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『Fase, Four Movements to the Music of Steve Reich』は、ベルギーの振付家アンヌ・テレサ・ドゥ・キールスマケルによる現代舞踊の振付作品で、1982年に2人のダンサーのために、スティーヴ・ライヒの「フェーズ」音楽に合わせて創作されました。『Fase』はドゥ・キールスマケルの2作目の作品で、1980年にアメリカ滞在中に制作を開始し翌年ブリュッセルに戻った際に完成させました。完全版は1982年3月18日にブリュッセルのブルス劇場（ Beursschouwburg ）で初演されました。この作品はドゥ・キールスマケルのキャリアにおける画期的な作品[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ] [ 4 ]であり、世界の現代舞踊シーンにおける主要な振付作品とみなされています[ 5 ] [ 6 ] [ 7 ] 。
この作品は、 3 つのデュエットと 1 つのソロからなる 4 つの独立した楽章で構成されており、スティーヴ・ライヒの 4 つの作品、ピアノ フェーズ(1967 年)、ヴァイオリン フェーズ(1967 年)、カム アウト(1966 年)、クラッピング ミュージック(1972 年) に直接ちなんで名付けられており、それぞれ独立して、または組み合わせて上演することができます。デ・ケールスマケルは、長年にわたり共同制作者のミシェル・アンヌ・ドゥ・メイと共にこの作品を踊りました。1999 年、彼女はこの振付でニューヨークでベッシー賞を受賞しました。フェーズは、世界中のさまざまな文化イベントやフェスティバルの一環として 40 年近くにわたり定期的に上演され、200 回以上の公演が行われています。この作品は、デ・ケールスマケルがキャリアを通じて発展させていくダンスと音楽の密接な関係の再興を示しています。[ 1 ]また、この作品の即座の成功により、 1983 年にブリュッセルでロサス カンパニーが設立されました。
1980 年にデ・ケールスマケルが最初に手掛けた作品「アッシュ」に続き、「フェイズ」は若いフランドル人アーティストの 2 作目の振付作品となった。これは 2 つの異なる時期と場所で作曲された 4 つの楽章で構成されている。 「ヴァイオリン・フェイズ」と「カム・アウト」は、1980 年から 1981 年末までニューヨーク大学(NYU)のティッシュ芸術学部でデ・ケールスマケルが学んでいた期間の一環として、1981 年に米国で創作された。 [ 8 ] [ 9 ]一方、「ピアノ・フェイズ」と「クラッピング・ミュージック」は、1982 年 1 月にブリュッセルに戻った後に構想された。 [ 4 ]全セットのリハーサルは、ミシェル・アンヌ・デ・メイ[ n 1 ]と共に行われた。デ・ケールスマケルは、スハールベークのヤン・デコルテが率いるトロヤーンセ・パールト・カンパニーのスタジオでリハーサルを行い、創作に参加した。スティーヴ・ライヒの音楽による4つの楽章からなる「Fase」の初演は、1982年3月18日にブリュッセルのブルス劇場で行われた。この作品は、ヒューゴ・デ・グリーフの支援を受けて、その年にフランドルのさまざまな文化センターで上演された。[ 10 ]「Fase」の即座の成功とデ・ケールスマケルの国際的な評価は、1983年にロンドンのダンス・アンブレラ・フェスティバルで、そして後にパリのポンピドゥー・センターで確認された。[ 4 ] 1982年から1985年の間に、「Fase」は100回以上上演され、[ 11 ]振付家のヨーロッパでのキャリアを確固たるものにした。[ 4 ] [ 12 ]
