はそれぞれ A ♯ と C をそれぞれ上げます。(パターン番号 5 はパターン番号 3 と同じように見えますが、半音下げて「ハーフ ポジション」になっています。)

左下のチャートは、第 1 ポジションで到達可能な音の配置を示しています。左手の指の配置は、目ではなく耳と手の問題です。つまり、聴覚と触覚/運動感覚の要素が強く、視覚的な参照はわずかにしか役に立ちません。また (このチャートには示されていませんが)、指がナットから「上」(ピッチ) に移動すると、音の位置の間隔が狭くなります。チャートの横にある青いバーは、初心者がテープを配置する一般的な可能性、つまり第 1 指、第 2 指、第 3 指 (および第 4 指)、またはボルノフ パターン 2 を表しています。この特定のパターンは、A 弦と E 弦に A メジャー スケールをもたらし、「きらきら星」のような簡単な曲の自然なスタートとなります。

指板上の左手の配置は、「ポジション」によって特徴付けられます。ほとんどの初心者が最初に弾く第 1 ポジション (一部のメソッドでは第 3 ポジションから開始) は、ナットまたはスクロール エンドに最も近く、演奏者の顔から最も遠い位置にあります。標準チューニングでは、このポジションで使用できる最低音はオープン G です。第 1 ポジションの最高音は、E 弦の 4 番目の指で止めて B を鳴らします。

したがって、第 1 ポジションでは、 E 弦に置いた人差し指は F ♯を出し、このポジションから、中指は G または G ♯ を、中指は A を、そして前述のように 4 番目は B を演奏できます。人差し指を押したときに G が出るように配置すること (まだ E 弦上にある) は第2 ポジションと呼ばれ、このポジションから C までのすべての上昇音 (4 番目の指で) を演奏できます。人差し指で A を押し下げると第 3 ポジションになり、1 つの弦の第 5 ポジションでは、上の弦の第 1 ポジションと同じ音が鳴ります。また、「ハーフ ポジション」もあり、ここでは人差し指は開放弦より半音上で、他の指は通常の位置より 1 音または半音下で鳴ります (例: (A 弦で) A ♯ -BC ♯ -D)。同じ音を第 1 ポジションで演奏するには、人差し指を「ロー ファースト」(A ♯ ) から B に動かしますが、これでは人差し指がスライドすることになり、これは必ずしも望ましいとは限りません。

バイオリンの音域の上限は、演奏者の技量によって大きく左右されます。熟練した演奏者は、1 本の弦で 2 オクターブ以上、楽器全体では 4 オクターブ以上を演奏できます。最低音と最高音を除くすべての音は、複数の弦の異なる位置で演奏できます。つまり、上記の「高い」B 音は、E 弦の 1 番目の位置の 4 番目の指だけでなく、A 弦の 5 番目の位置、D 弦の 9 番目の位置、G 弦の 13 番目の位置の 4 番目の指でも演奏できます。

バイオリニストは、しばしば低音弦の位置を変えますが、作曲家は困惑し、初心者は大いに困惑します。これは通常、弦を素早く切り替える (または「交差」する) 必要がある音楽パッセージを処理するために行われます。また、特定の音色を出すためにも行われます。つまり、同じ音でも、どの弦で演奏するかによって、かなり異なる音色になります。その「高い」B を E 弦 (最も高い弦で、通常はモノコアの金属弦) で演奏すると、明瞭でさえ鋭い音色になります。同じ「高い」B を A 弦、D 弦、または G 弦 (通常はモノコアではなく巻き弦) で演奏すると、「温かみ」が増し、耳障りな音がしなくなります。このため、バイオリニストは、A 弦の音符のフレーズ内で E 弦の 1 つの音符を演奏することを避けることがよくあります。E 弦の 1 つの音が別の音色で目立つためです。

