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バイオリンを演奏するには、楽器を顎と鎖骨の間に挟んで持ちます（この姿勢のバリエーションについては下記を参照）。弦は、弓を弦に当てて引く（アルコ）か、弦をはじく（ピチカート）ことで音を出します。左手は、指板に弦を押し当てて音の長さを調整することで、異なる音程を生み出します。
バイオリンはさまざまな持ち方で演奏できます。ほとんどの演奏者は楽器の下部を左肩と顎の間に挟んで持ち、半永久的に取り付けられたあご当てと取り外し可能な肩当てで支えることが多いです。あごの下で正しく保持すれば、バイオリニストは楽器から手を離しても、楽器はしっかりとそこに留まります。楽器の一般的な持ち方としては、スクロールを足に乗せて座ったカルナティックの姿勢[ 1 ]や、前腕に沿って肋骨の下縁に沿って持つダンスマスターの「キット」または「ポシェット」の持ち方などがありますが、これらは広く伝統的な持ち方ではありません。歴史的には、バロックバイオリンはあごに挟まずに持つことが多かったと考えられ、今日でも古楽の演奏者はこのように持つことが多いです[ 2 ] 。モロッコ では、バイオリンは座った演奏者の太ももの上に完全に垂直に立てて持ち、左手でバランスを取りながら運指することがよくあります。
あご当てと肩当てのアクセサリーにはさまざまなスタイルと形状があり、各個人が自分の体格と演奏スタイルに最も適した組み合わせを見つけることができます。理想的な組み合わせを探すのは、場合によっては長い道のりになることもあります。どのような装備であっても、演奏者は通常、特に首をまっすぐに保ち、バランスの取れた自然で快適な姿勢を維持することを目指します。多くのバイオリニストは、その部分に長期間圧力がかかったために、首に赤みがかった跡、いわゆる「バイオリンのヒッキー」（または「フィドラーのヒッキー」）を持っています。この跡は、あご当てのクランプ金具のニッケルメッキに対するアレルギー反応、または楽器に存在する微生物病原体によって悪化する可能性があります。[ 3 ]
左手首をリラックスさせてほぼ「まっすぐ」に保つことで、指の動きが自由になり、反復性ストレス障害のリスクが軽減されます。手首を曲げて手のひらの付け根でバイオリンを「支える」のは、多くの初心者が陥りがちな悪い癖で、克服するには何年もの絶え間ない注意が必要になる場合があります。左前腕はかなり回外し、左肘は内側、つまり右側に引き寄せられます。低い弦に楽に届くように、左肘を目に見える位置まで持ってくるようにアドバイスされることもあります。
肩を自然なリラックスした位置よりも高く上げてしまうのは、気づかないうちに身についてしまう癖です。他の不必要な緊張と同様に、肩を上げると動きの自由度が制限され、不快感が増すだけでなく、音質も低下します。右腕と弓が作る「四角形」を意識し、常に水平を保つように心がけ、弦を交差させる際にどの部分が「先行」しているかを意識することが大切です。
バイオリンを始めたばかりの生徒は、左手の指の正しい位置を知るために指板に貼られたテープやマーカーに頼ることが多いが、より熟練した経験豊富な演奏者は、そのような指示なしに、練習と経験によって正しい位置に指を置くことができる。良い音程を得るために、バイオリン奏者は指を正しい位置に着地させる訓練をし、音程が合っているかずれているかを聞き分けることを学び、演奏中に素早く自動的に音程を修正する能力を養う。音程を頭の中で「歌う」ことは、正しい位置に指を置くのに役立つ。（実際には、隣接する開放弦を鳴らし、2つの音の間の音程を聞き取ることで音程を確認することができる。）指を着地させた後に目的の音程に調整することは確かに可能だが、最初に指を正しく着地させる訓練をすることで、必要な調整量を大幅に減らすことができる。
指は慣習的に1（人差し指）から4（小指）まで番号が振られています。特にバイオリンの教則本では、音符の上に数字が記され、どの指を使うべきかが示されています。音符の上に「0」が付いている場合は「開放弦」、つまり左手で音程を操作せずに弦を弾くことを意味します。第2指は「低音」または「高音」のいずれかで、第1ポジション（弦に指を触れない状態）のE線上のGまたはG♯に対応します。同様に、左側のボルノフの指使いの図に示すように、第1指は半音下げてF、第3指と第4指はそれぞれA♯とCに対応します。（パターン番号5はパターン番号3と同じように見えますが、半音低く、「ハーフポジション」になっています。）
