サミア・ハラビー

独立研究者として、彼女は20世紀のパレスチナ美術の記録に、2001年の著書『パレスチナ解放芸術：20世紀後半のパレスチナ絵画と彫刻』（HTTB Publications）^{[ 10 ]}や、2012年の著書『中断されたエルサレム：近代性と植民地変革 1917-現在』（ Lena Jayyusi編、Olive Branch Press）^[ 11]に掲載された「20世紀前半のエルサレムの絵画芸術」と題する章、そして米国で企画したパレスチナ美術展^{など、数多くの著作を通して貢献してきた。また、米国各地のギャラリーや大学、アラブ}世界の会場で、このテーマについて幅広く講演を行っている。

彼女は、ヒューストンのステーション現代美術館が主催し、ジェームズ・ハリサス、テックス・カーシェン、ガブリエル・デルガドがキュレーションした2003年の画期的な展覧会「メイド・イン・パレスチナ」に重要な役割を果たした。 ^{[ 12 ]}ハラビーは、米国とアラブ世界の両方でパレスチナ人アーティストを調査するキュレーターを積極的に支援し、例えば、シリアの故ムスタファ・ハラージやヨルダンのアブドゥル・ハイ・アル・ムッサラムなどのアーティストを紹介した。^{[ 13 ]}米国で初めて開催されたパレスチナ美術の美術館展である「メイド・イン・パレスチナ」は、その後全米を巡回した。^{[ 14 ]}

ハラビーがデポール美術館のためにキュレーションした2004年の展覧会「パレスチナの主題」は、シカゴ・トリビューン紙によって「16人の現代パレスチナ人アーティストの作品を紹介しており、最も知識の乏しい鑑賞者でさえ、何か重要なものを見て理解したという感覚を持って帰るだろう」と評された。同評はさらに、デポール美術館の「鋭いプレゼンテーション」を称賛した。^{[ 15 ]}

ハラビーの米国初の回顧展「エネルギーの中心」は、エリオット・ジョセフィン・レイラ・ライヒャートがキュレーションを担当し、2024年にインディアナ大学ブルーミントンのエスケナージ美術館で開催される予定だったが、2023年12月に中止された。^{[ 16 ] [ 17 ]}大学は中止の理由として「安全上の懸念」を挙げた。ハラビーは、中止の理由はガザ戦争中のパレスチナ人の声を抑圧するためだと考えており、^{[ 18 ]}中止は「パレスチナ人が発言したり意見を表明したりすることを許されないガザで起きていることの延長線上にある」と述べた。^{[ 19 ]} 2024年10月、ミシガン州立大学は、パレスチナ人政治犯の脱走を題材にした絵画「六人の黄金の英雄」を撤去した。^{[ 5 ]}

ハラビーは2025年9月に2025年ムンク芸術自由賞を受賞した。 ^{[ 20 ]}

ハラビーは学生時代末期からその後しばらくの間、平坦な色彩を特徴とする絵画制作に取り組んでいた。これらの作品では、明暗の同時性の関係性がミニマリストやヨゼフ・アルバースの作品、そして彼の著書『色彩の相互作用』から着想を得ていた。^{[ 29 ]}形状に関しては、作品は基本的に、壁、窓、便箋、床、カード、あるいは軽く掛けられた織物など、人間の生活における長方形の表面に依存していた。スケールや配置の多様性は、私たちが目にする世界を考察する方法からの明らかな抽象化であった。その短い期間に、ハラビーはブルーミントンを離れ、ホノルルのハワイ大学で教鞭を執り、その後カンザスシティに移り、カンザスシティ美術研究所で教鞭を執った。これが彼女にとって2度目の教職となった。^{[ 30 ]}

1965 年以降、彼女は、見たものをどのように観察し解釈するかという科学的な姿勢にとらわれるようになった。彼女は、「私は、教師や過去を自分の思考から消し去り、まっさらな新しい始まりを作らなければならないと感じ始めた」と書いている。^{[ 31 ]}この時点で、ハラビーは、美術館で見たものと美術史の知識に頼って、新しい考え方を発展させた。彼女は、レンブラントと肖像画における光と色の使い方を研究し、特にカンザスシティ美術館のオールドマスターコレクションに感銘を受けた。長くて苛立たしい探求の後、窓辺の小さなオレンジがハラビーの注意を引き、新しいシリーズの始まりとなった。このインスピレーションは、カンザスシティのネルソン・アトキンス美術館のコレクションにあるフランドルの巨匠ペトルス・クリストゥスの絵画「家庭内の聖母子」 （ 1467～69年頃）に起因する。 ^{[ 32 ]}当時ハラビーはカンザスシティ美術研究所で教鞭を執り、1年生向けの斬新な実験的プログラムを率いていた。^{[ 33 ]}

