ペンシラー

ペンシラー（またはペンシラー）は、漫画本、グラフィックノベル、および類似の視覚芸術形式の創作に取り組むアーティストであり、通常は編集者の監督の下で、本のインク、色、レタリングを提供する他のアーティストと協力して、初期の鉛筆イラストに重点を置いています。

アメリカの漫画業界では、ペンシラーは物語を視覚的に表現する最初のステップであり、^[1]作家とのフィードバックを数回行う必要がある場合があります。これらのアーティストは、プロットのステップを示すレイアウト（シーン上の位置と視点）に関心を持っています。

ペンシラーは鉛筆で作業をします。しかし、この基本的な説明を超えて、さまざまなアーティストがさまざまな異なるツールを使用することを選択します。多くのアーティストが伝統的な木製鉛筆を使用しますが、シャープペンシルや製図用芯を好むアーティストもいます。ペンシラーは好きな硬度の芯を使用できますが、多くのアーティストは、最初のスケッチの細い線を引くために硬い芯 ( 2Hなど) を使用し、描画の仕上げ段階ではやや柔らかい芯 ( HBなど) を使用します。また、コピー中に色が消えがちなため、ライトブルーの 色鉛筆を使用して最初のレイアウトを行うアーティストもいます。

アメリカの漫画本のページのほとんどは、通常はブリストルボードなどの大きな紙に特大で描かれている。^[2]アメリカの主流漫画業界では、漫画本のページの慣習的なサイズは11インチ×17インチである。インカーは通常、鉛筆の跡の上から直接作業するが、時には元の鉛筆の跡が残るように、製図用ベラム紙などの半透明の紙にインクを塗ることもある。アートワークは後で印刷工程で写真のように縮小される。Photoshopなどのデジタルイラストレーションプログラムの登場により、アートワークの一部または全体がデジタルで制作されることが増えている（以下を参照）。

1949年から引退するまで、ジャック・カービーは家族から「ダンジョン」と呼ばれていた幅10フィートの地下スタジオで仕事をしていた。きれいなブリストルボードから始めるとき、彼はまずT定規でパネルラインを引いた。^[3]

アーサー・アダムスは、自宅または公共の場で、与えられた脚本からサムネイルのレイアウトを描き始める。サムネイルのサイズは、2インチ×3インチから、印刷されたコミック本の半分のサイズまでさまざまである。その後、彼またはアシスタントがサムネイルを拡大し、非写真用青鉛筆でイラストボードにトレースする。ワックスが多すぎず、簡単に消せるため、プリズマカラーのライトブルー鉛筆を使用することもある。最終的なイラストボードに取り組むときは、地下スタジオでは大きな描画ボードを使用し、リビングルームのソファに座っているときはラップボードを使用する。サムネイルをトレースした後、別のライトブルーの鉛筆で詳細を明確にし、2番鉛筆で詳細を仕上げる。彼は「ジョニー・フューチャー」の最初の3章を印刷されたコミックの2倍のサイズで描き、5章「スクリンの庭」も標準よりも大きなサイズで描き、これらのストーリーで通常よりも詳細に表現できるようにした。多数の人物が描かれた大きなポスター画像の場合、人物の輪郭線をマーカーで強調します。慣れていないものを描くときは、適切な場合には写真を参考にします。^{[4] [5]}収入の大部分はオリジナルアート作品の販売によるものであるため、デジタルで作品を制作する方法を学ぶことには消極的です。^[6]

ジム・リーは鉛筆画にF字を使うことで知られている。 ^{[7] [8]}

J. スコット キャンベルは鉛筆に芯ホルダーとサンフォード ターコイズH 芯を使用しています。この芯は、柔らかさと濃さ、そして「スケッチ」のような感触を演出でき、粉状の芯の汚れが最小限に抑えられるという理由で使用しています。この芯を使用するのは、硬すぎて紙の上で十分に濃くならず、柔らかすぎて汚れや崩れが発生しやすいというバランスが取れているためです。キャンベルは、この芯に最も近い競合製品はワックスが多すぎると感じているため使用していません。キャンベルはHB 芯と F 芯も使用しています。彼はベロール ターコイズ シャープナーで芯の切れ味を維持し、4 ～ 6 か月ごとに交換しています。この期間が、芯の研磨能力の持続期間であると彼は考えています。^{[9]キャンベルはマジック ラブ消しゴム、消しゴムスティック、そしてデジタルで作品をインク付けするようになってからはサクラの}電動消しゴムを組み合わせて使用​​しています。彼は細かい作業を表現するために、消しゴムを角ばったエッジに削ることがよくあります。^[10]

