日本の竹編み

竹編み（たけあみ）は、竹細工（たけざいく）の一種であり、さまざまな用途、編み方、外観を持つ日本の伝統工芸（こぎょうほう）です。日本の竹編みは、特にかご編みに使用されることでよく知られています。

日本には600種以上の竹が自生しており、島固有のものもいくつかある。竹はイネ科の亜科として定義されるが、その特徴は木質の稈と、太くてゆっくりと広がる房、あるいはより活発なランナーを形成する根系である。^{[1]竹の品種の強度や柔軟性などの特性は大きく異なり、}ある種類は他の種類よりも竹工芸品に適していると考えられている。特に竹編みで使われる種類の1つは、真竹または皮白竹として知られるPhyllostachys bambusoidesで、高い強度と高い柔軟性を兼ね備えていることで知られて いる。

竹には、長い年月をかけて日本文化で頻繁に使用されるようになり、その性質に関連した象徴性が発達した特徴があります。竹は成長が早く、枝がまっすぐで柔軟性のある植物で、一度切るとすぐに腐らず、住居、武器、楽器、容器の建設に使用できます。若い竹の芽は食用となり、伝統的な日本料理の一部を形成し、竹は日本の文学や絵画の一般的なテーマとなっています。

竹は、常緑の松や春の最初の花である梅とともに、伝統的な寒中三友のモチーフの一部であり、忍耐と回復力の象徴として縁起の良い機会に着る着物によく見られます。日本の芸術家は、雨や雪などの悪天候に耐える竹をよく表現してきました。これは、竹の柔軟でありながら折れないという評判と、不屈の精神と忠誠心との関連を反映しています。^[1]

生け花用の花籠（花籠）やその他の種類は、中国から輸入されたり、中国風に模倣されたりした。これらの唐物（からもの、文字通り「中国風」）の 花籠は、しっかりと編まれた編み目を持つ、形式的で対称的な構造をしていた。^{[2] [3]} 16世紀の茶人、千利休（1522-1591）は、自然で自発的、または一見無造作な道具を使った、シンプルで質素な侘び茶のスタイルを提唱した。これらの茶道具は、輸入された中国風とは異なる日本の竹工芸を確立した。^[2]籠は、和物（わもの、文字通り「日本風」） と呼ばれる自然で非対称なスタイルに見えるように開発されました。^{[2] [3] 1700年頃、}日本の茶道（煎茶）が人気を集めたのと同時に、日本の文人の間では中国の文化、文学、絵画に対する新たな憧れが高まり、この現象は19世紀まで続きました。^{[4]中国から輸入された細かく編まれた優美な籠は、}室町時代（1392-1573）に確立された伝統に従い、現在日本の職人によって作られている唐物籠のモデルとなりました。^[3]竹工芸が日本の伝統的な装飾芸術として認識されるようになったのは19世紀末からで、芸術形式として受け入れられるようになりました。^[1]

1938年に大分市に竹工芸技術支援センターが設立され、国内で唯一、竹工芸を専門とする公的資金による県レベルの機関となった。第二次世界大戦後、竹工芸はプラスチックに取って代わられ、実用品が使われるようになったため姿を消した。しかし、高水準の生産は継続され、工芸とは別に芸術形態が発展した。竹工芸はますます認知されるようになった。1967年、別府出身の生野祥雲斎（ 1904-1974 ）は、政府により竹工芸家として初めて人間国宝に指定された。^[5] 1979年、別府の竹工芸は経済産業省により伝統的工芸品に指定された。^[6]

人間国宝に指定される名工のほとんどは、日本工芸会が毎年開催する展覧会の参加者から選ばれる。日本芸術院展（日展）が芸術的表現を重視しているのに対し、美術工芸展は伝統技術の保存を優先し、現代的でありながら機能的な籠を特徴としている。戦後、一流の竹工芸作家の多くは確立された家系に属していた。^[1]作家のほとんどは男性だが、最近では^[7]大木淑恵（おおき としえ）^[8]や磯飛 節子（いそひ せつこ、 1964年生まれ）^{[2] [9] [10] [11]}など女性作家も数多く登場している。