長年にわたり、国際的なフェスティバルに招かれて公演を行ったアンヌ・テレサ・ドゥ・キールスマケルとミシェル・アンヌ・ドゥ・メイのデュオによって踊られてきた『Fase』は、ドゥ・キールスマケルがこの作品の公演を中止することを決めたため、1985年から1992年の間、公演が中断された。[ 13 ] [ 14 ]舞台から距離を置き、振付に専念した後、再び踊りたいという強い願望に駆られたドゥ・キールスマケルは、1992年から時折『Fase』を復活させ、デュエットでは別のダンサー、タレ・ドルヴェンと組んだ。[14] Faseの成功は、 1983年のRosasカンパニーの設立に大きく貢献した。この作品の重要性とカンパニーの認知度の高まりにより、1985年には、1982年に始まった国際ツアーのフィナーレで生演奏を提供したスティーヴ・ライヒとミュージシャンズのメンバーと共にFaseが上演された。 [ 3 ]
スティーヴ・ライヒは、 1982年に自身の楽曲の使用許可を与えた[ 15 ]。当時、デ・ケールスマケルはニューヨークでスティーヴ・ライヒ・アンサンブルの3人のメンバー[ 4 ]（ピアノのエドモンド・ニーマンとヌリット・ティレス、ヴァイオリンのシェム・ギボリー）[ 12 ]と活動しており、彼らは2年間、劇団と共に舞台で生演奏を行った。ライヒは、1998年にニューヨークのザ・キッチンで作品が上演されるまで『Fase』を観ることはなかった。彼はこの経験について次のように書いている。
1998年になってようやく、彼女が当時作り上げていた傑作『Fase』を発見する機会を得ました。私の作品を基にした、これほどまでに斬新な振付を見たことはありません。彼女は私の初期の作品の本質を完全に理解していました。 [ 16 ]彼はさらに、アンヌ・テレサ・ドゥ・キールスマケルの作品は「すべて音楽に類似している。感情的、心理的なレベルで、私は自分の作品について何かを学んだと感じた」とまで述べています。[ 12 ]
ライヒは翌年、リンカーン・センター・フェスティバルで自身の作品を回顧する企画の中で『Fase』を必ず含めるよう主張した。この機会に、アンヌ・テレサ・ドゥ・キールスマケルは2度目のベッシー賞を受賞した。 「数とダンスの壮大な統一理論、知的厳密さと音楽的感性の完全な開花、ロサスの20年の歴史を通して具現化された身体と精神の燃えるような欲望、そして最も象徴的にその基礎となる原子である『Fase』を称えるため」。2006年10月にブルックリン音楽アカデミーで上演された『 Fase』は、スティーブ・ライヒ70歳の誕生日を祝うニューヨーク市のイベント「スティーブ・ライヒ＠70フェスティバル」の幕開けとなった。[ 13 ]シンシア・ロエミとタレ・ドルヴェンが踊ったピアノ・フェーズのセクションは、スティーヴ・ライヒ・イブニングの創作に組み込まれ、2006年から2008年の間に世界中の多くの都市で上演された。2011年1月12日から16日にかけて、ヴァイオリン・フェーズのセクションは、 20世紀美術におけるトレースのテーマを探求したパフォーマンス・エキシビション・シリーズの一環として、ニューヨーク近代美術館でアンヌ・テレサ・ドゥ・キールスマケルによって再び上演された。[ 9 ] [ 17 ] [ 18 ]同年3月には、カイシアターが企画したレパートリー・サイクルの一環として、振付家の基礎となる4つの作品を含むフェーズ・アンサンブル全体がアンヌ・テレサ・ドゥ・キールスマケルとシンシア・ロエミによって踊られた。[ 19 ]この作品は、アヴィニョン音楽祭でのチェゼーナの初演と並行して、7月に3回上演され、今回はターレ・ドルヴェンがパートナーを務めた。[ 20 ]当時54歳だったアンヌ・テレサ・ドゥ・キールスマケルとターレ・ドルヴェンは、2014年7月にニューヨークのリンカーン・センター・フェスティバルで振付家に捧げられた一連の公演で、この作品をもう一度上演した。[ 21 ] [ 22 ]