トラヴィス・シャレストは、にじみを防ぐために主に2Hの鉛筆を使い、時にはHBの鉛筆も使う。以前は出版社から支給された普通のイラストボードにイラストを描いていたが、そこに印刷されている非写真的な青い線が気に入らなかった。2000年までに、彼はすべての作品をクレセントボードに切り替えた。それは、濡れても歪まないこと、より鮮明なイラストを生み出すこと、非写真的な青い線がないため額装に適していることなどからである。 ^{[11]シャレストは通常​​、レイアウト、サムネイル、}ライトボックスなどの下準備のスケッチをあまり行わない。これは、せっかちな性格のためでもあるが、より自発的に制作した方がアートワークが偶然に生まれる性質を楽しんでいるからでもある。^[12]また、彼は銃や乗り物、あるいはライセンス作品の登場人物など、現実世界とのある程度の正確さが求められるオブジェクトを描写する場合にのみ参考資料を使用することを好んだ。その例としては、2000年に『スタートレック：新世代：狼を抱きしめて』^{の表紙を描いたときが挙げられる。 [13]}

アーティストのアダム・ヒューズが表紙の作品に用いる鉛筆画の工程は、コンベンションでファンのためにスケッチをする時と同じだが、主な違いは、表紙の作品はスケッチブックに描き、その後ライトボックスを使ってその絵をバージンアートボードに写し取る点である。 ^[14]一方、コンベンション用の絵は11 x 14 のストラスモア・ブリストル紙に描く。これは、鉛筆画の方が滑らかな紙よりも粗い上質紙の方を好み、滑らかな紙は筆でインクを塗る時のみに使うからである。[ ^15]下絵の下書きは鉛筆ホルダーで描く。^[16]普通の鉛筆ではすぐに先がすり減ってしまうと感じるからである。コミック ブック コンベンションでのスケッチのデモンストレーションで彼が説明したように、この工程ではサンフォード ターコイズ4B 芯という柔らかい芯を使用するが、湿度の高い気候で紙が湿りがちなアトランタの自宅で作業するときは、その環境では 4B 芯のように機能するB 芯や2B 芯を使うこともある。^[15]しかし、彼のウェブサイトでは、彼は6Bの鉛筆を使っているが、多少の違いがあると説明している。鉛筆だけで描かれた作品では、彼は様々な硬さの鉛筆の芯を使用している。^[17]残しておきたい構築線を濃くした後、より細かい部分を描画する前に、練り消しで薄い線を消す。 ^[16]より細かい部分を消すには、鉛筆型の白い消しゴムを使用し、広い部分を消すには、より大きな手持ちの白い消しゴム、ステッドラーのマーズプラスチックを使用している。彼はこれを「熱核消しゴム」と呼んでいる。なぜなら、それが「すべてを処理してくれる」からである。^[15]

アーティストで元マーベル・コミック編集長のジョー・ケサダは、最終的な絵を描く実際のサイズよりはるかに小さいスケッチから始める。彼はイラストの「タイトな」デジタルレイアウトをしたいときには、Cintiq描画タブレットを使用する。人物をスケッチするときは、写真を参考にすることがあり、レイアウトを最終決定する過程で写真をスケッチに直接組み込む。レイアウトを最終決定したら、それをフルサイズで印刷し、ライトボックスを使用して鉛筆で描き、照明やその他の詳細などのデザインの要素を変更することもある。^{[18] [19]}

ブライアン・ヒッチは、異なるカメラアングルで複数のラフスケッチを青鉛筆で紙に描くことから始めます。青鉛筆は伝統的にコピーやスキャンはしません。次に、ラフスケッチから必要な要素を鉛筆で選択します。最初の形状を選んだ後、色ペンで選択をさらに強調し、さまざまなバリエーションを試し続けます。その後、日が暮れるのが遅いかどうかに応じて、レイアウト用紙にイラストを描き直すか、ライトボックスを使用して描画を引き締めてクリーンアップします。ライトボックスは単なるトレースの練習ではなく、描画の要素を洗練または変更して、インクを塗るのに十分「クリーン」にする機会であるべきだと強調しています。^[20]