近年の竹工芸は、その実践者が歴史上の竹工芸家と同様に伝統と系譜を尊重しているにもかかわらず、技術とビジョンの多様性を反映しています。著名な芸術家は伝統的な家系以外からこの工芸に参入し、多くは独立して活動しています。中には美術のバックグラウンドを持つ人もいれば、無関係の分野で働いた後にこの仕事に惹かれた人もいます。^[1]

他の日本の工芸と同様、知識の習得には通常、工房の親方（多くの場合、若い弟子の父親）への長期にわたる徒弟制度が伴い、 ^[12] 「師弟」と呼ばれるシステムとなっている。基本的な技術と技法の習得には通常5年から10年かかるが、それらを習得し、独自のスタイルを確立するには数十年かかることもある。^{[12] [13]}数世紀前、親方に徒弟として仕える生徒は、ほとんどまたはまったく報酬を受けずにほぼ毎日懸命に働くことを求められた。徒弟は親方の家に住み込み、家事にも参加することが求められた。修行を始める前に、徒弟は親方や他の先輩の生徒が仕事をしているのを観察するだけでよく、年長で経験豊富な生徒でさえ、通常はこの観察方法を通じて学んだ。最近では、この徒弟制度は変化し、もはや一般的ではなく、竹編みの生徒は大分にあるセンターなどの技術学校で基本的な技術を学び、その後親方のもとに行くようになっている。

竹工芸品の中には数週間で完成するものもあれば、何ヶ月もかかるものもあり、展示作品となると1、2年とさらに長い期間を要するものもある。^{[1] [3]}竹工芸品は陶芸品に比べて知名度が低いが、これは主に職人の数が比較的少なく、作品を完成させるのに時間がかかるためである。^[14]

竹細工は籐や棕櫚などの他の材料と組み合わせられることが多いが、これらの材料のみで編むものもある。また、つる細工（つるざいく）は竹が希少な東北地方の多くの地域で人気があり、特にアケビ細工として知られる蔓細工が人気である。 [ 15 ^]

竹編みの主な生産地は、大阪や京都などの関西西部、東京などの関東東部、そして九州の南端である。それぞれに竹編みの技法やスタイルが異なっている。^{[1] [16]}

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  日本の茶道で使われる中国風の炭籠（サイロースミトリ）。竹、矮性竹、籐製。江戸時代、19世紀
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  牡丹模様籠箱。竹、漆、金平蒔絵。江戸時代、19世紀後半
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  蝉の形をした掛花籠。籐製。江戸時代、19世紀
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  花籠。竹製。江戸時代、19世紀後半

日本の竹細工のうち、洗練された煎茶花籠と茶道具籠は、歴史的に大阪と京都を中心とした関西西部で特に需要が高かった。19世紀後半、この地域の名工たちは、技術的な完成度と芸術的な個性を融合させ、作者の署名が入った機能的な「芸術籠」を作り始めた。^[1]関西の竹細工の先駆者である初代早川尚古斎（ 1815-1897 ）は、籠に署名を入れた最初の名工であると考えられており、^{[2] [16]}籐編みの伝統工芸を学び、煎茶道具に専念した。 [ ^3]彼の長男である二代目尚古斎（1860-1905）は、彼の後を継いで籠細工の仕事に就いたが、若くして亡くなった。早川家の後を継いだのは弟の三代目尚古斎（1864-1922）で、早川家の代々受け継がれてきた技法から脱却し、「粗織り」と呼ばれる高度な編み方を編み出した。第二次世界大戦後、四代目尚古斎（1902-1975）は大阪から京都に移り、新しい工房を設立した。^[17]五代目尚古斎（1932-2011）は、早川家の伝統的な技法の一つとされる平行構造の一種である甲冑編みのさらなる可能性を模索した。^[18] 1966年から毎年開催される日本伝統工芸展に作品を出品し、2003年に人間国宝に指定された。 ^{[1] [19]}