2018 年 9 月より、パリの秋のフェスティバルの一環として上演されたロサス カンパニーのレパートリーから 11 作品を回顧する公演で[ 23 ] 、Faseは 2 組の新しいダンサー、橋本由衣佳とローラ マリア ポレッティ、またはローラ バッハマンとソア ラツィファンドリハナに引き継がれた。彼女たちはイル ド フランス各地で公演を行い、その後、カンパニーのレパートリーに加わり、現代舞踊の礎となったこの作品をフィーチャーした新たな世界ツアーに乗り出した。Fase のいくつかの動きには、主にパフォーマーの個性的な特徴により、解釈に顕著な変化が加えられた。[ 24 ] [ 25 ]これは、アンヌ テレサ ドゥ キールスマケルがFaseで踊らなかった 37 年ぶりのことであり、特に、常に彼女自身が踊っていたヴァイオリン Fase のソロでは踊らなかった。彼女は再び踊る可能性を否定しなかったものの、この作品を若い世代に引き継ぐ時が来たと述べた。[ 26 ] [ 23 ]
Faseは4つの楽章からなる作品です。[ n 2 ]
この作品は、パ・ド・ドゥの形式のデュエット3曲とソロ1曲（ヴァイオリン・フェーズ）から構成されており、それぞれ単独で、または部分的に上演できますが、全体としてまとまりのある作品となっています。上演時間は約50分です。この作品は、スティーヴ・ライヒのフェーズ音楽と密接に関連しており、デ・ケールスマケルは1980年から1982年にかけてニューヨーク大学で学んでいた際にこの音楽に出会い、以来、振付家にとって「旅の伴侶であり、拠り所」となっています。[ 5 ]伴奏音楽と同様に、フェーズの基本原理は、削ぎ落とされた、あるいは禁欲的な振付構造です[ 27 ]。円と直線の使用を交互に繰り返す、極めて厳密で数学的かつ幾何学的な構造です。振付家自身も、この作品は「ラディカル」であり、当時の身体が表現したいことを一種の「ノウハウなし」で探求したことに基づいていると認めています。[ 19 ]
Faseは、デュエット中にリズムを維持するという身体的に厳しい作業と位相シフト/再調整の論理を利用した、単純な動きの反復サイクルで構成されています。 [ n 3 ] [ 3 ]いわゆる「ミニマリスト」的な書き方を採用していますが、動きは広がりがあり進化しており、[ 28 ]中心となるモチーフの周りのバリエーションを利用し、技術的に維持するのが非常に難しいです。[ n 4 ]この作品は、2つのソースから大きなインスピレーションを得ています。1つは、デ・キールスマケルが尊敬するトリシャ・ブラウンの蓄積プロセス、もう1つは、 1960年代と1970年代にジャドソン・ダンス・シアターでニューヨークのミニマリスト・スクールと密接にコラボレーションしたルシンダ・チャイルズの作品です。[ 29 ]チャイルズは、作曲家のフィリップ・グラスと視覚芸術家のソル・ルウィットと共同で制作したことで特に有名である。グラスとルウィットはそれぞれ、チャイルズの最も重要な作品の1つである「ダンス」の楽譜と舞台美術/ビデオを制作し、この作品は1979年にブルックリン音楽アカデミーで初演された。[ 30 ]この作品、特に最初の2つの楽章は、デ・ケールスマケルがヴァイオリン・フェーズとピアノ・フェーズのセクションを作曲する際にインスピレーションを与えた。これらのセクションは、同様の様式的基盤、簡素化されたテクニック（腕と脚の投げ、反復的な動き）、およびいくつかの振付の原則（シフト、円と直線の使用）を共有している。[ 30 ]しかし、デ・ケールスマケルの提案は、これらの要素を極限まで推し進めている。特に、反復的なモチーフと位相シフトの原則においてグラスよりも理論的で過激なライヒの音楽によるものである。