後年の執筆活動への関心について語る中で、ハラビーは、歴史的に芸術家がエッジをどのように扱ってきたかを調べるために美術館を再訪したことを話しています。シンシナティ大学での徹底した教育から、ハラビーは遠近法の限界を理解していました。彼女は、目が球形または円筒形の物体の表面を移動し、端に達し、それから遠くの背景にジャンプするときに、私たちが実際に何を見ているのかを正確に知りたいと思いました。答えが見つからなかったハラビーは、私たちの見方は教育によって形成されるものであることに気づきました。何千年もの間、芸術家は、私たちに見方を教えてくれる視覚文化の記念碑を作り出す無数の小さな発見に貢献してきました。ハラビーはこれを「視覚的結合」と呼んでいます。^{[ 34 ]}そして、絵画はパフォーマンスではなく探求であると主張するハラビーにとって、これが重要な課題となりました。

幾何学的な静物画シリーズで好奇心を満たしたハラビーは、自身の芸術活動において重要な岐路に立たされた。彼女は、個人と自己に焦点を当てるか、あるいはその外の世界に焦点を当てるか、どちらかの方向性を探求できると感じた。友人の肖像画を描くことで前者の方向性を試してみたものの、すぐに後者の方向性を受け入れることを決めた。彼女は、自己の外の世界という概念を、額縁の外へと内容を広げる絵画として解釈した。

参考までに、ハラビーは幾何学に関する中古本を何冊か購入しており、その中には配管に関するものもあった。これらの本を研究したことが、彼女の「ヘリックスとサイクロイド」シリーズにつながった。^{[ 30 ]}複雑な3次元の配管継手を作ることができる平面形状の切り方を示した本がきっかけで、彼女はらせん曲線、そして後にサイクロイド曲線を描くことに魅了された。ハラビーはこれらの曲線を大きな方眼紙に描き、その部分を選んで色を塗った。^{[ 35 ]}

イェール大学美術学部で教鞭をとっていた頃、ハラビーは新しい「斜め飛行」シリーズに取り組んでいた。このタイトルは、子供たちが走りながら両腕を広げ、エンジン音を出し、飛行機ごっこをしているのを見て思いついたものだった。彼女は、新しい絵画の斜めの地平線をどちらの方向に傾けるべきか考えていた。子供たちはほとんどが右利きなので、飛行機ごっこを右に傾けていた。彼女はすぐに、子供たちの自然な習慣に倣うことに決めた。^{[ 36 ]}

幾何学的な静物画から生まれた共役の概念を追求するという決意は依然として意識していたものの、ハラビーは、私たちの教養ある能力では読み取れない、正確に陰影をつけた空間を作り出すことで、遠近法と陰影の非合理性を検証していた。もし、丁寧に陰影をつけた円筒が絵画の外周の両端から外側に伸びていたら、鑑賞者はどのように見るだろうか？円筒の奥行きに関する情報は、円形の両端によって具体的に示されるため、目には見えない。その結果、スケールは相対的なものとなり、絵画の空間は、飛行機の窓から見えるような、様々な色の地平線として容易に読み取れるようになった。幾何学と計測値の収束は、彼女の思考を支配し続けた。

1979年、ハラビーは「ダイアゴナル・フライト」シリーズが終わったと感じた。新しい方向性を模索する代わりに、彼女はしばらくの間絵を描くことを完全にやめ、その後大量に絵を描いたが、そのほとんどは最終的に破棄した。それは、彼女が芸術家人生における第二の大きな段階、抽象化の段階へと移行した重要な転換点だった。ハラビーの説明によると、それは本質的には見るという行為の継続であり、そこに時間という第四の次元が加わったものだった。^{[ 37 ]}

最後に、岩のドームシリーズは、1966年のエルサレム訪問に触発されたものです。45度の対角線が角から伸び、ダイヤモンドの頂点が外周の測定された位置で始まり、終わります。ここでは、彼女は象嵌細工のアラビア美術に触発された円筒とテクスチャを追加しました。^{[ 38 ]}

アーティストが何年も前に調査した別の短いシリーズは「秋の葉と街区」です。秋の葉の葉脈間の細胞^{[ 39 ]}と、ニューヨークで彼女が知っていた街区がつながっている様子との類似性に着目したことが、このシリーズの基礎となりました。当時、ハラビーはニューヨークに住み、イェール大学美術学部で教えながらニューヘイブンまで通勤していました。^{[ 40 ]}

ハラビーは、人間の建築は直角が支配的であるが、高速道路や都市ブロックの拡大において、それらの直角の長方形は自然の地形によって課せられる必然性によってしばしば乱され、切り詰められていることに気づいた。それらはカエデの葉脈の間の細胞に似ていた。橋が川を直角に渡り、地形に合わせて曲がる様子も、インスピレーションの一部となった。ハラビーは、自分の絵画が自然と同じくらい美しくなるためには、自然から抽出した原理に従って成長しなければならないと決めた。したがって、このシリーズのユニークな点は、彼女が自然の中で観察した成長のプロセスに基づいているということである。^{[ 41 ]}

