人物画

人物デッサンとは、あらゆる描画媒体を使用して、さまざまな形や姿勢で人間の姿を描いたものです。この用語は、そのような絵を描く行為を指すこともあります。表現の程度は、非常に詳細で解剖学的に正確な描写から、大まかで表現力豊かなスケッチまでさまざまです。ライフデッサンとは、生きたモデルを観察して、伝統的に裸体の人物を描いたものです。ライフクラスでライフデッサン、またはライフスタディを作成することは、ルネッサンス以来、西洋世界の芸術家の伝統的なトレーニングの大きな要素でした。

人物画は、構成された芸術作品である場合もあれば、絵画などのより完成された作品の準備として行われる人物研究である場合もあります。 ^{[1] ：第8章}人物画は、おそらく芸術家が一般的に遭遇する最も難しい主題であり、この主題専用のコースがあります。人物は視覚芸術の中で最も永続的なテーマの1つであり、人物は肖像画、イラスト、彫刻、医療イラスト、およびその他の分野の基礎となることができます。

芸術家は、人物を描くのにさまざまなアプローチを取る。生きたモデルや写真、^[2]マネキン人形、あるいは記憶と想像から描くこともある。ほとんどの指導は、「ライフ デッサン」コースでのモデルの使用に重点が置かれている。写真の参照の使用は、写真の発達以来一般的ではあるが、被写体の動的な側面を捉えられない「平坦な」画像を生み出す傾向があるため、批判されたり、推奨されなかったりすることが多い。想像から描くことは、それが促進する表現力について賞賛されることが多いが、人物を視覚化する際の芸術家の知識不足や記憶の限界によってもたらされる不正確さについて批判されることが多い。芸術家が他の方法で経験したことは、このアプローチの有効性に大きく影響する。

イメージを発展させる際、体の表面の明暗の相互作用によって作り出される形状に注目するアーティストもいます。解剖学的なアプローチを取るアーティストもいます。まず人物の内部骨格を近似し、内臓と筋肉を重ね、それらの形状を皮膚で覆い、最後に（該当する場合は）衣服で覆います。この技法には、通常、人体の内部解剖学の研究が関係しています。別のアプローチでは、頭蓋骨には球、胴体には円筒など、幾何学的な形状から体を大まかに構築します。次に、それらの形状を改良して、人間の形状により近づけます。

視覚的な参照なしで作業する人（または作業を確認する手段）にとって、人物画で一般的に推奨される比率は次のとおりです。 ^[3]

• 平均的な人の身長は、一般的に 7 頭身半（頭を含む）です。これは、教室で紙皿を使って生徒に体の長さを視覚的に説明することで説明できます。
• 気高さや優雅さの印象を与える理想的な人物像は、8頭身で描かれます。
• 神やスーパーヒーローの描写に使われる英雄的な人物は、8 頭身半の高さです。その余分な長さは、主に胸部が大きく、脚が長いことに由来しています。

これらの比率は、立っているモデルに最も役立ちます。さまざまな体の部分を短縮するポーズでは、比率が異なります。

19 世紀のフランスのサロンでは、コンテクレヨン (ワックス、油、顔料の棒と特別に調合された紙を組み合わせたもの) の使用が推奨されていました。消しゴムで消すことは許されず、代わりに、画家は薄い線で人物を描き、その後、より濃く目立つ線を引くことが求められました。

現代では、特別な蔓から作られた木炭棒と、より粗い紙を使用する技法が人気です。木炭は紙にゆるく付着するため、簡単に消すことができますが、最終的な絵は、木炭が擦り落とされないようにスプレー式の「定着剤」を使用して保存することができます。より硬く圧縮された木炭は、より意図的で正確な効果を生み出すことができ、指でぼかすか、スタンプと呼ばれる円筒形の紙の道具でぼかすことで、段階的な色調を作り出すことができます。

人物を描くのに、グラファイト鉛筆もよく使われます。この目的のために、アーティスト用の鉛筆は、9B (非常に柔らかい) から 1B (中程度の柔らかさ)、1H (中程度の硬さ) から 9H (非常に硬い) まで、さまざまな配合で販売されています。木炭のように、消しゴムを使って消したり、加工したりできます。

インクも人気の高い媒体です。アーティストは、まず鉛筆でスケッチやアウトラインを描き、次にペンやブラシ、そして油性インクで最終的な線を描きます。インクを水で薄めてグラデーションを作ることもあります。この技法はインクウォッシュと呼ばれます。鉛筆の跡はインクを塗った後に消すことも、濃いインクで覆い隠したままにすることもできます。

