Loading article…
シャンルヴェとは、装飾美術における七宝技法、またはその技法で作られた作品のことで、金属の表面に溝やセルを彫刻、エッチング、型打ち、または鋳造し、そこにガラス質の七宝を充填する技法です。その後、七宝が溶けるまで作品を焼成し、冷めたら作品の表面を磨きます。元の表面の彫刻されていない部分は、七宝のデザインのフレームとして見えるまま残ります。通常、中世の作品では、これらの部分は金箔で覆われています。[ 1 ]この名前はフランス語の「隆起したフィールド」に由来し、「フィールド」は背景を意味しますが、実際の技法では、表面の残りの部分を隆起させるのではなく、七宝を施す領域を低くします。
この技法は古代から用いられてきたが、現在では最も一般的な七宝技法の一つとは言えない。シャンルヴェ技法は比較的広い面積を覆うのに適しており、人物像を描くのにも適している。ただし、最初に広く用いられたのはケルト美術における幾何学模様であった。ロマネスク美術においては、その可能性が最大限に活かされ、リモージュ七宝をはじめとする各地の七宝細工において、小箱、飾り板、器などの装飾に用いられた。
シャンルヴェ技法は、平らな金属片を対象物の表面にろう付けして溝を作るクロワゾネ技法とは区別されます。この技法の違いは、木工技法の象嵌細工や寄木細工に似ています。シャンルヴェ技法は、最高級のゴシック作品で後継となったバスタイユ技法とは異なり、エナメルをはめ込む溝の底が粗くなっています。そのため、不透明なエナメル色のみが使用されます。バスタイユ技法では、溝が造形され、半透明のエナメルが使用され、14世紀のパリ王室の金杯のように、より繊細な効果が得られます。[ 2 ]
エナメルは最初に小さな宝飾品に使用され、埋もれた古代の作品ではしばしば崩壊しています。シャンルヴェ技法の一貫した頻繁な使用は、紀元前3世紀または2世紀のヨーロッパの初期ケルト美術のラ・テーヌ様式で初めて見られ、その主な色は赤で、おそらく赤い珊瑚の模倣を意図したものでした（ウィザム・シールドで使用されているように）。ベースは通常ブロンズでした。ブリテン諸島の「島嶼ケルト人」は、この技法を広く使用し、バタシー・シールドやその他の作品の浮彫装飾のハイライトとして見られます。[ 3 ]しかし、これは厳密には、通常の意味での真のエナメルではありませんでした。ガラスは柔らかいペースト状になるまで加熱されてから所定の位置に押し込まれただけだったからです。これは非公式には「封蝋」エナメルとして知られており、「ガラス象嵌」または同様の用語で説明されることがあります。ガラスペーストを所定の位置に置き、液状になるまで焼成する真の七宝焼きの技術は、ローマ人から学んだものです。[ 4 ]七宝焼きに関する最も古い文献上の記述は、ギリシャのソフィストであるフィロストラトス3世によるもので、彼は著書『イコネス』（第1巻、28）の中で、多色の馬具について次のように書いています。「海の野蛮人は、熱した青銅にこれらの色を注ぎ、それが付着して石のように硬くなり、その上に作られたデザインを保存すると言われています。」[ 5 ]
ケルトの曲線的な様式はエナメルで非常に効果的で、ローマ時代を通じて使用され、その後他の媒体ではほとんど見られなくなりました。スタッフォードシャー・ムーアランズ・パンは、2 世紀のトゥルッラで、4 色のエナメルで大きな円形のエナメル装飾が施されており、おそらくギリシャ人である兵士ドラコがハドリアヌスの長城での勤務の記念品として依頼したか、または彼のために作られたものです。これは、ブリテン島と北ガリアで発見された同様のエナメル器のグループの一つです。同様の文脈からの小さな品には、ブローチやその他の宝飾品、フィロストラトスが記述した馬具の金具などがあります。ローマ帝国の末期頃には、新しい形式が現れました。ブリテン諸島のますます豪華になった半環状ブローチの端は、他の留め具や金具、吊り鉢の金具と同様に、シャンルヴェで装飾されるようになりました。これらのボウルは、その目的が不明瞭なだけでなく、主にアングロサクソン時代やヴァイキング時代の遺跡で発見されており、サットン・フー遺跡でも3点見つかっているが、装飾には主にケルト風のモチーフが用いられているため、美術史家たちを長年悩ませてきた。サットン・フー遺跡のボウルのうち1点は修復されていたが、ゲルマン風の異なる様式で修復されていた。[ 6 ]様々なタイプの吊り下げボウルの製作は、合計で400年から1100年まで続く。[ 7 ]第一人者であるルパート・ブルース＝ミットフォードは、これらのボウルを「ケルト風」工房、おそらくはアイルランドの工房で製作されたものと見なしているが、同じ時期には、最も装飾的なケルト風ブローチに見られるシャンルヴェの広い面積の使用は減少している。しかし、宝石のようなエナメルのハイライト、中にはミルフィオリを用いたものもまだ見られる。アングロサクソン美術においては、ヨーロッパの大部分やビザンツ世界と同様に、この時代は七宝焼きの技法が主流であった。
シャンルヴェ技法は特にロマネスク美術と関連が深く、この様式の最も優れた現存作品の多くにこの技法が用いられています。11世紀後半には、ロマネスク様式の成熟と時を同じくして、いくつかの地域でこの技法の使用が著しく増加しました。この様式の直接の起源は依然として不明瞭で、様々な異国の起源が示唆されていますが、同時期にステンドグラスの使用が著しく拡大したことと関連していると考えられます。銅または青銅の基材が一般的に使用されました。これらは柔らかく加工しやすく、比較的安価でした。しかし、これらは熱で変色するため、不透明なエナメルを使用する必要がありました。ステンドグラスと同様に、青が支配的な色となりました。絵画（壁画、パネル、写本など）における最高の青色は非常に高価でしたが、ガラスでは豊かな青色が容易に得られます。
モザンとリモージュの七宝は最も有名で、銅板に彫られた人物像は卓越した線描のセンスを示している。ニューヨークのスタヴロ三連祭壇画はモザンの最高傑作の一例であり、ロンドンのベケット小箱はリモージュの初期の優れた作品である。モザンの金細工師兼七宝職人の名前は数名知られている。レリーフや立体的な人物像も七宝で装飾され、金属製の台座は型に打ち込んで成形されたものもあった。リモージュの生産量は着実に増加し、ゴシック時代には品質が低下したが、比較的安価な製品、特に半工業規模で生産されヨーロッパ全土に輸出されたシャス小箱を提供した。リモージュの作品と容易に区別できないスペインの七宝も大規模に生産された。モザンの作品は金や銀鍍金で作られることもあったが、リモージュやスペインでは銅鍍金がより一般的で、例に示すように、モザンの作品の多くもこの技法を用いている。この例では、同じセル内で異なる色や濃淡を混ぜ合わせることも示されており、ここではデザイン全体にわたって複雑な方法で使用されているが、下のリモージュの例では、この難しい技法の使用ははるかに少なく、はるかに単純である。[ 8 ]