大阪を拠点に活動した竹工芸家、初代和田和一斎（1851-1901）は、重要かつ長きにわたる名匠の家系を築き上げました。^[20]彼は精密で繊細な編み込み技術で知られ、主に唐物（中国風）の籠や煎茶道具を制作しました。^{[1] [3]}彼の数多くの弟子の中には、受け継がれた伝統を永続させるとともに、それを近代化しようとした初代田辺竹雲斎（1877-1937）がいました。 ^{[21]彼は、花や果物が入った竹籠を}文人風に描いた柳沢淇園の18世紀の絵画を研究した後、いわゆる柳理京スタイルの籠細工を発展させました。竹雲斎は展示用に龍理鏡籠を制作したが、これは日本の竹工芸に大きな変化をもたらしたトレンドであり、現代の陶芸家や漆芸家にすでに与えられていたのと同じレベルの評価を得たいという名工たちの野心を反映している。二代目田辺竹雲斎（1910–2000）と三代目竹雲斎（1940–2014）は田辺家の系譜を引き継ぎ、三代目竹雲斎はユニークな幾何学的な彫刻を制作した。^[22]堺を拠点とする四代目田辺竹雲斎（ 1973年生）^[23]は家系の伝統を引き継ぎながら、2016年にギメ東洋美術館に設置された高さ約6メートルの五代^[24]や、 2017年にメトロポリタン美術館に設置された「The Gate」など、記念碑的な彫刻や有機的なインスタレーション作品の実験も行っている。^{[25] [26] [27]}

和田和一斎のもう一人の弟子に初代山本竹龍斎（1868-1945）がおり、1925年のパリ国際現代装飾美術工芸博覧会、1933年のシカゴ世紀進歩博覧会、1937年のパリ近代生活美術技術国際博覧会などで受賞している。また、帝国美術院の帝展に作品が出品された最初の竹工芸家の一人でもあった。 ^[28]

初代前田竹房斎（1872-1950）も堺出身で、独自の名門家系を築き上げた。唐物や文人用の籠を作ることからキャリアをスタートしたが、その後、より素朴な効果を出すために天然の竹の枝や根を使う独自の手法を編み出した。^[3]宮廷用の作品もいくつか作った。^[29]二代竹房斎（1917-2003）は、煎茶籠と、曲げて集めた竹の輪切りで作った現代的な器の両方を制作した。^{[1] [3]}大正時代以降、初代田辺竹雲斎と初代前田竹房斎はともに骨董の矢を作品に取り入れ、特に武士の子孫である顧客に高く評価された。^[30]続いて二代前田竹房斎（1917-2003）が日展に出品され、1995年に政府から3人目の竹工芸作家として人間国宝に認定された。^{[31] [32] [33]}

二代目田辺竹雲斎に影響を受けた画家の一人に杉田丈山（1932年大阪生まれ）がいます。 ^[34]他の著名な職人や芸術家には、鈴木玄々斎(鈴木遊々斎、 1891 年 – 1950 年)、^{[ 35]東竹園斎}(東竹園斎、1915 年 – 2006 年)、琅漢斎の影響を受け、1971 年の日展で特選賞を受賞した^{[37] [36]}田中光斎(田中篁斎 1)が含まれる。矢の柄も作品に取り入れた^{[38] 、田中}耕司(たなかこうじ、 1941 年生まれ) ^[40]、そして二代目田辺竹雲斎の弟子だった谷岡茂男(谷岡茂男、 1949 年生まれ)。^[41]