弦によって音色は異なりますが、これは弦の物理的構成が異なり、楽器上での共鳴も異なるためです。弦の音色の選択は楽器の音楽性にとって極めて重要であり、中級者や上級者は効果を出すために意図的に低い弦を高い位置で演奏することがよくあります。この効果は作曲家や編曲家によって指示されることがあります。最も一般的な指示は、弦の文字名を使用します。たとえば、作曲家が本来は D 弦で演奏されるパッセージを G 弦で演奏したい場合、パートに「sul G」または「G Saite」または「auf G」または「G corde」(または単に「on G」) と記述します。数字やローマ数字が使用される場合もあり、その場合は「4. corde」または「IV corde」(上記のように、最も高い弦が No. 1、最も低い弦が No. 4) と記述されます。どの弦を演奏するかを示す最も簡単な方法は、数字 (「IV」または「III」など) のみを記述することです。

指で弦に触れずに音を弾くと、その弦の最低音が鳴り、特別な音色になります。このような音は開放弦で弾かれるといいます。開放弦の音 (G、D、A、E) は、指による減衰作用がないことと、指で押さえた音とは異なるビブラート (下記参照) が生み出されることから、非常に独特な音色になります。低い G (他の方法では演奏できない) 以外に、開放弦は特別な効果を出すために選ばれることがあります。

開放弦を使った印象的な効果の 1 つに、バリオラージュがあります。これは、2 本以上の弦で演奏される音符を交互に繰り返すもので、そのうちの 1 つは通常開放弦です。この弦の交差は多くの場合素早いため、弓の腕をしなやかに動かして演奏するのが最適です。開放弦と同じ音程を隣の弦で弾くこともあります。その場合、2 本の弦 (1 本は閉弦、もう 1 本は開放) の同じ音符が交互に演奏され、リズミカルな脈打つような効果が生まれます。バリオラージュは、ヨーゼフ ハイドンのお気に入りの手法で、例えば弦楽四重奏曲作品50 第 6 番や交響曲「告別」で使用されています。また、バッハのヴァイオリン独奏のための パルティータ第 3 番ホ長調の前奏曲でも大きく取り上げられています。

開放弦を、隣の弦の押さえ音と同時に弾くと、バグパイプのようなドローン音が出ます。これは、作曲家がフォークミュージックを模倣する際によく使われます。2 つの音が同一になることもあります (たとえば、D 弦の A を開放弦の A に対して指で弾くと、バイオリンを弾くような音が鳴ります)。

ダブル・ストップとは、2本の隣接する弦でストップ音を演奏し、2音のハーモニーを生み出すことです。これは、2本の弦に同時に指を正確に置かなければならないため、通常の単弦演奏よりも難しくなります。左手で両方の音に一度に到達できるように、高い位置に移動する必要がある場合があります。ダブル・ストップは、3本または4本の弦すべてを同時に演奏することを意味する場合もありますが、このような方法は、より正確にはトリプル・ストップまたはクアドラプル・ストップと呼ばれます。ダブル、トリプル、クアドラプル・ストップを総称して、マルチプル・ストップと呼びます。ただし、トリプル・ストップまたはクアドラプル・ストップは、単にコードと呼ばれる方が一般的です。開放弦を指で押さえた音と一緒に鳴らすことも、ハーモニーを得る別の方法です。ダブル・ストップと呼ばれることもありますが、より正確にはドローンと呼ばれます。これは、ドローン音 (開放弦) が、隣接する弦で演奏される異なる音のパッセージの間、持続される場合があるためです。

ビブラートは、左手と左腕を使って音のピッチを脈打つリズムで変化させるテクニックです。機械的には、指先の動きで振動する弦の長さを変えることで実現します。ビブラートには、指だけを使うものから手首や前腕全体を使うものまで、さまざまなスタイルがあります。これらのさまざまなテクニックを使うことで、ビブラートの振動の速度と振幅を変えて音楽的な効果を出すことができます。

ビブラートは、より感情的な音を生み出すと考えられており、ロマン派時代の音楽で多用されています。ビブラートの音響効果は、最も強い音の投射の変化によって生み出されるきらめきという形で、音に興味深さと暖かさを加えることに大きく関係しています。よく作られたバイオリンは、ピッチのわずかな変化に応じて、事実上、音のパターンをさまざまな方向に向けます。

バイオリニストは、ビブラートを使用する際、実際の音より後ろ向きに振動、つまり音程を下げます。これは、聴覚知覚が変化する音の中で最高音を好むためです。ビブラートは、音程外れの音を隠すのにほとんど役立ちません。特に初心者レベルのバイオリンの生徒は、音を長く伸ばすときや感情が緊張しているときにのみビブラートを使用するように教えられます。ビブラートは習得が難しい場合があり、習得するには数ヶ月、場合によっては数年かかることもあります。