左下の図は、第1ポジションで到達可能な音の配置を示しています。左手の指の配置は、目ではなく耳と手の問題です。つまり、聴覚と触覚/運動感覚の要素が強く、視覚的な参照はごくわずかしか役に立ちません。また（この図には示されていませんが）、指がナットから「上」（音程）に移動するにつれて、音の位置間の間隔は狭くなります。図の両側の青いバーは、初心者がテープを配置する際の一般的な可能性、つまり第1、第2、第3（および第4）指、またはボルノフパターン第2番を表しています。この特定のパターンでは、A弦とE弦でAメジャースケールとなり、「きらきら星」のような簡単な曲の自然な出発点となります。
左手の指板上の位置は「ポジション」によって特徴づけられます。ほとんどの初心者が最初に始める第1ポジション（教則本によっては第3ポジションから始めるものもあります）は、ナットまたはスクロールエンドに最も近く、演奏者の顔から最も遠い位置です。標準チューニングでは、このポジションで出せる最低音は開放弦のGです。第1ポジションで出せる最高音は、E弦に4番目の指を押さえて出すことで、Bの音が出ます。
したがって、第1ポジションでは、E弦に置いた人差し指がF♯の音を出します。このポジションから、中指はGまたはG♯、中指はA、そして前述のように小指はBを演奏できます。人差し指を押したときにG（E弦上）の音が出るように人差し指を配置することを第2ポジションと呼び、このポジションからCまでのすべての上昇音（小指による）を演奏できます。第3ポジションは人差し指がAを押したときに達成され、以下同様、 1本の弦の第5ポジションは、その上の弦の第1ポジションと同じ音を出します。また、「ハーフポジション」もあり、人差し指は開放弦の半音上、他の指は通常の位置の1音または半音下の音を出します。たとえば、（A弦では）A♯ -BC♯ -D 。同じ音は、人差し指を「低い第1ポジション」（A♯）からBに移動させることで第1ポジションで演奏できますが、人差し指が滑ることになり、必ずしも望ましいとは限りません。
バイオリンの音域の上限は、主に演奏者の技量によって決まります。熟練した演奏者は、1本の弦で2オクターブ以上、楽器全体では4オクターブ以上を演奏できます。最低音と最高音を除くすべての音は、複数の弦の異なるポジションで演奏できます。つまり、前述の「高い」B音は、第1ポジションのE線を4番目の指で押さえるだけでなく、第5ポジションのA線、第9ポジションのD線、第13ポジションのG線でも4番目の指で演奏できます。
バイオリニストは低音弦でポジションを頻繁に変えますが、これは作曲家を困惑させたり、初心者を混乱させたりすることがあります。これは通常、弦を素早く切り替える（または「交差」させる）必要がある楽節を演奏するために行われます。また、特定の音色を生み出すためにも行われます。同じ音でも、どの弦で演奏するかによって音色が大きく変わります。例えば、最も高いE線（通常は単芯金属弦）で演奏した「高い」B音は、澄んだ、あるいは鋭い音色になります。一方、A線、D線、G線（通常は単芯ではなく巻線）で演奏した同じ「高い」B音は、より「温かみのある」、あるいは耳障りでない音色になることがあります。そのため、バイオリニストはA線で演奏するフレーズの中でE線で1音だけ演奏することを避けることがよくあります。E線の音だけが他の音色と異なれば、その音色が際立ってしまうからです。
弦はそれぞれ異なる物理的構成と楽器上での共鳴特性を持つため、音色も異なります。異なる弦でどのような音色を選ぶかは楽器の音楽性にとって非常に重要であり、中級者や上級者は効果を狙って低い弦で高いポジションを意図的に演奏することがよくあります。この効果は作曲家や編曲家によって指示されることもあります。最も一般的な指示方法は弦の音名を使うことです。例えば、作曲家が本来D線で演奏するパッセージをG線で演奏させたい場合は、パート譜に「sul G」、「G-Saite」、「auf G」、「G corde」、または「on G」と書きます。最初の2つが最もよく使われる表記です。数字やローマ数字が使われることもあり、例えば「4. corde」や「IV corde」と書かれることもあります（上記と同様、最も高い弦がNo. 1、最も低い弦がNo. 4です）。どの弦を演奏するかを示す最も簡単な方法は、数字（例えば「IV」や「III」）だけを書くことです。
