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ロナルド・マークマン（1931年5月29日 - 2017年5月30日）は、アメリカの芸術家であり教育者で、シュルレアリスムとポップアートの要素を色彩理論への深い理解と融合させたスタイルで、色彩豊かな大型絵画や彫刻を制作したことで最もよく知られています。彼は古典文化と大衆文化、ユーモア、そして奇抜さと奔放な色彩を作品に取り入れ、社会風刺と、彼自身の世界観を深く表現しました。
マークマンは、大恐慌の真っ只中、ニューヨーク州ブロンクスで生まれた。子供の頃、マークマンはクレイジー・キャットやスモーキー・ストーバーの漫画を読み、家族とブロードウェイのショーを観に行き、台所のテーブルで落書きや絵を描きながら、ラジオでジャック・ベニー、フレッド・アレン、エドガー・バーゲンの番組を聴いていた。彼はプロの漫画家になることを夢見て、10代の頃にはセブンティーンやレッドブックといった雑誌に漫画を売っていた。高校時代には、初期のロールモデルとなったニューヨーカー誌の漫画家ソール・スタインバーグに助言を求め、彼からアドバイスを受けた。マークマンのポートフォリオを見たスタインバーグは、彼に漫画の道を追求するよう勧め、正式な美術教育でスキルを磨くよう提案した。マークマンはニューヨークのアート・スチューデンツ・リーグに入学し、ジョージ・グロスに師事し、その後クーパー・ユニオンに進学した。マークマンによれば、初期に影響を受けた他のアーティストには、パウル・クレー、マルク・シャガール、ジョアン・ミロ、アレクサンダー・カルダー、クレス・オルデンバーグなどがいる。[ 1 ]
1952年、マークマンは朝鮮戦争中に徴兵され、そこで彼の才能は実用的な任務に向けられた。「看板を描きました。画家には他に何ができるというのでしょう？私はとても幸運でした」とマークマンは語った。2年後、兵役を終え軍曹の階級を得た彼は、GI法を利用してイェール大学美術学部に入学した。[ 1 ]マークマンがイェール大学に在学していた頃の著名な友人や同級生には、エヴァ・ヘッセ、ジョセフ・ラファエル、ウィリアム・ベイリーのほか、画家から詩人に転身したマーク・ストランドがいた。
イェール大学で、マークマンは、色彩理論の父とみなされ、代表作「正方形へのオマージュ」シリーズで最もよく知られている幾何学的抽象画家、ヨーゼフ・アルバースの指導の下で学んだ。マークマンは、1957年に美術学士号[ 2 ]、1959年に美術修士号を取得し、色彩、デッサン、絵画を学んだ。アルバースの指導は、マークマンの生涯にわたる作品に大きな影響を与えた。「私はアルバースにすべてを負っていると感じている」とマークマンは語った。マークマンはまた、「自分自身について学び、自己認識を芸術にどう変換するかを理解すること」の重要性を強調し、「他の人と同じになりたくない。意味のある想像力豊かな方法で、自分の芸術を特別で他と違うものにするものは何かを理解したいのだ」と述べた[ 1 ]。
マークマンの初期作品には、アルバースの色彩理論の哲学、ジョージ・グロスの痛烈な社会風刺、マークマン自身のポップカルチャーへの関心、そして世界情勢に対する彼自身の視点が反映されている。マークマンは、20世紀後半に台頭した、金銭、利便性、そしてセックスを古典的な人文主義的価値観よりも重視する、ますます商業化され粗野になった消費文化に対する批評を提供している。彼の美学は、古典美術の訓練にしっかりと根ざしており、ポップカルチャーと原始美術の両方から影響を受けている。滑稽さ、ポップアート、そして物語的なイメージを融合させ、社会をユーモラスに描いた彼のドローイングと絵画は、早くから全国的な評価を得た。
Markman's first one-man exhibition at the Kanegis Gallery in Boston in 1959 was a critical and commercial success. That same year, three of his drawings were exhibited in a Recent Acquisitions show at the Museum of Modern Art in New York City. The next year (1960), his work was exhibited in the Whitney Annual and the Whitney Young America group exhibitions. His drawings were included in a group exhibition entitled Drawings of the Twentieth Century at the Arts Club of Chicago in 1962 and in the Chicago Biennial Print and Drawing Show at the Art Institute of Chicago in 1964. In 1965, Time Magazine wrote of his work, "The influence of such early heroes as Steinberg, Searle and the late George Grosz accounts, in part at least, for Markman's abundant satire and spare surrealism. But he seems to be something of a seer too."