ブリッジに近い位置で弓を弾きながら、指先で弦の倍音の節に軽く触れると、倍音を作り出すことができます。倍音によって最も安定した音色と音量を得るには、弓をより長く、より速く弾く必要があります。通常のしっかりとした音色ではなく、より高いピッチのかすかな倍音が聞こえます。各節は弦の整数分割、たとえば弦の長さのちょうど半分、または弦の長さのちょうど 3 分の 1 の位置にあります。これら 2 つのケースで生成されるピッチは、半分の場合は 1 オクターブ高く、3 分の 1 で振動する弦の場合は 1 オクターブと 5 度高くなります。応答性の高い楽器は、弦の長さに沿って多数の倍音の節を提供します。

音楽では、倍音は音符の上に小さな円で示され、倍音のピッチを決定します。倍音には、自然倍音と人工倍音（「疑似倍音」とも呼ばれます）の 2 種類があります。

人工倍音は、上で説明した自然倍音よりも高度なものです。1 本の弦で音を止め、たとえば人差し指で D 弦の「E」を押さえ、もう 1 本の指で4 度上の弦 (この場合は「A」の位置) に触れると、「E」の 4 倍音が生成され、止めた音 (この場合は E) の 2 オクターブ上の音が鳴ります。指の配置と圧力、弓の速度、圧力、および発音ポイントはすべて、目的の倍音を鳴らすために不可欠です。

「ハーモニック フィンガー」は、押された音の長 3 度上または 5 度上の音に触れることもできます。これらのハーモニックは、うまく発音するのが難しいため、あまり一般的には使用されません。長 3 度の場合、ハーモニックは倍音列の中でより高くなり、それほど容易には発音しません。5 度の場合、多くのバイオリニストにとって快適な範囲よりもストレッチが大きくなります。長 3 度ハーモニックの音高は、下の音より 2 オクターブ長 3 度上であり、5 度の場合は、下の音より 1 オクターブ長 5 度上です。

人工ハーモニクスの伝統的な表記法では、1 つの音符幹に 2 つの音符を使用します。下の音符には、弦が人差し指で強く止められる場所を表す丸い音符頭が使用され、上の音符には、弦が中指で軽く触れられる場所を表す 開いたダイヤモンド形の音符頭が使用されます。

ハーモニクスは、両方の音がハーモニクスであるダブルストップで演奏されることもほとんどありません。

人工倍音の精巧な一節は、特に 19 世紀から 20 世紀初頭にかけてのヴァイオリンの名手たちの作品集によく見られます。

右腕、手、弓は、音質、リズム、強弱、アーティキュレーション、および音色の特定の（ただしすべてではない）変化を司ります。弓は右手で持ち、親指をフロッグの下に曲げて支え、他の指は木に軽く触れます。中指と薬指は通常フロッグに巻き付けますが、場合によっては（バロックの演奏練習など）、手全体でフロッグの上のスティックを持ちます。小指を曲げて、スティックの八角形の近くの面（スティックの上部の面の隣）に置くと、親指を支点にして、その指で弓の「重さを軽減」できます。弓の動きは、前腕、上腕、肩ではなく、右手の動きによってのみ開始され、依存する必要があります。これらの部分の屈曲と伸展は、右手の動きによって受動的に行われる必要があります。そうしないと、微妙で繊細な弓のコントロールが不可能になり、右腕に過度の緊張が生じ、弓のコントロールが難しくなります。この緊張により、正しく演奏するために必要な動きが制限され、音の出が悪くなります。弓を適切に動かすのに十分な柔軟性を保つには、右腕をリラックスさせたままにしておくことが非常に重要です。

弦に圧力をかけることは、バイオリンでより大きな音を出すための主な方法です。圧力は、主に弓を弾く手の人差し指で加えます。音量を上げるために時々使用される別の方法は、弓の速度を上げることです。ただし、バイオリニストは弓の速度を上げながら、同時に小さな音で演奏することができます。2 つの方法は、異なる音色を生み出すため、同等ではありません。弦を押さえると、集中した、より強い音が出る傾向があります。