指で弦に触れずに音を出すと、その弦の最低音が出ます。このような音は開放弦で演奏されたと言われます。開放弦の音（G、D、A、E）は、指による減衰作用がないことと、ビブラート（後述）が指で押さえた音とは異なることから、非常に独特な音色になります。最低音のG（他の方法では演奏できない）を除けば、開放弦は特殊効果のために選ばれることもあります。
開放弦を用いた印象的な効果の一つにバリオーラージュがあります。これは、2本以上の弦で演奏される音を繰り返し交互に演奏するもので、そのうちの1本は通常開放弦です。この弦の移動はしばしば速く、弓腕をしなやかに動かすことで最も効果的に演奏できます。時には、開放弦と同じ音高を隣の弦で押さえることで、2本の弦で同じ音を交互に演奏し、片方の弦は押さえ、もう片方は開放することで、リズミカルな脈動効果を生み出します。バリオーラージュはヨーゼフ・ハイドンのお気に入りの技法で、例えば弦楽四重奏曲作品50第6番や「告別」交響曲で用いられています。また、バッハの無伴奏ヴァイオリンのためのパルティータ第3番ホ長調のプレリュードでも顕著に用いられています。
開放弦を弾きながら隣の弦を押さえて音を出すと、バグパイプのようなドローン音が得られ、作曲家が民謡を模倣する際によく用いられる。時には2つの音が同じ場合もあり（例えば、D弦のA音を押さえながら開放弦のA音を出すなど）、響き渡るような「バイオリン」のような音になる。
ダブルストップとは、隣接する2本の弦でストップ音を演奏し、2音のハーモニーを作り出すことです。これは、指を2本の弦に同時に正確に置かなければならないため、通常の単弦演奏よりも難しくなります。左手が両方の音に同時に届くように、より高いポジションに移動する必要がある場合もあります。ダブルストップは、3本または4本の弦すべてを同時に演奏することを意味する場合もありますが、そのような演奏方法は、より正確にはトリプルストップまたはクアドラプルストップと呼ばれます。ダブルストップ、トリプルストップ、クアドラプルストップをまとめてマルチプルストップと呼びます。ただし、トリプルストップまたはクアドラプルストップは、一般的には単にコードと呼ばれます。指で押さえた音と同時に開放弦を鳴らすことも、ハーモニーを得るもう1つの方法です。これもダブルストップと呼ばれることがありますが、ドローン音（開放弦）は隣接する弦で演奏されるさまざまな音のパッセージの間持続できるため、より正確にはドローンと呼ばれます。
ビブラートとは、左手と左腕を使った奏法で、音の高さが脈打つようなリズムで変化するものです。機械的には、指先の動きによって弦の振動長を変化させることで実現されます。ビブラートには、指だけを使うものから手首、さらには前腕全体を使うものまで、さまざまなスタイルがあります。これらの異なる奏法を用いることで、ビブラートの振動速度と振幅を変化させ、音楽的な効果を生み出すことができます。
ビブラートは、より感情豊かな音色を生み出すとよく考えられており、ロマン派音楽では多用されています。ビブラートの音響効果は、主に音の最も強い部分の音量の変化によって生じるきらめきという形で、音に面白みと温かみを加えることにあります。良質なバイオリンは、わずかな音程の変化に応じて、音の方向を自在に変えることができるのです。
バイオリニストはビブラートを使う際、実際の音よりも低い音程で音を揺らします。これは、人間の聴覚が変化する音の中で最も高い音程を好むためです。ビブラートは音程のずれを隠す効果はほとんどありません。バイオリンの生徒、特に初心者は、ビブラートは音を伸ばしたり、感情的な緊張感を表現する場面でのみ使うように教えられます。ビブラートは習得が難しく、マスターするには数ヶ月、場合によっては数年かかることもあります。