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  大きな花籠。竹に籐のアクセント。初代早川尚古斎作、19世紀後半
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  山高帽。木材、竹、籐、錦織り。初代早川尚古斎作、明治時代、1880～1890年頃
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  唐物花籠。木材、竹、籐、漆。初代和田和一斎作、明治時代、  1890～1901年頃
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  龍理鏡吊り花籠。燻製竹と籐。初代田辺竹雲斎作、明治後期～大正初期、  1900～1920年頃

門田篁玉（もんでん こうぎょく、 1916年生まれ）は、第二次世界大戦後20年間、卸売業者向けに何千もの実用的な籠を製作した。その後、非常に細い竹ひごと複雑な技法で芸術的な作品を数多く制作した。現在は中国地方の広島近郊に住んでいる。^{[42] [43] [44]}

20 世紀前半、東京を中心とした関東東部の日本の竹工芸は近代化の過程を経ました。何人かの名匠が、新たに再編された国内美術の国際展への参加を通じて名声を博し、「アートバスケット」の制作を始めました。

二代飯塚鳳斎（1872年 - 1934年）^[45]と弟の飯塚琅玕斎（ 1890年 - 1958年、本名彌之助）^[46]はこの運動の先頭に立って、竹細工に新たな方向性をもたらし、芸術の一形態にまで高めた。^{[47] [48] [49]}芸術的自由と個性を重視した琅玕斎は、竹細工の可能性を実験し、束ね編み（たばねあみ）や刺繍編み（たけさしあみ）など、いくつかの新しい技法を開発した。^[3]彼は1925年にパリで開催された現代装飾産業美術国際博覧会で賞を受賞した。^[46] 飯塚小玕斎（ 1919–2004 ）は、父である有名な盧玕斎に師事し、日展や伝統工芸展に定期的に作品を発表し、 [ ^50] 1982年に人間国宝に指定された。飯塚家の伝統は、勝城蒼鳳（ 1934年生）^{[51] [52] [53]と}藤沼昇（ 1945年生）[ ^{54] [55]}に受け継がれ、どちらも人間国宝であり、ともに栃木県で活躍している。^{[1] [56] [57] [3] [58] [59]}

石川祥雲（1895–1973） ^[60]は飯塚琅玛斎の弟子であり、 ^[61]横田峰斎（1899–1975）もそうであった。 [ 62 ^{] [63]} 峰斎は、小菅松竹堂や飯塚松玛斎とともに、1955年に日本竹工芸協会の創立17名の一人でした。 ^[64] 鈴木旭松斎（初代）（–1936年） ^{[65] [66] は}峰斎の系譜に連なる人物であった可能性がある。 ^[67]琅玛斎のもう一人の弟子に中田錦石（1902–1959）がいた。 [ 68 ^]

武関翠月( 1930–2013 )は東京で活動するアーティストです。^[69]

藤塚松星（ 1949年生まれ）は馬場松堂（1925年 - 1996年）に師事し、神奈川を拠点に活動している。非常に個性的な作風でインスタレーションアートを制作している。^[70]

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  大きな花籠。竹、籐、漆。二代飯塚豊斎作、明治時代、1910年頃
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  硯箱。竹、籐、漆、金粉で造られた。二代飯塚豊斎作、大正時代、1923年
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  花籠。紫色の燻製竹、籐、漆。飯塚豊斎二世作、昭和時代、1924～1934年頃

中部地方、特に北陸地方の重要な一族は、佐渡島出身で新潟県を拠点とした本間一秋（1930年生まれ）である。^{[71] [72]彼は林尚月斎}（ 1911年 - 1986年）に師事^{した。 [73] [74] [75]彼は曲げ}竹作品を専門とし、大規模な抽象画で名声を博した。彼は飯塚松玖斎の「組絵」と呼ばれる二次元で額装された竹作品のアイデアをさらに発展させ、日展で2度の特別賞（ 1983年）を受賞した。 ^[76]

