考案された演劇

デバイス演劇は、集団創作とも呼ばれ、脚本または（主に身体的な作品の場合は）演技スコアが、パフォーマンスアンサンブルによる共同作業で、しばしば即興的な作品から生まれる演劇制作の手法である。アンサンブルは通常俳優で構成されるが、視覚芸術家、作曲家、振付師など、他のカテゴリーの演劇実践者も、この生成的なコラボレーションのプロセスの中心となることがある。実際、多くの場合、協力するアーティストの貢献は、専門分野の枠を超えることがある。このプロセスは、コンメディア・デラルテやストリートシアターのプロセスに似ている。また、即興演劇といくつかの共通原則を共有しているが、デバイスにおいて、即興は通常、創作プロセスに限定されており、デバイス作品が公に発表される頃には、形式が固定されているか、部分的に固定されているのが普通である。歴史的に、デヴァイスドシアターはフィジカルシアターとも密接に結びついています。これは、少なくとも部分的には、コメディア、パントマイム、ピエロなどの身体的なパフォーマンス形式のトレーニングによって、オリジナル作品の創作に大きく貢献できる俳優クリエイターが育成される傾向があるためです。

創作方法は多様です。共同制作グループは、メンバーの背景や才能に基づいて、独自の方法論を開発する傾向があります。たとえば、作品の創作は、イメージ、プロット、テーマ、キャラクター、歴史的文書、小説全体、または 1 行を出発点として開始する場合があります。創作作品はテキスト ベースまたは完全に身体的なものになる場合があります。政治的な内容、純粋に美的なもの、ドキュメンタリー、メロドラマ、パフォーマンスの儀式、おとぎ話などである可能性があります。直線的な物語構造に従う場合もあれば、モンタージュやコラージュの美学から生まれる場合もあります。実際、生身のパフォーマーがまったくいない場合もあります (デザイナーズ シアターを参照)。つまり、創作演劇は一般的な演劇と同じくらい幅広いスタイルのスペクトル上に存在し、創作方法はグループとの関係だけでなく、プロジェクトの性質 (スタイル、形式、内容、目的) との関係でも異なります。^[1]

このため、デヴァイシングの手法は、それが発展した劇団と結び付けられることが多く、劇作家のデヴァイシングのトレーニングは、特定の演出家や劇団と結び付けられることが多い。たとえば、ViewpointsやSuzuki（ SITI劇団のコアメソッド）、 Jerzy Grotowskiが開発したテクニック、ポーランドのGardzienice演劇実践センターの身体および発声トレーニング、ルコックテクニックなどである。集団の実践的研究から、デヴァイシングのプロセスに関する著作が増えており（たとえば、The Frantic Assembly Book of Devising Theatre、^[2] Anne BogartのThe Viewpoints Book、^[3] Jacques LecoqのThe Moving Body: Teaching Creative Theatre ^[4]を参照）、米国と英国の多くの演劇プログラムがデヴァイシングコース、場合によってはデヴァイシングプログラムを演劇カリキュラムに追加したため、デヴァイシングテクニックの流通が広がり、デヴァイシング劇団の数（および重要性）が増加していると言える。^{[5] [6]}

それでも、即興の使用、身体表現のパフォーマンススタイルへの依存、長期にわたる開発プロセス、その後の選択、編集、および洗練の期間の基礎となる蓄積と過剰の期間など、頻繁に使用されるアプローチと原則を特定できます。創造的なプロセスには、ディレクター（最初はグループの創造性のファシリテーターとして機能し、プロセスの後半では「外部の目」と編集者として機能することが多い）と、リハーサルルームでクリエイティブアンサンブルと一緒に作業するか、生成された素材を収集して後で脚本に変えるライターが関与する場合と関与しない場合があります。^[7]

共同で考案されたパフォーマンスの歴史は、演劇と同じくらい古い。古代および現代のパントマイム、サーカス芸や道化、コンメディア・デラルテの中に、現代の創作実践の原型を見ることができる。実際、いくつかの文化的伝統は、主に集団主義的な方法で常にパフォーマンスを創作してきた（例えば、演劇学者でパフォーマンス制作者のニア・ウィザースプーンは、自己対他者の暗黙の二分法を伴う「集団創作」という用語自体が、本質的にヨーロッパ中心主義的であると主張している）。^[8]

演劇史家のキャサリン・シソエヴァとスコット・プラウドフィットは、集団創作という近代ヨーロッパの伝統は、演出が職業として出現した直後から始まり、1900年から1945年、1945年から1985年、そして1985年から現在までの3つの重なり合う波（それぞれ独特のプロセス、美的、政治的特徴を特徴とする）で展開していると主張している。^[9]集団創作の要素は、少なくとも1905年にはヨーロッパの演出家の作品に現れており、フセヴォロド・メイエルホリド^[10]やエフゲニー・ヴァフタンゴフ^[11]（ロシア）、ジャック・コポーとコピオ一家、ミシェル・サン＝ドニとカンパニー・デ・カンゼ（フランス）^[12] 、レドゥータ^[13]（ポーランド）、エルヴィン・ピスカトール（ドイツ）などの演出家やグループによる初期の実験に始まる。^[14] 1930年代には、労働運動の台頭と、それに伴う米国と欧州の労働者演劇の影響を受けて、集団創作手法が急増したが、第二次世界大戦と資本主義諸国における冷戦の政治により、その開花は一時的に止まった。^{[15] [16] [17]}