レモン・フロモンとマーク・シュヴェントナーがデザインした照明は、Faseにとって不可欠な要素である。演出は、位相シフトのプロセスを強調し、際立たせている。[ 15 ]第1楽章で作り出された重なり合う影は、ダンサーが2人ではなく5人か6人いるという印象を与え、[ 31 ]ソル・ルウィットの「ダンス」における投影ビデオの使用を彷彿とさせる。さらに、シンプルでほとんど禁欲的な衣装――最初の2つの楽章では小さな渦巻き状のグレーと藤色のドレスに白い靴下と子供のようなスニーカー、そして後半ではタイトなパンツとシャツ――も、長年にわたりデ・ケールスマケルの視覚的アイデンティティの象徴的な要素となった。[ 1 ]
1982年にブリュッセルに戻った際に書かれたこの作品は、おそらく最も有名で、独立して上演されることも多い部分です。また、ダンサーの姿を増幅させる影の戯れによって視覚的に最も印象的な部分であり、最もスペクタクルな部分の一つとも考えられています。この最初の部分で、デ・ケールスマケルは反復的なダンスの基礎を紹介し、 1967年に作曲されたスティーヴ・ライヒの有名なピアノ・フェイズに内在する位相/位相解除のプロセスを明らかにします。白い背景に個々の影と重なり合う影を作り出す4つの側面スポットライトによって力強く照らされた2人のダンサーは、約15分間、腕と体の振り子運動を、突然の力強い半回転と組み合わせ、宙に浮いたままの尖った足で立ち上がってから再び同じシーケンスを繰り返すという動作を繰り返します。[ 11 ]音楽とその位相シフトの原理に従って、ダンサーの一人が動きを12分の1位相だけ加速させ、それによってパートナーに対して自分のシーケンスを位相が反対になるまでシフトさせ、数分後に完全な位相の再調整を行います。[ 11 ] 2人のダンサーは同じ平面上に並んでいますが、徐々に、そして気づかれないうちに舞台前方に向かって移動し、斜めのシフト（最初の平面に垂直で観客に面した平面への2回の遷移を含む）を作り出します。彼らはこの新しい平面でシーケンスを続け、音楽作品の最後に最初の平面に戻り、作品の冒頭から再び同期を見つけます。[ 32 ]
これはアンサンブルのソロで、今回は上から照明された回転する円の中で、1967年にスティーヴ・ライヒが作曲した「ヴァイオリン・フェーズ」に合わせてアンヌ・テレサ・ドゥ・キールスマケルが踊ります。約18分間続くこのパートは、振付家が最初に書いたもので、1981年4月にニューヨーク州立大学パーチェス校の「初期フェスティバル」で上演されました。[ 8 ] [ 18 ]これは、ルシンダ・チャイルズの「ダンス」（1979年）の第2楽章に直接インスピレーションを得ています。アンヌ・テレサ・ドゥ・キールスマケルは、 「ピアノ・フェーズ」と同様のピルエットのモチーフも使用し、ダンサーが動く想像上の円のさまざまな基本点を厳密に結び付け、遠心パターンと求心パターンを交互に繰り返します。純粋で純粋な身振りや身体の動きだけが披露され、ダンサーの足先で床に架空の8分割のロゼットが描かれる。これは、ティエリー・ドゥ・メイの2002年のビデオでアンヌ・テレサ・ドゥ・キールスマケルが砂に描いた絵や、 2011年にニューヨーク近代美術館で行われたパフォーマンスで明確に表現されている。このパフォーマンスでは、「20世紀の線」というテーマを中心に、教育的な目的でこの設定が舞台上で再現された。[ 9 ] [ 18 ]動きは、作品の約3分の2のところで音楽的かつ振付的なクライマックスを迎え、ダンサーは動かない左足でバランスを取りながら、円の中心で右足で3回スイングする動きを行う。その後、彼女はこの動きを4つの主要な点でより短く繰り返す。