弓が弦と交差する音点も音色に影響します。ブリッジの近くで演奏すると (スル・ポンティチェロ)、通常よりも強い音になり、高調波が強調されます。また、指板の端で弓を演奏すると (スル・タスト)、基本周波数が強調され、繊細で優美な音になります。スズキは、この音点を「クライスラー・ハイウェイ」と呼びました。異なる音点をハイウェイの「車線」と考えることができます。

弓を使った「攻撃」にはさまざまな方法があり、それぞれ異なる表現を生み出します。このリストは決して網羅的なものではありません。

• デタシェ-デタシェという用語は単に「分離」を意味し、スラーでつながっていない音符すべてに適用できます。弦の上で弓を止めると振動が弱まり、ミュートされたアクセント、弦から離れたストロークをカバーする弾性デタシェ、滑らかな弓の切り替えで各音符の間に聞こえるギャップがないドラッグデタシェ（デタシェ トレイネ）が作成されます。^[4]
• マルテレー（フランス語、イタリア語martellato ）は文字通り「ハンマーで打つ」という意味で、軽くハンマーで打つようなアタックを伴うデタシェストロークの一種です。強いアタックはmartellatoと呼ばれます。
• コレ- 「スタック」または「グルード」は、弦の上に動かずに置かれた重い弓から始まるストロークです。理想的には、最初の重さは、望ましくないスクラッチ音を引き起こすのにほぼ十分です。^[5]
• スピッカート- 弦をはっきりと離して軽い「跳ねる」音を出すボウイング スタイルを使用するテクニック。大きな誤解があるにもかかわらず、バイオリニストはこのテクニックを水平ストロークで演奏します。「跳ねる」動きは、バイオリン弦の自然な抵抗、弓の毛の抵抗、およびストロークの軽い重量によるものです。スピッカートは、速いテンポでは「跳ねる」振幅が低いため、ソティエになります。スピッカートは通常、弓のバランス部分で演奏されます。バランス部分とは、弓の両側に重量が均等に分散され、最大限の制御を可能にする領域です。スピッカートのアーティキュレーションは、音符の真下に小さな三角形で示されます。または、音符の下に「スピッカート」という単語と一緒に小さな点を付けてスピッカートを示すこともできます。
• レガート- 演奏中に連続する音が、間にアーティキュレーションの無音を挟むことなくつながっていること。実際には、音のつながりや分離は相対的で、強調、アクセント、アタックの有無、アーティキュレーションの無音によって決まります。つながりや分離の度合いは、レガティッシモ（最も近いつながりを表す）、テヌート、ポルタメント、レガート、ポルトアート、ノンレガート、メゾスタッカート、スタッカート（レガートの自然な反意語）、スタッカティッシモとさまざまです。これらの用語の中には、単純なつながりや分離の度合いを超えた意味合いを持つものもあります。
• ソティエ（フランス語、イタリア語saltando、ドイツ語Springbogen、スペイン語saltillo） - 弓の真ん中で音符ごとに 1 回の弓のストロークを素早く演奏し、弓が弦からわずかに跳ね返る。この速度で跳ね返りが速くなると、フライング スタッカートまたはフライングスピッカートとなる。これは一貫した方法で示されるわけではなく、音符の上または下に点が付けられることもあれば、矢印のストロークが示されることもあり、また単に演奏者の裁量に任されることもある。スピッカートとソティエは同義語として使用されることもあるが、スピッカートは弦から離れたより広い範囲のストロークに適用される傾向がある。^[6]
• ジェテ- 「跳ね返り」弓法としても知られるこの方法は、弓を下げた状態で弓の上部 3 分の 1 の弦に「投げる」ことで、弓が跳ね返り、一連の素早い音を出す。通常、この方法では 2 から 6 の音が鳴るが、10 または 11 の音まで演奏できる。この技法は、19 世紀の名手、特にパガニーニの間で特に重要だった。^[7]
• ロウレ（フランス語、イタリア語： portato） - この弓のストロークは、ゆっくりとしたテンポで使用され、弓を止めることなく、スラー音をわずかに分離して明瞭にします。 ^[8]カンタービレの性質を持つパッセージで使用されます。
• アルペジオ、アルペジアンド、アルペジアート- 分散和音で演奏される跳ねるストロークで、アルペジオの各音が異なる弦で演奏されます。
• トレモロ- 主にオーケストラの演奏に使用され、正確に測定されたリズムではなく、非常に短いストロークで非常に速く弓を前後に動かします (通常は弓の上半分)。
• コル・レーニョ- 弦は弓の棒で（「木で」）打たれることもあります。これにより、ミュートされた打楽器のような音が出ます。フルオーケストラのバイオリンセクションで採用されると最も効果的です。コル・レーニョを演奏するバイオリンセクションの不気味な雰囲気は、ホルストの組曲「惑星」の「火星、戦争をもたらすもの」や、それより前のワルシャワ時代のフレデリック・ショパンのピアノ協奏曲第 2 番などで。
• シャッフル - スラーとアクセントの繰り返しパターン。一部のフィドル演奏スタイルでよく使用されます。シャッフルの名前には、ナッシュビル シャッフル、ジョージア シャッフル、ダブル シャッフルなどがあります。ダブル シャッフルは、トリックや見せびらかすためのシャッフルとみなされることが多いです。
• チョッピング - より現代的なパーカッシブなテクニックで、弓のフロッグ付近の毛を弦に打ち付け、不確定なピッチの素早い引っかき音を出します。主にブルーグラス ミュージシャンがマンドリンのオフビート チョップを再現するために使用しますが、最近ではCasey Driessen、Darol Anger、Rushad Egglestonなどのミュージシャンによってこのテクニックが装飾され、周期的なチョップやトリプル チョップが生み出されています。チョッピングは、 Crooked Still、Teho、Turtle Island String Quartetなど、多くのバンドのアレンジの主力となっています。