ブリッジの近くで弓を動かしながら、倍音節で指先で弦を軽く触れると、倍音が発生します。倍音が最も安定した音色と音量を生み出すには、弓をより長く速く動かす必要があります。通常のしっかりとした音の代わりに、より高いピッチの、かすれたような倍音が聞こえます。各節は弦の長さの整数倍の位置にあり、たとえば弦の長さのちょうど半分、または弦の長さのちょうど3分の1の位置にあります。この2つのケースで発生するピッチは、半分の場合は1オクターブ高く、弦が3分の1で振動する場合は1オクターブと5度高くなります。反応の良い楽器は、弦の長さに沿って多数の倍音節を提供します。
倍音は、音符の上に小さな丸印で示され、その丸印が倍音の音高を表します。倍音には、自然倍音と人工倍音（「偽倍音」とも呼ばれる）の2種類があります。
人工倍音は、上述の自然倍音よりも高度なものです。例えば、D線の第一指で「E」の音を押さえ、別の指でその弦の4度上の音、この場合は「A」の音の位置に触れると、「E」の4次倍音が発生し、押さえた音（この場合はE）より2オクターブ高い音が鳴ります。目的の倍音を鳴らすには、指の位置と圧力、弓の速度、圧力、そして音を出す位置がすべて重要です。
「ハーモニックフィンガー」は、押さえた音の長3度上、または5度上の音にも触れることができます。これらのハーモニクスは、うまく鳴らすのが難しいため、あまり使われません。長3度の場合、ハーモニクスは倍音列で高い位置にあるため、あまり容易には鳴りません。5度の場合、指の伸びが多くのバイオリニストにとって快適ではありません。長3度のハーモニクスの音高は、低い音から2オクターブと長3度上、5度の場合は、低い音から1オクターブと5度上になります。
人工ハーモニクスの伝統的な記譜法では、1つの符幹に2つの音符が用いられます。下側の音符は、弦を人差し指で強く押さえる位置を表す丸い音符頭を用い、上側の音符は、弦を小指で軽く触れる位置を表す開いたひし形の音符頭を用います。
倍音は、両方の音が倍音である重音奏法で演奏されることは稀である。
人工倍音を用いた精緻なパッセージは、特に19世紀から20世紀初頭にかけてのヴァイオリンの名手たちの作品に見られる。
右腕、右手、そして弓は、音色、リズム、強弱、アーティキュレーション、そして（すべてではないが）音色の変化を司ります。弓は右手に持ち、親指をフロッグの下に曲げて支え、他の指は弓の木材に軽く触れます。中指と薬指は通常フロッグを包み込むように持ちますが、場合によっては（バロック音楽の演奏など）フロッグの上の弓を手全体で持ちます。小指を曲げて弓の八角形の面の手前の面（弓の上部の面の隣）に置くことで、親指を支点として弓の重さを「軽減」することができます。弓の動きは、前腕、上腕、肩ではなく、右手の動きのみによって開始され、依存されるべきです。これらの部位の屈曲と伸展は、右手の動きによって受動的に行われるべきです。そうでないと、繊細で優美な弓のコントロールは不可能になり、右腕に過度の緊張が生じ、弓のコントロールが難しくなります。この緊張は、適切な演奏に必要な動きを制限し、音質の低下につながります。弓を適切に動かすためには、右腕をリラックスさせ、柔軟性を保つことが非常に重要です。
バイオリンで大きな音を出す主な方法は、弦にかける圧力を強めることです。圧力は主に弓を持つ手の人差し指によって加えられます。音量を上げるための別の方法として、弓の速度を上げるという方法もありますが、バイオリニストは弓の速度を上げても同時に弱く演奏することができます。この2つの方法は音色が異なるため、同じではありません。弦を強く押さえると、より集中した、力強い音が出ます。
弓が弦と交わる点も音色に影響を与えます。ブリッジの近くで演奏すると（スル・ポンティチェロ）、通常よりも強い音色になり、高調波が強調されます。一方、指板の端で弓を演奏すると（スル・タスト）、繊細で優美な音色になり、基音周波数が強調されます。鈴木は、この音点を「クライスラー・ハイウェイ」と呼んでいましたが、異なる音点をハイウェイの「車線」と考えると分かりやすいでしょう。
弓を使った「攻撃」には様々な方法があり、それぞれ異なる音色を生み出します。このリストは決して網羅的なものではありません。
