サウンドエディター（映画制作）

サウンドエディターは、テレビ番組、映画、ビデオゲーム、または録音された音や合成音を含むあらゆる作品の最終的なサウンドミキシングまたはマスタリングの準備として、サウンドレコーディング の選択と組み立てを担当するクリエイティブプロフェッショナルです。サウンドエディターは、スーパーバイジングサウンドエディターと協力して作業します。スーパーバイジングサウンドエディターは、エディターの強みと専門分野に基づいて、シーンとリールをサウンドエディターに割り当てることがよくあります。^{[1]サウンド編集は、初期の}トーキーの不完全、ドラマ性の欠如、または技術的に劣るサウンドレコーディングを修正する必要性から発展し、数十年にわたって尊敬される映画制作技術となり、サウンドエディターは映画のサウンドデザインの美的目標を実現しています。

映画芸術科学アカデミーは、優れた音響編集の芸術的貢献をアカデミー賞音響編集賞で表彰しています。

サウンドには、主にダイアログ、効果音、音楽の 3 つの部門があり、これらを組み合わせて最終的なミックスを作成します。ニューヨークやロサンゼルスなどの大規模な市場では、サウンド エディターはこれらの領域のいずれか 1 つに特化していることが多く、そのため、ショーにはダイアログ、効果音、音楽のエディターが別々に存在します。小規模な市場では、サウンド エディターはこれらすべての扱い方を知っていることが求められ、ミキシングの領域にも及ぶことがよくあります。効果音の編集は、音響の世界をゼロから作成することに例えられ、ダイアログの編集は、既存の音響の世界を取得して修正することに例えられます。ダイアログの編集は、より正確には「プロダクション サウンド編集」と考えられており、エディターはセットで録音された元のサウンドを取得し、さまざまなテクニックを使用して、ダイアログをより理解しやすく、スムーズにするため、リスナーはショット間のトランジションを聞き取らないようにします (多くの場合、セリフの下の背景音はテイクごとに劇的に変化します)。エフェクト エディターが直面する課題の中には、画面に表示されるすべてのものにリアルなサウンドを作成するためにさまざまな要素を創造的に組み合わせることと、サウンド エフェクト ライブラリを記憶することが挙げられます。

現代のサウンド編集に欠かせない機器は、デジタル オーディオ ワークステーション(DAW) です。DAW を使用すると、ホスト コンピュータにコンピュータ ファイルとして保存されているサウンドを、映画と同期させて配置し、ミックス、操作、および記録することができます。2012年現在、アメリカの映画業界で使用されている標準的な DAW システムは、ほとんどがMacで実行されているAvidのPro Toolsです。現在使用されている別のシステムは、ヤマハが所有するSteinbergのクロス プラットフォーム DAW Nuendoで、これはMac OS Xオペレーティング システムを使用しているMacだけでなく、Windows XPでも動作します。歴史的にサウンド編集に使用されていたその他のシステムは次のとおりです。

• WaveFrame AudioFrame は、カリフォルニア州エメリービルの WaveFrame 社が製造しています。
• フェアライト社はいくつかのDAWを製造してきた。
• ソニックソリューションズ
• AMS-Neve オーディオファイル
• Avid社製AudioVision

WaveFrame、Fairlights、Audiofile は「統合型」の DAW であり、高価な専用ハードウェアと特殊なコンピュータ (標準の PC や Mac ではない) を購入する必要がありました。生き残った 2 つのシステムのうち、Pro Tools では依然として専用ハードウェア (「Mbox」などの低価格のポータブル デバイス、またはよりプロフェッショナルなハイエンド アプリケーション向けの高価なマルチチャンネル A/D、D/A コンバータ) が必要ですが、Nuendo ( Cubaseの後継) は「ホスト ベース」のものです。