鉛筆で下絵を描かずに直接インクで描くアーティストもいます。この方法では間違いを修正する余地が限られるにもかかわらず、この手法の即興性を好むアーティストもいます。マティスはこのような手法で作品を制作したことで知られています。

ヴァトーや、17 世紀、18 世紀のバロック、ロココ時代の他の芸術家が好んだ手法は、白と黒の中間の色調の下地から始めて、ペンとインク、または「クレヨン」を使用して、黒で陰影を付け、白でハイライトを加えるというものでした。

人間の姿は先史時代からデッサンの対象となってきた。古代の芸術家のアトリエでの制作方法は推測の域を出ないが、作品の解剖学的な精巧さから、彼らがヌードモデルをモデルにしてデッサンやモデル作りをしていたことが窺える。プリニウスが伝える逸話には、ゼウクシスがアグリジェントの若い女性の裸体を観察し、その中から5人を選んだ上で、理想的なイメージを描くためにその特徴を組み合わせたという記述がある。 ^[4]中世の芸術家のアトリエでヌードモデルが使われていたことは、チェンニーノ・チェンニーニの著作に暗示されており、ヴィラール・ド・オヌクールの手稿には、13世紀には実物から写生することが確立した手法であったことが確認されている。^{[4] 1580年代にボローニャに} インカミナーティ美術学校を開設したカラッチ兄弟は、デッサンを中心的な分野とすることで、後の美術学校の原型を作った。^[5]訓練コースは彫刻の模写から始まり、次に石膏像からの描画に進み、その後、学生たちは生きたモデルからの描画を訓練されました。

18 世紀後半、ジャック＝ルイ・ダヴィッドのスタジオの生徒は厳しい指導プログラムに従っていました。デッサンを習得することは絵画を描くための前提条件と考えられていました。生徒は 1 日約 6 時間、1 週間同じポーズをとったモデルからデッサンをしました。^[6]「18世紀のデッサン、たとえばジャック＝ルイ・ダヴィッドの作品は、通常、赤または黒のチョークで白のハイライトと暗い地色で着色された紙に描かれている。モデルのポーズは活発なものが多く、立っている人物は今にも動き出しそうに見え、座っている人物でさえも劇的な身振りをしている。モデルの身体を注意深く観察することは、身振りの表現よりも二次的なものであり、多くのデッサンでは、学問的理論と一致して、特定の身体や顔ではなく、代表的な人物が描かれているように見える。それに比べて、19世紀に制作されたアカデミーの作品は、通常、白紙に黒のチョークまたは木炭で描かれ、生きたモデルの身体の特殊性と特異性を細かく描写している。アーティストの手の形跡は最小限に抑えられ、横たわったり座ったりするポーズはまれだが、立っているポーズでさえ比較的静的である...」^[7] 19世紀後半までは、女性は人物画のクラスに入学することは一般に認められていなかった。^{[8] [9]}

アカデミーフィギュアとは、美術学校やアカデミーでの課題として完成された、通常は半身の大きさで裸の人間の体を丁寧に描いた絵や絵画である。 ^[10]

• 
  描画クラス、ミシェル・スワーツ、1660
• 
  若い学生の絵、ジャン シメオン シャルダン、c.  1738年
• 
  トーマス・ローランドソン、ロイヤル・アカデミーの写生画、1808年頃～1810年
• 
  エコール・デ・ボザール、19世紀後半
• 
  クリスティアン・クローグ (1852–1925)、オスロのスタテンス・クンスタカデミで授業を講義する中央に座る
• 
  エコール・デ・ボザールの解剖学教室、フランソワ・サレ、1888年
• 
  ペドロ・アメリカ、アカデミー、c. 1870年

歴史的記録によると、女性アーティストを目指す人たちがヌードモデルをほとんど利用できなかった。ヌードモデルから学ぶことは不適切で、場合によっては危険であると考えられていたため、女性は特定の施設から締め出された。^[9] 男性は男性と女性の両方のヌードを見ることができたが、女性は鋳型やモデルから解剖学を学ぶことに限られていた。1893年になってようやく、ロンドンの王立美術アカデミーで女子学生がデッサンを学ぶことが許されたが、^[11]それでもモデルは部分的にドレープを施す必要があった。^[12]

裸体像への制限は、女性芸術家のキャリアと発展を妨げた。最も権威のある絵画の形態は、解剖学の深い知識を必要とするが、それは女性には体系的に否定され、^{[12]女性は}風俗画、静物画、風景画、肖像画などのあまり評価されない絵画の形態に追いやられた。リンダ・ノックリンのエッセイ「なぜ偉大な女性芸術家がいないのか」では、女性が裸体像を描くことに制限があったことが、女性の芸術的発展に対する歴史的に重要な障壁であったと指摘している。^[12]