1980年代、彼女の創作活動は成長の原理を模倣するというアイデアに支配されていた。シリーズ「成長する形」と「エネルギーの中心」は、自然のプロセスへの彼女の関心を継続させた。^{[ 30 ]}彼女は線と形が互いに積極的に変化することを許容し始めた。線によって交差された形は、それ自体が2つに分割されるかもしれない。形を受け取った線は、形の輪郭に鏡像のように映るかもしれない。色と構成、そして絵画の周囲もすべて、この成長のプロセスに参加した。ハラビーは、自然の外観ではなく原理を模倣する、新しい見方と新しい抽象絵画の制作方法を通して、自分の道を見つけ始めていた。彼女の作品は、自由な動きのジェスチャーがより明確になり、より一般的には実行がより直感的になったが、彼女のアイデアは依然として強い構造を保っていた。

インディアナ大学の大学院生時代からコンピューターに魅了されていたハラビーは、芸術と当時のテクノロジーの関係に焦点を当て始めた。教職を退いた後、ハラビーは1980年代に電子芸術の形態を実験し始め、Amiga 2000コンピューターでBasicとC言語のプログラミングを独学で習得した。その結果、動的な抽象画像と音を伴う短いプログラムが生まれ、彼女はそれをキネティック・ペインティングと呼んだ。^{[ 42 ]}

数年後の1990年代初頭、ハラビーはPCでプログラミングを始め、キーボードを抽象絵画ピアノに変えた。このプログラムもキネティック・ペインティングと呼ばれ、出版はされなかったが、アーティストの個人的なツールとして残された。彼女はこれを使ってミュージシャンとライブ演奏を行った。マルチパーカッション奏者のケビン・ナサニエル・ヒルトンは、彼女がこのプログラムを使った公開パフォーマンスを始めた際に、彼女の主な協力者となった。ミュージシャンのハサン・バクルと共にキネティック・ペインティング・グループを結成し、他のミュージシャンと共演することが多かったオフ・ブロードウェイの会場で数多く演奏した。^{[ 43 ]} 2023年、ハラビーはマナール・アブダビ・ライトアート・フェスティバル で、公共スペースの大型LEDスクリーンにキネティック・ペインティングを展示した。これらの作品は1990年代に初めて開発されたが、より壮大で新しい建築的文脈で展示された。^{[ 7 ]}

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  『構成主義』より、1987年
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  lrw0からの静止画、1987年
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  映画『ブランチング』より、1994年
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  映画『リズムズ』より、1994年

1990年初頭、ハラビーは自身の制作活動全体を見直し、絵画の中に空間を作り出す時が来たと結論づけた。作品の構成要素として、筆跡のみに頼るという手法である。1980年代初頭には陰影と遠近法を排除していたが、今度は形そのものを排除した。イメージに頼らず、大きさや色の異なる筆跡の配置だけで空間を作り出すことは、困難であると同時に、創造性を刺激するものでもあった。

私たちがどのように物を見るかについての新たな視点が現れ始めた。ハラビーは、私たちが歩きながら周囲を観察している際に、視線が場所から場所へと移っていく様子についてしばしば語っていた。こうして、何を見るかではなく、どのように見るかが絵画の主題となった。鑑賞者は絵画における筆跡の分布を見ることで、自分自身の世界を見る習慣を認識し、必ずしも明確ではない方法で、抽象絵画における相対的な空間体験が生まれる。

サミア・ハラビーは、長年のキャリアを通して、常に画面とその周辺を主要な構成要素として重視してきたが、2000年に画面の除去を検討し始めた。その結果生まれたのが「ストレッチャーのない」一連の作品であり、彼女はそれを「吊り下げ彫刻」とも呼んだ。^{[ 30 ]}以前に絵が描かれたキャンバス片は、切り取られ、縫い合わせて再構成された。絵具は、切り取られる前と後、そしてキャンバス片の両面に塗られた。個々の断片は、それ自体が独立した絵画のように扱われることが多かった。断片をまとめる際、彼女はしばしば、葉が積み重なって壮大な木々を形成する美しさにインスピレーションを受けた。

アヤム・ギャラリーとの関係を皮切りに、ハラビーは直感を頼りに、成長を既知のプロセスや計画的な探求に求めることなく、自身の経験のすべてを活かそうと試み始めた。長い旅で学んだことのすべてが、以前よりも大きなキャンバスに反映されている。この最新の時期には、少なくとも10点の壁画サイズの作品が含まれている。それは、自然の美しさと人類の建築の美しさを捉えた、純粋な抽象表現による豊かな表現である。