どのようなアタックやボウストロークが使用されるかに関係なく、ほとんどのプロのバイオリニストは、弓を弦に対して垂直に、ブリッジに対して平行に保つ、まっすぐなボウストロークを使用します。これにより、弓が目的のサウンドポイントにとどまり、一貫した音質が生まれます。^[9] まっすぐな弓を実現するための1つのテクニックは次のとおりです。ダウンボウを取るときは、上腕、下腕、手/手首に集中します。まず、誰かの鼻を肘で突くかのように上腕を後ろに動かします。次に、下腕をフォロースルーします。ボウストロークの終わり近くで、ピーナッツの瓶を開けるかのように手首と手を回転させます。これらの動きを正しく使用すると、まっすぐなダウンボウのボウストロークが作成されます。重要なステップは、弓を見て、弓がまっすぐになっていることを確認することです。アップボウは反対の方法で作成されます。引き続き弓から目を離さず、下腕を来た方向に動かします。上腕をフォロースルーします。このストロークの終わり近くで、ピーナッツの瓶を閉めるかのように手と手首を回転させます。

しかし、バイオリン教育者イヴァン・ガラミアンによって普及された別の弓奏法の流派があり、弓をブリッジに対してわずかに傾けて保持します。演奏者が下向きの弓を引くときは、右手を徐々に体から遠ざけ、上向きの弓を引くときは、右手を体に近づけます。このスタイルの支持者によると、これらのわずかな角度により、ブリッジとの接触が大きくなり、より豊かな音を生み出すのに役立ちます。

楽譜にpizz. ( pizzicatoの略)と記された音符は、弓で弾くのではなく、右手の指で弦をはじいて演奏されます。弓で弾く手がふさがっている場合 (または技巧的な効果を出すため)、左手を使うことができます。これは楽譜に「+」(プラス記号) で示されます。これにより、演奏者は別の弦をはじきながら同時に弓で弾く音符を演奏できます。さらに、一部の演奏者は、右手の 2 本の指を交互に使って高速のピチカートパッセージを演奏する技を習得しています。演奏者は、アルコ (弓で弾く) に戻る指示があるまでピチカートを演奏し続けます。

ピチカートを演奏する際の一般的な姿勢は 2 つあります。1 つは、右手で弓を握り、右手の親指を指板の右側に置いて、弦をはじく姿勢です。この姿勢は、はじく音の音質を高め、長時間のはじき演奏による疲労を軽減します。もう 1 つのピチカートの姿勢は、弓を握ったまま、右手の人差し指で弦をはじく姿勢です。この姿勢は、作曲家がアルコとピチカートの音を交互に演奏する場合に特に役立ちます。バイオリニストがスタイルをすばやく正確に切り替えることができるためです。