人物デッサン指導は、ほとんどの美術およびイラストレーションプログラムの一要素です。イタリアの美術アカデミーには、学位プログラムの一部であるscuola libera del nudo (「ヌードの自由学校」)があり、外部の学生にも開放されています。 ^[13]典型的な人物デッサン スタジオの教室では、学生は半円または完全な円でモデルの周りに座ります。2 人の学生がまったく同じ視点で見ることはありません。そのため、彼らのデッサンには、モデルに対するアーティストの固有の位置の視点が反映されます。モデルは、学生が遮るもののない視界を見つけやすいように、スタンドの上でポーズをとることがよくあります。ポーズの種類に応じて、家具や小道具が使用される場合があります。これらは通常、アーティストに見える範囲でデッサンに含まれます。ただし、背景は、環境内での人物の配置について学習することが目的である場合を除いて、無視されることがよくあります。モデルは 1 名ずつが最も一般的ですが、より高度なクラスでは複数のモデルが使用される場合があります。多くのスタジオには、さまざまな照明配置を可能にする設備が整っています。

大学レベルで指導される場合、人物画のモデルは多くの場合 (常にではありませんが)裸です(小さな宝石、小道具、その他の目立たないアイテムを除く)。 ポーズをとる間、モデルは通常、完全に静止していることが求められます。 長時間これを続けることは難しいため、より長いセッションやより難しいポーズでは、モデルが休憩したりストレッチしたりするための定期的な休憩が通常組み込まれます。

人物デッサンを始めると、モデルはしばしば、一連の短いポーズを素早く立て続けにとるように求められます。これらはジェスチャー ポーズと呼ばれ、通常それぞれ 1 ～ 3 分です。ジェスチャー ドローイングは多くのアーティストにとってウォーミング アップの練習ですが、一部のアーティストはすべての人物デッサンの最初のステップとしてジェスチャーをスケッチします。これらの大まかなストロークは、手首を軽く動かすだけでなく、腕全体を使ってモデルの動きを捉えます。また、アーティストが紙ではなくモデルに集中し続けるのにも役立ちます。人体に関しては、アーティストはひどく批判的です。静物画の比率は、本物らしく見えるように完璧に描く必要はありませんが、人間の比率のわずかな誤差でも簡単に検出されます。

現代美術家は、モデルのポーズから感じるジェスチャーや雰囲気を強調するために、比率を誇張したり歪めたりすることを選択することがあります。その結果は、主題、観察、感情、人物描写の経験に対するアーティストのマーク作成の反応の両方を表現した完成した芸術作品と見なすことができます。

解剖学は、ライフ クラスにおける関心の第一段階にすぎません。人物と地の関係や構図の他の側面も考慮されます。構図のバランスは、ライフ デッサンを通じてより重要になり、したがってより理解が深まります。ポーズに対するアーティストの運動感覚的反応と、それがアート メディアの選択を通じてどのように伝えられるかは、より高度な関心事です。人物デッサン クラスの目的は、あらゆる種類の人間の描き方を学ぶことであるため、美しいモデルや「理想的な」体型のモデルだけを選択するのではなく、通常、あらゆる年齢、体型、民族の男性と女性のモデルが求められます。一部のインストラクターは、ファッション フォトグラファーが好むタイプのモデルを避け、より「現実的な」例を求め、性的対象化の暗示を避けようとします。インストラクターは、独特の輪郭や表面のテクスチャに基づいて、特定の体型のモデルを好む場合もあります。採用されるモデルの種類は、長時間ポーズを維持する必要があること (落ち着きのない子供や虚弱な高齢者は除外)、およびモデルがヌードでポーズをとる場合の慎み深さと合法性に関する懸念 (未成年者の使用を制限) によって制限される場合があります。

• 身体比率の芸術的規範 – 形式的な具象芸術で使用される基準
• クロッキー – 生きたモデルの素早いスケッチ
• 裸体の描写 – 裸の人間の姿を視覚的に表現したもの
  • 芸術におけるヌードの歴史
  • ヌード写真（芸術）  - 裸の人間の体を撮影した芸術的な写真
• 人物画 – 人間の姿を表現した絵画のジャンル
• モデル（アート）  – ビジュアルアーティストのためにポーズをとる人

ウィキメディア・コモンズには、人物描写に関連するメディアがあります。

• ミシガン大学美術館の人物画
• J・ポール・ゲティ美術館の「クリムトとライフ・デッサン」