ヒッチは、絵を最終的なアートボードに移す際、必要な正確さとディテールが得られると感じた2H鉛筆で初期レイアウトを行い、消せる青鉛筆でパネルのフレームと消失点をマークする。これはラフ段階の後で導入する。彼はこの段階にあまり時間をかけたり磨きをかけたりせず、素早く、軽く、本能的に作業することを選んだ。この段階では、細いアウトラインとディテール作業には0.9mmの2H芯のシャープペンシルを使用し、柔らかい線、広い領域の陰影付け、より滑らかな動きの作成など、より有機的な作業には従来の鉛筆を使用する。彼によると、「最高のツール」はクラフトナイフで切った従来の鉛筆であり、さまざまなマークを作成でき、ディテール、陰影付け、一般的なスケッチに使用できるという。ヒッチは、最高の結果は、シャープペンシルとナイフで削った従来の鉛筆の両方を組み合わせることだと考えている。^[20]

ヒッチはスタジオの作業スペースにこだわりがあり、テレビやソファは置いていない。そのようなものはラウンジに置いてリラックスする場所に置くべきだと述べている。プロ仕様の製図板を使用しているにもかかわらず、紙が置ける大きさの安価なボードであれば十分だと強調しており、大まかに切ったチップボードを机の端に立てかけて使うことが多い。アートワークをデジタルで修正するには、Apple iMacデスクトップコンピューター、フラットベッドスキャナー、Photoshopを使用している。 ^[20]

ヒッチの仕事環境とは対照的に、アーティストのシモーネ・ビアンキは、音楽を聴いていないと仕事ができないと語る。彼は、画板の上にステレオスピーカーを置き、スタジオに膨大な音楽コレクションを置いて音楽を聴いている。ビアンキは、作品にリアルな印象を与えるために、膨大な写真資料とライトボックスを使用している。彼は、以前は平らな場所で絵を描いていた木製の画板を使用しているが、2006年に腰痛が始まったため、角度をつけて描いている。^[21]

仕事中に音楽を聴くもう一人のアーティストはマーク・シルヴェストリで、彼は他の時間に聴くオルタナティブロックとは対照的に、仕事中はダウンテンポのチルミュージックを聴くと語っている。 ^[22]

エリック・ラーセンは自身のウェブサイトの略歴と参考文献のページで、ステッドラー・マーズ・ルモグラフ100 2H鉛筆とステッドラー・マーズ・プラスチック消しゴムを使用していると説明している。^[23]しかし、同サイトのよくある質問のページでは、彼は標準的なディクソン・タイコンデロガ#2鉛筆とHB芯を使用していると述べており、「とても柔らかいが、硬い鉛筆のように筆記が遅くなることはない」と説明している。^[24]

アーティストのアマンダ・コナーは、脚本の各ページを読みながら、各ページに示されているストーリーに対応する棒人間を使った小さなサムネイルスケッチを描き、ページのレイアウトをデザインする。次に、完成したアートワークに比べるとまだかなり小さいものの、より緻密で精巧なスケッチを描き、^[25]約4インチ×6インチ（100 mm×150 mm）にし、^{[26]それを}コピー機で拡大して、適切なオリジナルのコミックアートのサイズ（10インチ×15インチ）にする。夫で共同制作者のジミー・パルミオッティにインクを塗ってもらう場合は、「非常にきつい鉛筆」を使ってブリストルボードにライトボックスで描くが、自分でインクを塗る場合は、アートワークをどのように表現したいかがすでにわかっているため、鉛筆を「より薄く、より緩く」する。^[25]コナーは、自分の画用紙に独自の紙質と青い線のフォーマットを作成した。その理由は、その構成があらかじめ紙に印刷されているのが好きで、「ざらざらしたものはざらざらしすぎ、なめらかなものはなめらかすぎる」と感じるからだという。彼女が使用する紙質は、10インチ×15インチ（250 mm×380 mm）のストラスモア500シリーズだが、8インチ×12インチ（200 mm×300 mm）の紙質も注文している。なぜなら、その寸法の方が快適で、作業が早くなるからだ。また、ストラスモア300シリーズも「なかなか良い」と感じており、質感が良く、価格も手頃だが、時には「血のりのよい」ものを手に入れることにも我慢しなければならないと述べている。コナーは、頻繁に止めて削る必要のある通常の鉛筆よりも使いやすいと感じたため、0.03芯のシャープペンシルを使用している。^[26]