[ 8 ]渦巻く軽いドレスによって強調された人物とダンサーの回転は、スーフィーの旋回舞踊サマの精神的かつ肉体的な周回と、村の舞踏会でドレスをくるくる回す少女たちの遊び心あふれる子供時代の踊りの両方を参照している。[ 8 ] [ 18 ] [ 22 ]この部分のいくつかの動きは、振付家の後の作品における典型的なモチーフや特徴となり、例えば、彼女が「絶対的な動き」 [ n 5 ]と考えている螺旋の使用などがあり、学者フィリップ・ギスガンはこれを「デ・ケールスマケルの主要な空間的執着」と表現している。[ 3 ]デ・ケールスマケル自身も、2002年に自身の全作品について述べた際にこの考えを裏付けている。
バイオリンフェーズは、その後に続くすべての要素を含む核となる部分である。[ 33 ]
この動きにおいて、アンヌ・テレサ・ドゥ・キールスマケルは、音楽はダンスの単なる伴奏ではあり得ないことを示している。彼女にとって、この作品は音楽作曲の本質的な側面に取り組み、空間、時間、あるいはジェスチャーそのものの使用を通して、それを彼女の振付文法の基礎とすることを含んでいる。したがって、ロンド形式で構成されたヴァイオリン・フェーズの楽譜は、文字通りの転置によって、振付構成における円の使用を暗示している。[ 3 ]
約 11 分間続くこの動きは、アンヌ・テレサ・ドゥ・キールスマケルの同級生であるジェニファー・エバーハードと共に創作され、1981 年 10 月にニューヨーク大学ティッシュ芸術学部で初めて独立して上演されました。吊り下げられた 2 つのランプの下で、灰色のパンツ、明るい色のシャツ、ブーツを身に着けたダンサーたちは、スツールに座ったままです。彼らは、立ち上がることなく、非常にぎこちなく混沌とした方法で、7 つの異なる腕と胴体の動きを繰り返します[ 34 ] 。徐々に、彼らは、1966 年に作曲されたスティーヴ・ライヒの 2 作目の作品であるCome Outの録音されたフレーズ「Come out to show them」のリズムに合わせます[ 32 ]。この部分は、公民権を主張するアフリカ系アメリカ人コミュニティによる暴動に対応して作られたライヒの作品を取り巻く歴史的背景をかなり比喩的に表現しています。特に、ダンサーたちの動きは冒頭のフレーズ「痣を開いて、痣の血を少し出して見せなければならなかった」を模倣している。[ n 6 ]このシークエンスは2つの裸ランプの強い光の下で行われ、残忍な警察の尋問の雰囲気を醸し出している。[ 15 ]
この動きは後に、アンヌ・テレサ・ドゥ・キールスマケルが1983年に振り付けた作品『ローザス・ダンスト・ローザス』の第2楽章の基礎となるものとなった。
1982年にブリュッセルに戻った際に書かれたこの最後の楽章では、ダンサーが舞台奥右から舞台手前左へ斜めに移動し、「カム・アウト」で使用された2つのランプの下を垂直に通過して動きを終えます。振り付けは、足の単純な同期/非同期の動きに基づいており、ドゥミ・ポワントから床に平らな足へと移行し、緊張下での突然の膝の屈曲と、反対方向の半曲げの腕の動きが組み合わされています。[ 3 ]このシーケンスは4～5分間続き、2人が生で演奏する「クラッピング・ミュージック」 （1972）の12の拍手の動きの段階に従います。