佐渡島で活動する弟子の本間秀昭（ 1959年生まれ）[ ^{77] [78] は}、島の動植物からインスピレーションを得た作品に、柔軟性のある地元の竹を使用している。^[1]本間一明のもう一人の弟子は、長野県飯山市出身の上野正夫（1949年生まれ）で、インスタレーション作品を制作している。^{[79] [80] [81]}

佐渡島のもう 1 つの重要な家系は、小菅竹堂(1895 ～ 1966 年)によって設立され、その息子である小管小竹堂( 1921 ～ 2003 年)と小菅吼月( 1932 年生まれ)が引き継ぎました。^{[82] [83]}

松竹堂は当初竹工芸家になるつもりはなく、正式に父のもとで学んだこともなかった。しかし、14歳の時に東京工芸美術展に作品を出品し入選した。その後、竹細工に携わり、第二次世界大戦後は新潟県庁に雇われて竹細工の講師となった。作品は日展に出品され、1955年には日本竹工芸家協会の創立メンバー17名の一人となった。やがて公募展向けの作品制作をやめ、デザインや小物類に力を入れ、例えばファッションデザイナーの三宅一生と仕事をするようになった。 ^[82] 馬場昭堂（1925-1996）は彼の指導を受けた。 ^[70]

弟の幸月は茶の湯の弟子で、ひねり組技法で有名になった。日展と伝統工芸展の両方に出展し、花籠で賞を受賞した。 ^[83]

鳥居一峯（とりいいっぽう）（1930–2011）^{[84] [85]は}愛知県西尾市に生まれ、^[86]父の死後、21歳で家業の竹細工を継がなければならなかった。1959年に奈良の正倉院で8世紀の儀式用の竹籠を見た。この作品に触発され、彼はやがて日本近代美術工芸展に作品を出品し、 2006年日展で特選賞を受賞した。^{[85] [87] [88]}

八子鳳堂（やこほうどう）（1940年生まれ）は、もともと新潟県に拠点を置き、中島鳳凰、中村有恒斎、馬場昭堂（1925年 - 1996年）に師事し^[89] 、彼らから現代彫刻の探求を奨励された。^{[90] [91]}その後、東京に移り^[92]、大規模な作品を制作し、高い評価を得た。1973年より日展^{に出展し始めた。 [90] [92]}

長倉健一（ながくら けんいち） （1952年生まれ）は静岡県出身の芸術家である。^[93]当初は友禅染の 技法を学んだが、祖父の竹材卸会社で働いた後、竹編みに転向した。^[94]彼の有機的な彫刻的な籠や三次元の抽象彫刻作品は、様々な伝統にその姿を負っている。^[95]彼は独立した芸術家として活動しており、特定の組織に属していない。^{[96] [97]}

竹の栽培に最適な温暖な南国の気候に恵まれた九州は、日本の竹の生産量の半分以上を占めています。20世紀初頭には、温泉で有名な大分県別府市が竹工芸の中心地となり、^{[98] [2]}この地域の機能的な籠や竹彫りが広く展示されました。1938年には、竹工芸を専門とする公的機関である大分県竹工芸技術研修支援センターが設立されました。^{[1] [99]}

芸術家の山野祥雲斎（ 1904–1974）[ ^100]は、その長いキャリアを通じて多くの弟子を惹きつけた。1950年代から60年代にかけての彼の抽象的な竹彫刻は革命的とみなされた。^[101] 1967年、彼は「人間国宝」の称号を授かった最初の竹工芸家となった。彼の息子で家系の後継者である生野徳三（ 1942年生まれ）[ ^{102] [103]}は、通常、浸出した竹を幅広の細片に切り、平行構造と編み込みを組み合わせて、質感のある多層効果を実現している。^{[104] [1] [105]}