どのようなアタックや弓のストロークが使われていても、ほとんどのプロのバイオリニストは、弓を弦に対して垂直に、駒に対して平行に保つストレートボウストロークを使用します。これにより、弓が目的の音点に留まり、一貫した音質が生まれます。[ 9 ] ストレートボウを実現するためのテクニックの 1 つは次のとおりです。ダウンボウを行うときは、上腕、前腕、手首に集中します。まず、誰かの鼻を肘で突くように上腕を後ろに動かします。次に、前腕を追従させます。弓のストロークの終わり近くで、ピーナッツの瓶を開けるように手首と手を回転させます。正しく使用すると、これらの動作によってストレートダウンボウの弓ストロークが生まれます。重要なステップは、弓を見て、それがまっすぐなままであることを確認することです。アップボウは反対の方法で作成されます。弓に引き続き注意を払いながら、前腕を来た方向に動かします。上腕を追従させます。このストロークの終わり近くで、ピーナッツの瓶を閉じるように手と手首を回転させます。
しかし、ヴァイオリン教育者のイヴァン・ガラミアンによって広められた、弓を駒に対してわずかに傾けておく別の弓の持ち方もあります。ダウンボウを演奏するときは、右手を徐々に体から離し、アップボウを演奏するときは、右手を体の方に近づけます。このスタイルの支持者によると、こうしたわずかな角度によって駒との接触面積が大きくなり、より豊かな音色が得られるとのことです。
楽譜にpizz. (ピチカートの略)と記された音符は、弓ではなく右手の指で弦をはじいて演奏します。弓を持つ手が塞がっている場合 (または技巧的な効果を狙う場合) は左手を使うことができます。これは楽譜に「+」（プラス記号）で示されます。これにより、奏者は弓で弾く音符と別の弦をはじく音符を同時に演奏することができます。さらに、一部の奏者は右手の2本の指を交互に使って速いピチカートのパッセージを演奏する技を習得しています。奏者は、弓で演奏する (arco) 指示があるまでピチカートを演奏し続けます。
ピチカート奏法には、大きく分けて2つのポジションがあります。1つは、弓を右手でしっかりと握り、右手の親指を指板の右側に置き、弦を弾く方法です。このポジションは、弦を弾く際の音色を向上させ、長時間の演奏による疲労を軽減することができます。もう1つのピチカート奏法は、弓の持ち方を変えずに、右手の人差し指で弦を弾く方法です。このポジションは、作曲家がアルコ奏法とピチカート奏法を交互に用いている場合、奏者が素早く正確にスタイルを切り替えることができるため、特に有効です。
バイオリニストは左手で弦を弾くこともあり、楽譜上では弾きたい音符の上に「＋」記号で示されます。左手でのピチカート奏法は、一般的に右手での奏法に比べて音程の柔軟性は劣りますが、右手をそのままの位置に保つことも、同時に演奏することも可能です。この奏法は、作曲家でありバイオリニストでもあったニコロ・パガニーニが得意としていました。
スナップピチカートは、グスタフ・マーラーが最初に提唱した奏法ですが、ベーラ・バルトークがこの奏法を最初に本格的に用いたことから、バルトーク・ピチカートと呼ばれることも多いです。この奏法では、弦を指板から引き離し、放すと弦が勢いよく指板に跳ね返り、鋭くパーカッシブなパチンという音が出ます。バルトークの「44の二重奏曲」 （第42番「アラビアの歌」）やヴァイオリンのための無伴奏ソナタなどにその例が見られます。
バイオリンの駒に「ミュート」と呼ばれる小さなゴム、木、または金属製の装置を取り付けると、音色が変わります。駒に質量が加わることで自由に振動する能力が減り、音量が小さくなり、倍音が少なくなり、よりまろやかな音色になります。演奏では、望ましい鈍い効果が得られる場合があります。ミュートは主にオーケストラで使用され、弦楽器セクション全体がミュートを使用して演奏することで、柔らかく静かな音質が得られます。ミュートを使用して演奏するパートは、イタリア語のsordinoのcon sord. 、またはドイツ語のmit Dämpferと記されています。（ミュートを外す指示はsenza sord.で、ドイツ語ではsenzaまたはohne Dämpferと記されることもあります。）フランス語では、ミュートを使用するパッセージの始めにミュートを装着する「mettez les sourdines」、終わりに外す「ôtez les sourdines」と指示されます。