サウンドエフェクト編集者は通常、サウンドエフェクトに簡単にアクセスして映画のサウンドトラックで使用できるように、整理されたサウンドレコーディングのカタログを使用します。市販されているサウンドエフェクトライブラリはいくつかありますが、最もよく知られている 2 つの出版社はSound Ideasと The Hollywood Edge です。Sounddogs、A Sound Effect、Sonniss などのオンライン検索エンジンを使用すると、ユーザーは大規模なオンラインデータベースからサウンドエフェクトライブラリを購入できます。

多くの効果音編集者は、独自のカスタマイズされたサウンド録音を作成し、それを非常に貴重な個人用効果音ライブラリに蓄積しています。映画で使用された効果音は保存され、その後の映画で再利用されることがよくあります。その好例の 1 つが、「ウィルヘルムの叫び」として知られる録音です。これは、『フェザー川の突撃』 (1953 年)、『ピエール・マレット物語』(1957 年)、『帝国の逆襲』 (1980 年)、『レイダース/失われたアーク』 (1981 年)、 『レザボア・ドッグス』 (1992 年) など、多くの有名な映画で繰り返し使用されていることで知られています。この録音に名前を付け、普及させたのは、サウンド デザイナーのベン・バートです。

映画鑑賞市場で無声映画に取って代わった最初の音響処理は、ヴァイタフォン処理でした。ヴァイタフォン処理では、マイクがセットで演奏された音を直接蓄音機のマスターに録音するため、後の処理で可能になったように、ヴァイタフォンの録音をカットしたり再同期したりすることは不可能でした。このため、ヴァイタフォン処理は、ミュージカルや、ヴォードヴィルのルーティンや舞台パフォーマンスの再現などのワンテイクのアクションシーン、つまり編集をまったく必要としないシーンの録音に限定されていました。しかし、ワーナー ブラザーズは、すでに『ジャズ シンガー』の頃から、複数の蓄音機録音のミキシングや、「マスター」同期テイクと他のアングルの映像のインターカッティングの実験を始めていました。 『ジャズ シンガー』のマスター録音に使用されたオリジナルのミキシング コンソールは、現在でもワーナー ブラザーズ スタジオ ミュージアムで見ることができますが、ノブは 4 つか 5 つしかありませんが、それぞれのノブには、現代のサウンド デザイナーが認識する「音楽」、「群衆」などの基本的な「グループ」がはっきりとラベル付けされています。

ワーナー・ブラザースは、ヴァイタフォン システムを使用して、より多くの蓄音機の音響効果を映像に並べるための、ますます洗練された技術を開発しましたが、 1930 年代初頭にサウンド オン フィルムプロセスが広く採用されたため、この技術は時代遅れになりました。

サウンドオンフィルムプロセスでは、マイクが音を捉え、それをフィルムに撮影できる信号に変換します。録音は媒体に直線的に配置され、媒体は簡単に切断して接着できるため、録音された音は簡単に再シーケンスして別のトラックに分離でき、ミキシングをより細かく制御できます。1950 年代に光学サウンド録音プロセスが磁気録音に置き換えられると、オプションはさらに広がりました。磁気録音は信号対雑音比が優れているため、フルミックスでノイズを増やすことなく、より多くのトラックを同時に再生できます。

編集者が利用できるオプションの数が増えたことで、サウンド トラックはより複雑でクリエイティブになりました。この時期に、一連の標準的な手法が確立され、それがデジタル時代まで続きました。概念的な概念の多くは、コンピューター化されているかどうかに関係なく、今でもサウンド デザインの中核となっています。