それにもかかわらず、戦後までに、ベルトルト・ブレヒトとベルリナー・アンサンブル、ジュディス・マリナとリビング・シアター、ジョーン・リトルウッドとシアター・ワークショップ、イェジー・グロトフスキと13列劇場、ピーター・ブルックなど、多くの演劇実践者やアンサンブルが、俳優兼クリエイターとして出演者を関与させたり訓練したりする共同手法を積極的に実験し始めていた。 1968年から1970年代にかけては、アメリカ大陸とヨーロッパ（東西）で集団創作の実践が爆発的に増加した。1930年代と同様に、芸術における集団主義と共同作業への関心の波は、新左翼の台頭など同時代の政治的発展に深く影響された。 20世紀後半の集団創作の発展に貢献した多くの劇団や演劇芸術家の中で、ヨーロッパと北米の主要人物としては、フランスのアリアンヌ・ムヌーシュキンと太陽劇団、ジャック・ルコック、ケベックのロベール・ルパージュ、 RGデイヴィスとサンフランシスコ・マイム劇団、ジョセフ・チャイキンとオープン・シアター、ルイス・バルデスとテアトロ・カンペシーノ、ルース・マレチェク、ジョアンヌ・アカラティス、リー・ブロイヤーとマボウ・マインズ、米国のリチャード・シェクナーとパフォーマンス・グループ、エリザベス・ルコンプとウースター・グループ、ポーランドのガルジェニツェ演劇センター、イタリアのイェジ・グロトフスキとトーマス・リチャーズのワークセンター、デンマークのオーディン劇場などが挙げられる。

1900年から70年代にかけての演劇における集団創作の台頭は、モダンダンス^[18]、[19]、フランスのパントマイム（スザンヌ・ビングとコピアウの先駆的な活動に始まる） ^[20]、[21]、パフォーマンスアート^[22]、ドキュメンタリーシアター^{[23]などの関連する発展と並行し、時には交差していました。}

1980 年代半ばから、新世代のアンサンブルや集団の出現、演劇祭、トレーニング ワークショップ、大学のコースを通じたデヴァイシング モデルやトレーニング方法の普及が進み、公民権運動時代の集団創作の原動力となっていた政治的な動機から、より明らかに美的、経済的な動機へと変化が起こりました。この時期、このような実践は「デヴァイシング」という用語とより明確に結び付けられるようになりました。現在、米国、カナダ、英国で創作活動を行っている著名な劇団には、SITI Company、Mabou Mines、Wooster Group、Pig Iron、The TEAM、Elevator Repair Service、Ghost Road、Double Edge Theatre、The Rude Mechs、The Neo-Futurists、Nature Theatre of Oklahoma、Tectonic Theatre Project、Complicité、Told by an Idiot、Improbable、Frantic Assembly、Shunt、Kneehigh、InHEIRitance Project、SOCIETY、Ghost River Theatre、/Voices of Now (VON) (Mead Center for American Theater の Arena Stage で上演) などがあります。

• ビカット、ティナ、ボールドウィン、クリス（2002）。『デヴィズド・アンド・コラボレーティブ・シアター』クロウッド。ISBN 1-86126-524-7。
• ブリトン、ジョン（2013）。Encountering Ensemble。メシューエン演劇。ISBN 978-1408152003。 
• バルバ、エウジェニオ、ニコラ・サヴァレーゼ（1997年）。演劇人類学辞典。ラウトレッジ。ISBN 978-0415053082 
• ミリング、ジェーン、ディアドラ・ヘッディング（2015年）。『デヴィシング・パフォーマンス：批評的歴史』パルグレイブ・マクミラン。ISBN 978-1137426772 
• オディ、アリソン (1994)。『デヴィシング・シアター：実践的かつ理論的なハンドブック』。ラウトレッジ。ISBN 0-415-04900-8。
• ラドサヴリェヴィッチ、ドゥシュカ (2013)。演劇制作: 21 世紀におけるテキストとパフォーマンスの相互作用。ISBN 978-0-230-34310-8 
• ロビンソン、デイビス (2015)。アンサンブル・デヴィシング実践ガイド。ラウトレッジ。ISBN 978-1137461551 
• Syssoyeva、Kathryn Mederos、Scott Proudfit 編 (2013)。集団創作の歴史。Palgrave Macmillan。ISBN 978-1137331298 ;現代パフォーマンスにおける集団創作。Palgrave Macmillan。ISBN 978-1-137-331267。  
• Syssoyeva、Kathryn Mederos、Scott Proudfit編 (2016)。『女性、集団創作、そして創作パフォーマンス』Palgrave Macmillan。ISBN 978-1-137-60327-2。 
• タフネル、ミランダ (1993)。ボディスペースイメージ。ダンスブック。ISBN 1-85273-041-2。