[3] And in 1965, John Gruen of the New York Herald Tribune wrote, "A bit of Steinberg, a dash of Klee, and a soupcon of the English cartoonist Searle—and, voila—Markman... there are skill, humor, and delight to be found in these paintings and drawings."[4]
Simultaneously, Markman laid the foundation for an influential academic career. He held teaching positions at the University of Florida[5] and at the Kansas City Art Institute. In 1960, Markman was offered a position at the Art Institute of Chicago, where he would teach before holding a faculty position at Indiana University for 30 years.[2] Some of his students, including Jim Nutt, went on to form the Hairy Who and Chicago Imagist movements. Harold Haydon of the Chicago Sun-Times and Alan Artner of the Chicago Tribune both identified Markman as a strong influence on the latter movement; Haydon christened him "the long-neglected father of Chicago Imagist painting".[6][7]
マークマンの芸術における転換点は1962年に訪れた。フルブライト奨学金を得てローマに滞在した彼は、そこで古代イタリアの地図に魅了され、独自の架空の風刺的な国を創造するに至った。「地図には名前が必要だったので、ムクファという名前を思いついた」とマークマンは回想している。「少し下品な名前が欲しかった。ご存じの通り、世界は下品だからね」。彼はムクファを「抑制のない不条理の幻想世界」と表現し、そこでは彼の分身であるローランド・マークムと個性豊かな登場人物たちが、誇張されたもう一つの現実の中で検閲を受けずに存在していると説明した。[ 1 ]巧妙に下品な名前と漫画のような登場人物たちで象徴的なムクファは、彼のキャリアを通して繰り返し登場するライトモチーフとなり、マークマンのユーモラスな社会批評のための多用途な媒体となった。
1965年、マークマンはニューヨーク市のテリー・ディンテンファス・ギャラリーに加わった。 [ 8 ]ニューヨーク市の著名なギャラリーオーナーであるディンテンファスは、ジェイコブ・ローレンス、ホレス・ピピン、ベン・シャーン、チャールズ・グワスミー、リチャード・マーキン、アーサー・ダヴなど、主流から外れた作品を発表する象徴的なアーティストのディーラーとして名声を築いていた。[ 8 ] [ 9 ] 1965年11月に行われたマークマンのディンテンファスでの最初の展覧会を評して、ニューヨーク・タイムズのジョン・カナディは次のように書いている。「パウル・クレーとマッド・マガジンが掛け合わされたような、非常に詳細でしばしば滑稽なファンタジー作品だ。絵画は大きく鮮やかで、一連のエッチングはじっくりと見る価値がある…どこにでも、その滑稽さには『笑えるうちに笑っておけ』というニュアンスが感じられる。」[ 10 ]
3年後、別の個展をレビューしたアーツ・マガジンは、「マークマンの芸術は、働く精神、鋭いユーモアのセンス、絵画と彫刻の両方で創造的な柔軟性を発揮できる才能を明らかにしている。創造はゲームであり、彼はアイデア、言葉、反応で遊ぶことを楽しんでいる。考える芸術家である彼は、子供のような奔放な想像力を持ち、そのファンタジー、独創性、ビジョンは無限である。マークマンは独自の芸術言語、ニュースピークの辞書、新しい種族の人々、そして彼独自の世界を構成するまったく異なる環境を作り出している…この素晴らしい旅で、私たちは彼の無限の想像力と創造性が働いているのを見る。」と書いた。[ 11 ]アウトサイダーと古典的な訓練を受けた芸術家、そして強いイラストレーションの傾向を持つ芸術家が混在するディンテンファス・ギャラリーは、マークマンによく合っていた。彼はその後20年間、このギャラリーで繰り返し展示を行った。[ 12 ]