バイオリニストは左手で弦を弾くこともできます。楽譜では、弾きたい音の上に「+」記号で示されます。左手のピチカートは、一般的に右手のテクニックよりも音程の柔軟性が低くなりますが、右手をそのままの位置に置いたり、同時に演奏したりすることができます。このテクニックは、作曲家でありバイオリニストでもあるニッコロ・パガニーニが有名にしたテクニックです。

スナップ・ピチカートは、グスタフ・マーラーによって初めて定義されましたが、この技法を初めて広範囲に使用したのがベーラ・バルトークであったため、バルトーク・ピチカートと呼ばれることもあります。この技法では、演奏者は弦を指板から引き離し、弦を放すと弦が指板に力強く跳ね返り、鋭くパーカッシブなスナップ音を生み出します。バルトークの44の二重奏曲（第42番、アラビアの歌）やヴァイオリンのための無伴奏ソナタにその例が見られます。

バイオリンのブリッジに「ミュート」と呼ばれる小さなゴム、木、または金属の装置を取り付けると、音色が変わります。ブリッジに質量が加わり、自由に振動する能力が減って楽器の音が柔らかくなり、音量が下がり、可聴倍数の少ない、よりまろやかな音色になります。演奏では、望ましい鈍い効果が得られる場合があります。ミュートは主にオーケストラで使用され、弦楽器セクション全体がミュートを付けて演奏するため、柔らかく静かな音質になります。ミュートして演奏するパートには、イタリア語のsordinoの場合はcon sord. 、ドイツ語ではmit Dämpferと表記されます。(ミュートを外す指示はsenza sord.で、ドイツ語ではsenzaまたは「ohne Dämpfer」と表記されることもあります。) フランス語では、ミュートするパッセージの始めにミュートをかけるように「mettez les sourdines」、終わりに外すように「ôtez les sourdines」と指示されます。

同じ名前ですが、用途がまったく異なる、巨大な金属、ゴム、または木製の「練習用ミュート」や「ホテル用ミュート」があります。これらのミュートは、他の人の邪魔になる場所で練習するときに、音量を大幅に下げるために使用されます。

バイオリンのチューニングは、スクロールの下のペグボックスのペグを回すか、テールピースの微調整ネジを回すことで行います。バイオリンには常にペグが付いていますが、ファインチューナー (ファインアジャスターとも呼ばれる) はオプションで、ペグが 1 つだけの場合もあります。ファインチューナーを使用すると、ペグを使用するよりもはるかに簡単に弦のピッチを微調整できます。ほとんどのファインチューナーは、小さな金属ネジを回して、弦の端に取り付けられたレバーを動かすことで機能します。(テールピースの近くで弦のアフターレングスの短いセグメントをネジで圧着する別のタイプのチューナーが時々見られ、最も一般的には小型の楽器に使用されています。) ファインチューナーは通常、若い演奏者、分数サイズの楽器、高張力弦または金属弦を使用する演奏者、または初心者に推奨されます。ファインチューナーは、ソリッドメタル弦で最も便利です。ソリッドコア弦は合成弦ほど伸びないため、ペグだけでチューニングするのは難しい場合があります。ファインチューナーはガット弦を使用する場合には役に立ちません。ガット弦はより「伸縮性」があるため、チューナーの移動範囲が狭く、ピッチに大きな変化が生じません。また、プロングの角が鋭いため、弦がプロングを通過するときに弦が切れる場合があります。ほとんどの演奏者は、他の弦にファインチューナーが装備されていない場合でも、E 弦にファインチューナーを使用します。