同じ名前だが用途が全く異なる「練習用ミュート」や「ホテル用ミュート」と呼ばれる、金属製、ゴム製、または木製の大型ミュートも販売されている。これらのミュートは、周囲の人に迷惑をかけずに練習できる場所で、音量を大幅に下げるために使用される。
バイオリンの調弦は、スクロールの下にあるペグボックスのペグを回すか、テールピースのファインチューナーネジを回すことで行います。バイオリンには必ずペグが付いていますが、ファインチューナー（ファインアジャスターとも呼ばれます）はオプションで、1つだけ付けることもできます。ファインチューナーを使うと、ペグを使うよりもはるかに簡単に、弦のピッチを非常に細かく調整できます。ほとんどのファインチューナーは、小さな金属製のネジを回すことで、弦の端に取り付けられたレバーを動かす仕組みになっています。（テールピース近くの弦の端の短い部分をネジで挟むタイプのチューナーも時々見られますが、これは主に小型の楽器に見られます。）ファインチューナーは、若い演奏者、分数サイズの楽器、高張力弦や金属弦を使用する人、または初心者におすすめです。ファインチューナーは、ソリッドメタル弦で最も効果を発揮します。ソリッドコア弦は合成弦ほど伸びないため、ペグだけで調弦するのは難しい場合があります。ガット弦を使用する場合、ファインチューナーは役に立ちません。ガット弦は伸縮性が高いため、チューナーの可動範囲が狭く、音程を大きく変えることができないからです。また、チューナーの突起部分の鋭利な角が、弦が通過する箇所で弦切れの原因となる可能性があります。ほとんどのプレイヤーは、他の弦にファインチューナーが装備されていなくても、E線にはファインチューナーを使用します。
A線は、まず音叉や、ほとんどのオーケストラではオーボエなどの基準音源に合わせて調律され、通常は440Hzに調律されますが、オーケストラによっては、より明るい音を出すために442Hzや445Hz、446Hzといった別の基準Aに調律するところもあります。古楽の本格的な演奏に関心のあるグループは、より低い基準Aを使用する場合があります。ピアノやアコーディオンなどの固定音高の楽器と演奏する場合は、バイオリニストはその楽器に合わせて調律する必要があります。次に、他の弦をペアで弓で弾いて、完全5度の間隔でAに調律します。これにより、開放弦は純正律になりますが、これは、低音弦が、通常の平均律の同等の弦に比べて低く聞こえる可能性があることを意味します。実際には、これは何らかの妥協が必要であることを意味し、弦は必ずしも完全五度で調律されているわけではない。特にビオラやチェロでは、最低音弦がCであり、基準となるAから5度3離れているため、その差がより顕著になる。
弦を手で引っ張ることで、一時的な微調整も可能です。弦を指板の上で引っ張ると平らになり、ペグボックス内の弦の部分を押すとシャープになります。これらのテクニックは演奏中に役立ち、休符や適切なチューニングを行う機会が得られるまで、音程が狂った弦による悪影響を軽減できます。
バイオリンの調弦、特にペグを使った調弦は、駒が傾く原因となることがあり、通常は指板側に傾きます。そのままにしておくと、駒は歪んでしまいます。調弦後、熟練した演奏家は、駒が弦の摩擦と張力だけで固定されているため、自由に動くことができ、 f字孔の内側の溝の間にまっすぐ立っているかを確認します。熟練したバイオリニストは、駒をまっすぐにし、中央に合わせる方法を知っています。これは、通常の弦の張力であれば、楽器に損傷を与えることなく簡単にできます。
ヴァイオリンの楽曲の大部分はGDAEの調律で演奏されます。しかし、クラシック音楽ではスコルダトゥーラと呼ばれる技法が、一部の民俗音楽ではクロスチューニングと呼ばれる技法が用いられるなど、他の調律も時折用いられます（例えば、G線をAに上げるなど） 。こうした調律は数多く存在し、その調律で演奏される有名な曲にちなんで名付けられることが多いです。クラシックのソロヴァイオリンレパートリーにおけるスコルダトゥーラの好例は、パガニーニの変ホ長調ヴァイオリン協奏曲第1番です。この曲ではヴァイオリンパートはニ長調で書かれており、ヴァイオリニストはオーケストラの変ホ長調に合わせて半音高く調律する必要があります。もう一つの注目すべき例は死の舞踏で、E線を半音下げて調律する必要があります。