マークマンは作品が進化するにつれて、「ハイアート」と大衆芸術の間の緊張関係と、これら2つの視覚表現様式の間の二極性を探求し続けた。[ 13 ]同時代の多くの新進ポップアーティストと同様に、マークマンは広告と商業主義が文化的アイデンティティと表現に与える影響に関心を抱いていた。アンディ・ウォーホル、ロイ・リキテンスタイン、クレス・オルデンバーグのように、彼は古典的な美術の伝統的な慣習に挑戦し、大衆文化や日用品を参照した。マークマンは漫画の構成から着想を得て、拾得物（ボタン、紙の花、プラスチックの果物など）を作品に取り入れた。他のポップアーティストが作品にクールさと超然とした態度をもたらしたのに対し、マークマンは奔放な色彩、ユーモア、駄洒落に満ちた言葉遊びを用いて、鑑賞者を引き込み、対話を促した。彼は社会状況や大衆文化のアイコンから着想を得て、鑑賞者が自分自身や社会を真実味がありながらも軽妙な方法で反映しているのを見ることができる独自の宇宙を構築した。
1960年代半ばから1980年代初頭にかけて、マークマンは75点以上の絵画と彫刻絵画からなるムクファのインスタレーションを制作した。彼が創造した島国ムクファにおいて、マークマンは、橋や交差点で「ゴーゴーゴー」とクラクションを鳴らすタクシーを通して表現されるように、明白な対立構造と、日々の煩わしさを乗り越えて生き抜く切迫した便宜主義が織りなす洗練された社会を描き出した。彼は、複雑なパターン、刺激的な色彩、そして感嘆符の吹き出しを通して、感覚的な過負荷を作品に表現した。彼のムクファの物語とイメージには、ユーモラスで皮肉に満ちた、そしてしばしば痛烈な二重の意味、言葉遊び、文学的な引用、性的なほのめかし、そして猥褻さが含まれていた。
マークマンは非常に規律正しく多作な作家で、教鞭をとっていない時は、自身の創作世界であるムクファを舞台にした絵画に加え、大小さまざまな作品を数多く制作した。彼はエッチング、ブロンズ彫刻、色鉛筆など、多様な技法を用いた。1969年、ニューヨーク近代美術館は彼に3枚のクリスマスカードの制作を依頼した。マークマンはいつものように、乾ききった砂漠で雪だるまを夢見るラクダを描くことで、ありきたりな冬のワンダーランドというテーマを皮肉った。
時が経つにつれ、マークマンはキャンバスから離れていく。彼の後期の作品はますます彫刻的になり、絵画と彫刻を様々な拾得物や日用品と組み合わせるようになった。作品が成熟するにつれ、マークマンはより素朴な美学を追求するようになった。マークマンは、キャンバスの長方形の寸法によって課せられる制約から逃れ、小さなメゾナイト板に絵を描いた。これらの断片をつなぎ合わせて一連の作品を作り、より大きな絵画が合成的な全体へと発展し、最終的には珍しい、さらには三次元的な形をとるようになった。これにより、粗いエッジと風変わりで歪んだ形を持つ彼のイメージは、独学のアウトサイダー・アーティストや異端のアーティストに特徴的な新鮮さと直接性を獲得した。この進化について、ソーホー・ウィークリー・ニュースは1979年3月に次のように書いている。「ロナルド・マークマンはかつて他の画家と同様に平面に絵を描いていた。最近、彼は塗装された木製のアッサンブラージュの制作に転向し、そうすることで今月展示されている最も楽しい作品のいくつかを生み出した。」[ 14 ]
マークマンの鮮やかで色彩豊かな作品は、細部まで緻密に作り込まれ、言葉遊びに満ち、漫画のようなキャラクターで溢れている。彼の作品はしばしば自発的でランダムに見えるが、マークマンの作品をよく見ると、意図的に計画された細部が明らかになる。ニューヨーク・タイムズのグレース・グルックは、1984年1月20日にマークマンの作品について次のように書いている。「ロナルド・マークマンの生き生きとした家庭の情景、塗装された木の切り抜きで構成された壁掛け作品は、彼が漫画だけでなく、ピカソやブラックの初期作品にも細心の注意を払っていることを示している。腕の劣る者がこの組み合わせをうまく扱えなかったかもしれないが、彼は色、スケール、質感、寸法、遠近法、錯覚と現実を大胆に混ぜ合わせることで、それを活気に満ちたものにしている。」[ 15 ]
マークマンの最も重要な作品は、ムクファのインスタレーションに加えて、16フィート× 8.5フィート× 2.25フィートの彫刻絵画「ムクファ・アップデート」（2008年）と、11フィート× 10フィート× 2.25フィートの「ムクファ・ゲート」（2005年）の2点である。後者は中国の寺院の門の要素を反映している。どちらの作品も、絵画と彫刻を組み合わせた鮮やかな三次元構造で、隅々まで細かく緻密な場面、言葉遊び、カラフルな漫画のようなキャラクターで溢れているという、マークマンの特徴的なスタイルを体現している。[ 16 ]
インディアナ大学での職を退いた後まもなく、マークマンはメリーランド州アナポリスに移り住み、そこで亡くなるまで生活し、制作活動を続けた。セント・ジョンズ・カレッジは2005年と2017年に彼の作品の回顧展を2回開催した。[ 17 ]また、2010年にはメリーランド・ホール・フォー・クリエイティブ・アーツでも個展を開催した。[ 1 ]
マークマンの作品は全米各地のギャラリーで展示されてきました。彼の作品は、以下のような多くの主要美術館に収蔵されています。
マークマンは1959年にバーバラ・ミラーと結婚した。1961年に娘のエリカが生まれた。バーバラ・マークマンは1991年に亡くなった。数年後、マークマンはバーバラ・キャボットと出会い、彼女は彼と共にアナポリスに移り住み、2017年に彼が亡くなるまでそこで一緒に暮らした。[ 2 ]
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