アーティストのジーン・ハは、原稿を受け取ると、各ページの「小さな」サムネイルスケッチを描き、次にコミックアートボードの縮小コピーに、1 ページにつき 2 枚のレイアウトスケッチを描きます。この段階で、ページの明暗のバランスを決めます。作品の約 90% は写真を参照せずに作成すると語っていますが、中心人物としてポーズをとる友人の写真を撮ったり、全身鏡を使って自分自身を描いたりすることもあります。脇役は想像で描きます。日照量に関係なく、500W の白熱写真ランプを使用することを好みますが、500W のハロゲンランプでも十分だと考えています。スケッチにはH 芯、シェーディングには2B 芯の芯ホルダーを好み、回転式芯ポインターで削ります。回転式芯ポインターは、従来の鉛筆よりも削りやすいと考えています。彼は各ページのレイアウトをスキャンして8.5インチ×11インチ（220 mm×280 mm）に拡大し、その上に鉛筆で「きつい」線を描き、それをスキャンして11インチ×17インチ（280 mm×430 mm）のインクジェット用紙に薄い青い線で印刷する。マーカー紙の表面は汚れや油っぽくなりやすいと感じているため、彼はゼロックス紙を好む。コンピューターで修正するためにアートをインポートするときは、Photoshopを使用する。^[27]

アーティストのジェイソン・シガは、 2011年のグラフィックノベル『Empire State: A Love Story (Or Not)』を黄色の2番鉛筆でコピー用紙に描き、ライトボックスを使って筆で描いたインクで転写した。^[28]

アーティストのジョナサン・ルナは、 14 x 17のストラスモア・ブリストルボードを使用し、それを11 x 17に切り分けて描画します。彼は2Hの鉛筆を使用して描画し、マイクロンのペンで鉛筆にインクを付けた後、グラフィックタブレットで線画を編集します。^[29]

アーティストのマルシオ・タカラは、 7インチ×5インチ（180 mm×130 mm）のインクのサムネイルスケッチからページを始めます。これは、編集者に全体的なアイデアを示すものです。実際の鉛筆画を始めるときは、最終的には自分でインクで上塗りするため、それほど具体的なことは求めず、ラフなままにしておきます。鉛筆画の段階はタカラにとって最も速い段階です。彼は鉛筆画の作業をすべてHB 0.5 のシャープペンシルで行い、1 日に 2、3 ページを鉛筆画で仕上げ、時には 1 日の終わりまでに 3 ページすべてをインクで仕上げることもあります。^[30]

フランク・チョーは、表面が羊皮紙のストラスモア300シリーズ ブリストルパッドで作品を制作しています。チョーは、鉛筆で作品を描き出す際に、0.7mm HBの芯が付いたぺんてるのシャープペンシルを使用しています。消す際には、バニッシュ消しゴムと練り消しゴムの両方を使用しています。^[31]

アーティストのクリス・サムニーは、ストラスモア・ブリストルの300シリーズの2層ボードを使用しています。彼は下絵を描くために専門店で購入した非写真用青鉛筆やその他の用具は使用せず、ターゲットで購入した0.9mmのシャープペンシルを使用しています。^[32]彼は自分の鉛筆を「ひどい」と表現し、他の人に渡してインクを塗らせることは考えられないため、自分でインクを塗っています。^[33]

作家/アーティストのChuck Austen は、Elektraの作業をすべてコンピューターで行いました。彼は主に Macintosh を好んで使用しますが、PCも使用します。Mac を使用する場合はRay Dream Studio を使用し、PC を使用する場合は3D Studio Maxを使用します。これらを使用すると、3 次元モデルを単純な 2 トーンの線の形に分解できます。彼はモデルをカタログから購入するか、 HashまたはAnimation:Masterを使用してStrips用に作成したモデルを使用します。モデルをStudioまたはMaxにインポートした後、背景オブジェクトの配置やジェスチャーの修正など、シーンの角度やその他の側面を調整してからレンダリングし、コンピュータで遠近法、短縮法、比率などの要素を修正します。ファイルがオースティンの満足のいくまでレンダリングされた後、彼はPhotoshop を使用してそれらをページ形式に組み立て、モデリング プログラムでは完璧にできない、顔の表情、髪の毛、黒の塗りつぶし、衣服やシワのレンダリングなどの詳細を完成させます。アートを仕上げるには、「鉛筆」を直接ブリストル ボードに印刷し、HB トンボ鉛筆で仕上げて #2 ペン先でインクを塗るか、Photoshop で仕上げを適用します。^[34]