巌光雲斎（1901–1992）は、九州特有の技法を応用した門田二篁（1907–1994）[106]や、その弟子で軽やかな透かし織物を用いた複雑な波打つ彫刻を制作する本田聖流（ 1951^年生） [107]を含む系譜を築き上げました。聖流の弟子の岐部笙芳（ 1951年生）^は、機能的な器を好み、古典的な組紐技法を採用しています。[ 108 ] [ 109 ^{]植松竹邑}（ 1947年生）や塩月寿藍（ 1948年生）などの他の芸術家ユニークな彫刻を制作しています。 ^{[1] [110] [111] [112]}

日本では古くからさまざまな地域で竹を編む技術が発達してきました。^[113]標準的な編み方のパターンは数多くあり、その中から何百もの組み合わせを作ることができます。^[114]

• 菊底編み(きくぞこあみ)
• 丸編み（輪弧編み、阿弥陀光編み、蛇の目編みなどの技法を含む）。西日本では丸甚く編みと総称される。。この技法は「雄牛の目編み」 ^[114]または「蛇の目編み」と訳されることもある。
• クレマチス編み (テッセンアミ(鉄線編み)、キッッコアミ(亀甲編み) )、六角編みのバリエーション
• 複合菱目編み（差し菱目編み、西日本では四つ目返しとして知られる）
• ダイヤモンド綾編み (枡網代編み)は、広い面積にわたってデザインとして繰り返し使用される場合、花網代編み (花網代編み) として知られます。
• 麻の葉編み (麻の葉編み)、西日本ではアサアミ(麻編み)またはウロコアミ(鱗編み)として知られています。
• 六角編み（六つ目編み、籠目編み、西日本では亀甲編みとも呼ばれる）
• 不規則な編み方（西日本では「乱れ編み」または「氷裂編」 、九州では「やたら編み」または「落松葉編み」とも呼ばれる）
• マット編みまたは単純な編み（ござめ編み、西日本ではぬき編みとも呼ばれる）
• 八角編み(やつめあみ)​
• 松葉編み (松葉編み) 、すべての列に同じ向きが使用される場合は「青海編み」と呼ばれます
• 千鳥編み(千鳥編み、千鳥掛け編み、編みすがり)​​​
• 四つ目編み (よつめあみ) [ ¹¹⁴ ]
• 千筋組、櫛目編みとも呼ばれる。厳密には編み込みではなく、要素を互いに平行に並べて、上記のいずれかの方法で固定します。「平行構造」（組）とも呼ばれます。
• 綾編み、または網編み（網代編み） [ ¹¹⁴ ]
• Twining (縄目編み)​

特に竹と竹細工は、多くの日本の伝統芸術でよく描かれるテーマです。

• 
  17世紀後半から18世紀初頭にかけての鍋島焼の磁器皿の図柄は、竹籠に入った桜の花が川に流れ落ちる様子を描いている。^{[115] [116]}
• 
  南画家与謝蕪村（1716-1783）の掛軸『秋花籠図』には、丸い持ち手の付いた背の高い中国風の竹籠の中に秋の花束が描かれている。描かれている花は、菊、桔梗、芙蓉で、秋を代表する花である。花は墨にじみという技法で描かれており、柔らかな質感を生み出している。^[117]
• 
  竹で編んだ作品を表現または模倣したもう一つの品は、 1750年から1850年頃（江戸時代）の竹籠の形をした水差し茶道用水差しです。この水差しは陶器で、クリーム色の釉薬と茶色の釉薬がかけられており、竹で編んだ部分の質感が水差しに押し付けられています。^[118]

• 中国の竹編み
• 台湾の竹編み
• 韓国のワンチョジャン

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ウィキメディア・コモンズには、日本の竹籠に関連するメディアがあります。

• 竹籠データベース 作家名リスト | 立命館大学 2017-01-28 アーカイブ済み at the Wayback Machine
• 別府竹細工
• https://www.youtube.com/watch?v=k8KJFYNJ-eY
• https://www.youtube.com/watch?v=bY1LRLsCbOs