アンヌ・テレサ・ドゥ・キールスマケルの作品の多くは以前にも映像化されていたが[ n 7 ] 、フェイズの完全な映像作品（1983年にエリック・パウエルズが制作した12分の短編映画はヴァイオリン・フェイズの部分しか捉えていなかった[ 35 ] ）は、ロサス・カンパニーの創設20周年を記念して2002年まで制作されなかった。ティエリー・ドゥ・メイがデザインしたこのバージョンは、舞台公演に取って代わるものではなく、舞台公演とは異なるアプローチで作品に取り組んでいる[ 36 ] 。撮影は様々な場所で行われた。ピアノ・フェイズはフォレストにあるロサス・カンパニーのリハーサルスタジオ、カム・アウトはアンデルレヒトのコカ・コーラビル、ヴァイオリン・フェイズはテルビューレン植物園、クラッピング・ミュージックはアントワープのフェリックス・パクハウスで行われた。この映像は、特にヴァイオリン・フェイズにおいて、振付家の作品の幾何学的要素を明確に強調している。この目的のために、このセクションは白い砂で覆われた円形の高台で屋外で撮影されました。[ 37 ]アンヌ・テレサ・ドゥ・キールスマケルは踊りながら、足の指先で線を描き、地面に振り付けが展開される円を視覚化し、それを4つ、次に8つの等しい部分に分割し、線に沿って徐々に波打ちや鋸歯を作り、バラ（または蓮の花）を形成します。これは彼女のカンパニーの名前への象徴的な言及です。ダンサーの繰り返される軌跡は、これらのパターンを徐々に消し、描き直し、ライヒの構成と同期して時間と空間を操作します。[ 38 ] [ 9 ]
過去 40 年間で、Fase は世界中で 200 回以上上演され[ n 8 ] [ 11 ] 、現代ダンスで最も頻繁に踊られる作品の 1 つとなり、50 年にわたって一貫して賞賛される、国際的に優れた批評的成功を収めています。[ 24 ] [ 25 ] 1981 年にパーチェスで行われたFaseの部分版の初演に立ち会った NYU のダンス講師は、「どこからともなく現れた新しいタイプの振付家の啓示」を目撃した「驚いた観客」について述べています。[ 8 ] 1982 年から 1985 年にかけて、この作品はさまざまなヨーロッパの機関で高く評価され、この期間に 100 回以上の公演が予定され[ 11 ] 、批評家から特に好評を博し[ n 9 ] [ 4 ]、デ・ケールスマケルに即座に名声をもたらしました。[ 12 ]さらに、1999年にニューヨークで再演された際には、初演から約20年後に同じ会場でベッシー賞を受賞しました。フィリップ・ギスガンは、この作品が振付におけるマイルストーンとしての重要性と、デ・ケールスマケルの独自の振付文法への影響を強調し、その影響は振付家の身近な世界を超えていると主張しています。
[ Fase ]は独自の空間を作り出し、それがベルギーの振付界全体を再編成することになった。[ 3 ]
2011年、Fase現代ダンス史における の位置づけは、ニューヨーク近代美術館でのヴァイオリン・フェーズ運動のプログラム化、そして翌年のロンドンのテート・モダンでの公演によってさらに強調された。 [ 21 ]この際、一部の批評家は、特にこの作品に関して、ダンスが近代および現代美術館に参入する可能性について疑問を呈した。[ 18 ]さらに、フェーズは、2011年のアヴィニョン演劇祭で、その年のハイライトの 1 つとして認められた。この年は、指定されたアソシエイト・アーティストであるボリス・シャルマッツの芸術監督の下、現代ダンスが特に注目を集めた年であった。[ 39 ]
しかし、様々な振付の動きが極めて反復的であるため、微妙な変化、繰り返し、バリエーションに依存していることから、観客の中にはこれらの作品を「苛立たしい」と感じる人もいるかもしれないことに注意する必要がある。忍耐と「高い注意力」が要求されるため、「退屈」を引き起こす可能性もある。[ 40 ]ギスガンにとって、この作品は「連続する啓示を通して時間の引き延ばしを受け入れること」を必要とし、[ 41 ]観客が「同じものしか見えないなら、そこに留まる意味はない。徐々に現れてますます明らかになる微妙な効果を理解するためには、手放さなければならない。」[ 42 ]
。その [ヴァイオリン フェーズ] の率直な壮大さは、彼女が四半世紀前にどのように、そしてなぜ国際的な名声を得たのかを示している。