スコット・マクラウドも、ほぼすべての作業をタブレットで行っている。鉛筆でレイアウトをスケッチするが、残りの作業はデジタルで行われ、2006年の著書「Making Comics」では、ブリストルボード、ペン、ブラシなどの従来の素材を何年も使用していないと説明している。「かなりタイト」で完全なスクリプトを含むレイアウトをスケッチした後、18インチのタブレット/モニターにスキャンして、Adobe Illustratorでレタリングするためのガイドとして使用する。レタリングが完了したら、ファイルをPhotoshopにエクスポートし、1,200 dpiの解像度でアートを完全にレンダリングし、完成したアートのレイヤーを5〜50個作成してから、単一の白黒ビットマップにフラット化し、必要に応じてグレースケールページを追加します。 ^[35]

ほぼ完全にデジタルで作業するアーティストはフィオナ・ステープルズもいます。彼女はSagaの作業を始める数年前からこのプロセスに切り替えましたが、このシリーズのプロセスは以前のものとは異なっており、彼女はそれを「1 つの集中的で継続的な実験」と表現しています。彼女はサムネイルから始めます。これは、印刷された紙のテンプレートに大まかに描かれています。この段階ではステープルズは参照を使用しませんが、後のインクの段階で使用します。サムネイルの段階では、レイアウトとステージングについて十分に検討し、彼女の言葉によれば、これがプロセスの最も重要な部分になります。サムネイルをスキャンした後、彼女はそれを拡大して基本的な鉛筆として使用し、Manga Studioでその上に「インク」を塗り、後で Photoshop でアートに色を付けます。ステープルズがデジタルで作業する利点の 1 つは、きつい鉛筆を使わずにアドホックな方法で修正できることです。彼女は、非常に詳細に鉛筆で描いたり、そのようなアートをインクでもう一度描いたりするのは退屈だと感じています。^[36]

漫画本の原稿描きは通常、漫画本の編集者と密接に協力し、編集者は作家に脚本を依頼して原稿描きに送ります。^{[37] [38] [39]}

漫画本の脚本は様々な形式をとることができる。アラン・ムーアのような作家は、各ページの完全で精巧で長いアウトラインを作成する。他の作家は、セリフがほとんどないか全くない、主要シーンの短い概要のみからなるプロットのアウトラインをアーティストに送る。スタン・リーは後者の形式を好んだことで知られており、そのためマーベル方式として知られるようになった。^[40]

時には作家や他のアーティスト（アートディレクターなど）が、シーン構成の際、ペンシラーの助けとなる「ブレイクダウン」と呼ばれる基本レイアウトを含めることがある。ブレイクダウンが含まれていない場合、パネルの数、形状、位置など、各ページのレイアウトを決めるのはペンシラーの責任となる。これらの視覚的な詳細が脚本で示されている場合でも、ペンシラーはシーンを描く際にシーンを構成する別の方法があると感じ、編集者や作家と相談した上で脚本を無視することがある。^[41]

アグネス・セデムやアンディのように、ルーズ・ペンシリングの手法を使うアーティストもいる。この手法では、ペンシラーは鉛筆画の気まぐれさを減らすことにあまり気を配らず、ペンシラーの意図の解釈はインカーに任せる。面白いことに、彼らは1900年代に犯罪者を見つけるためにこの手法を考案した。その場合、ペンシラーは通常「ブレイクダウン」または「レイアウト」を担当し、インカーは「装飾者」または「仕上げ者」としてクレジットされる。^{[42] [43]マーベルの元編集者}グレゴリー・ライトによると、ジョン・ブシェマは著名なペンシラーで、彼のブレイクダウンにはインカーが絵を完成させるために必要な構造上の要素がすべて含まれていたという。他のペンシラーは、インクで描いた絵に見られると予想されるあらゆるニュアンスが示される詳細なページを作成することを好む。これはタイト・ペンシリングとして知られている。^[43]

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