• サウンドはトラックにまとめられます。多くのトラックがミックスされて（または「ダビングされて」）、最終的な映画が作られます。
• 通常、トラックには 1 つの「タイプ」またはサウンドのグループのみが含まれます。ダイアログを含むトラックにはダイアログのみが含まれ、音楽を含むトラックには音楽のみが含まれます。多くのトラックが 1 つのグループのすべてのサウンドを保持する場合があります。
• トラックは、プリダビングと呼ばれるプロセスで、一度にグループごとにミックスされる場合があります。ダイアログを含むすべてのトラックを一度にミックスし、フォーリーを含むすべてのトラックを別の時点でミックスする場合があります。プリダビングのプロセスでは、多数のトラックを 1 つにミックスできます。
• プリダブはミックスされて最終ダブが作成されます。最終ダブの際に、さまざまなサウンド グループ間のバランスに関する最終決定が行われます。

歴史的には、ダビング ミキサー(英国) またはリレコーディング ミキサー(米国) は、ダビング エディターから提供されたすべてのオーディオ トラック (フォーリーなどの「ライブ サウンド」を追加) を特別なダビング スイートでミックスする専門家でした。ミキサーは、ミキシングだけでなく、大きなコンソールに座りながら、イコライゼーション、圧縮、フィルター処理されたサウンド エフェクトなどを導入しました。多くの場合、2 人または 3 人のミキサーが並んで座り、それぞれがダイアログ、音楽、エフェクトなどのオーディオ セクションを制御していました。

光学式サウンドトラックの時代では、過度のノイズを蓄積せずに 8 トラック以上を一度にミックスするのは困難でした。磁気録音の全盛期には、ドルビーノイズリダクションの助けを借りて、200 トラック以上をミックスすることができました。デジタル時代には制限はありません。たとえば、1 回のプリダブで 100 トラックを超えることがあり、最終的なダブでは 1,000 トラックの合計になることもあります。

サウンド編集の機械的なシステムは、1990 年代初頭まで変更されていませんでしたが、この頃にデジタル オーディオ ワークステーションは、主に画像との同期機能と、CD 品質の忠実度で多数のトラックを一度に再生する機能など、映画制作に使用できる十分な機能を獲得しました。48 kHz のサンプリング レートでの 16 ビット オーディオの品質により、数百のトラックをノイズがほとんどない状態でミックスできるようになりました。

作品の物理的な表現はコンピュータ化されました。サウンド録音と、それを組み立てる際に編集者が行った決定はデジタル化され、バージョン管理、実行、取り消し、および即時かつコンパクトにアーカイブできるようになりました。磁気録音の時代には、サウンド編集者はトラックをミキシング ステージに輸送するためのトラックを所有しており、磁気フィルムへの転送は数十万フィート単位で測定されました。素材がステージに到着すると、12 人の録音技師とミックス技術者が 30 分かけて、プレダブに必要な 30 ～ 40 のトラックをロードしました。デジタル時代では、編集されミックスの準備が整った 250 時間のステレオ サウンドを 160 GB のハード ドライブ1 台で転送できます。また、この 250 時間分の素材は、予想どおり 250 時間かかっていた古いシステムとは対照的に、4 時間以内でコピーできます。

これらの技術革新により、2005 年現在、サウンド エディターは、より安価な労働市場へのアウトソーシングによる仕事の喪失や、知的財産権の非効率的な執行によるロイヤリティの喪失など、他のコンピュータ化された「知識ベース」の専門家と同じ問題に直面しています。

アニメーションの分野では、伝統的にサウンド エディターは、画面クレジットで「映画エディター」というより名誉ある称号を与えられています。アニメーション映画はフレームに合わせて計画されることが多いため、映画エディターの従来の機能は必要ないことがよくあります。トレッグ ブラウンは、ワーナー ブラザーズ アニメーションのサウンド効果の天才として漫画ファンに知られています。この分野の他の偉人には、ウォルト ディズニー スタジオのジミー マクドナルド、ハンナ バーベラのグレッグ ワトソンとドン ダグラス、UPAおよびさまざまなテレビ漫画スタジオ のジョー シラクーサがいます。

ラジオ番組や音楽の制作において、プロデューサー自身がその作業を行わない場合、録音された音声を操作する人は単に「編集者」と呼ばれます。

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