A 弦は、まず音叉や、ほとんどのオーケストラではオーボエなどの基準音源に合わせて調律され、通常は 440 Hzに設定されますが、オーケストラによっては、より明るい音を出すために 442 Hz などの別の基準 A に調律したり、さらには 445 Hz や 446 Hz に調律したりすることもあります。本格的な演奏を志す古楽グループは、より低い基準 A を使用する場合もあります。ピアノやアコーディオンなどの固定ピッチの楽器で演奏する場合、バイオリニストはその楽器に合わせて調律する必要があります。次に、他の弦を 2 本ずつ弓で弾いて、完全五度間隔で A に調律します。これにより、開放弦は純正律になり、低音弦は平均律の標準弦に比べてフラットに聞こえることがあります。実際には、これはある程度の妥協が必要であることを意味し、特にビオラとチェロでは弦は常に完全五度に調律されているわけではなく、最低弦は基準のAから5度3離れたCであるため、違いがより顕著になります。

弦を手で伸ばすことで、一時的に小さなチューニング調整を行うこともできます。弦は指板の上に引っ張ることで平らにしたり、糸巻き箱の中の弦の一部を押して尖らせたりすることができます。これらのテクニックは演奏に役立ち、休符や正しくチューニングできる他の機会が来るまで、チューニングが外れた弦の悪影響を軽減します。

バイオリンのチューニング、特にペグのチューニングは、ブリッジを指板の方に傾ける原因になります。そのままにしておくと、ブリッジは歪んでしまいます。熟練した演奏者は、チューニング後、ブリッジが真っ直ぐに立っていて、f ホールの内側の切れ込みの中央に位置しているかどうかを通常確認します。ブリッジは自由に動き、摩擦と弦の張力によってのみ固定されているからです。有能なバイオリニストは、ブリッジを真っ直ぐにし、中央に配置する方法を知っています。これは、通常の弦の張力で簡単に行うことができ、楽器に損傷を与えることはありません。

GDAE 調律は、ほとんどのバイオリン音楽で使用されています。ただし、他の調律も時々使用されます (たとえば、G 弦を A に調律する)。クラシック音楽ではこの技法はスコルダトゥーラと呼ばれ、一部のフォーク音楽では「クロスチューニング」と呼ばれています。このような調律は数多く存在し、その調律で演奏される著名な曲にちなんで名付けられることがよくあります。クラシックのソロバイオリンのレパートリーにおけるスコルダトゥーラの良い例は、パガニーニのヴァイオリン協奏曲第 1 番変ホ長調です。この曲のヴァイオリンはニ長調で書かれており、バイオリニストはオーケストラの調である変ホ長調に合わせるために半音高く調律することになっています。もう 1 つの注目すべき例は、E 弦を半音下げて調律する必要がある 「死の舞踏」です。

• 擦弦楽器の拡張奏法
• ピッチ（音楽）

• レオポルド・モーツァルト『ヴァイオリン演奏の基本原理に関する論文』オックスフォード大学出版局、米国、1985年第2版
• レオポルド・アウアー著『ヴァイオリン演奏の教え方』ドーバー出版 1980年
• イヴァン・ガラミアン『ヴァイオリン演奏と指導の原理』ドーバー出版 2013
• イヴァン・ガラミアンとフレデリック・ノイマン『現代ヴァイオリンテクニック』第 1 巻、ギャラクシーミュージック
• フレデリック・ノイマンとイヴァン・ガラミアン著『現代ヴァイオリン技法 第2巻：音階とアルペジオの練習における二重および多重ストップ』
• サイモン・フィッシャー、Basics、ピーターズ版
• サイモン・フィッシャー『ヴァイオリンレッスン ヴァイオリン指導と独学のためのマニュアル』、Edition Peters 2013
• サイモン・フィッシャー『練習：ヴァイオリンのための250のステップバイステップの練習法』、ピーターズ版
• ドリュー・レチャー『バイオリンテクニック：マニュアル』
• カール・クルボアジエ『ヴァイオリン演奏のテクニック：ヨアヒム・メソッド』ドーバー出版 2006年

• バイオリンの運指表 - 初心者向けのさまざまなバイオリンの運指表
• バイオリンの弾き方 - 初心者がバイオリンを弾くのに役立つ画像とビデオのシリーズ。
• バイオリンの運指パターン表 - シャープ調のバイオリンの運指表
• https://www.violinonline.com/howtoholdtheviolin.html - バイオリンの持ち方
• https://www.masterclass.com/articles/violin-101-whats-the-correct-way-to-hold-a-violin-learn-how-to-hold-a-violin-in-4-steps#why-is-violin-posture-important - MasterClass によるバイオリンの持ち方