アーリーン・シェシェット

アーリーン・シェシェット
アーリーン・シェシェット
	キングストンのスタジオにいるアーリーン・シェシェット
生まれる	1951; ニューヨーク市、米国
教育	ロードアイランド・スクール・オブ・デザイン; ニューヨーク大学;
知られている	彫刻、インスタレーション、パブリックアート、紙細工
配偶者	マーク・エプスタイン
受賞歴	グッゲンハイムフェローシップ、アノニマス・ワズ・ア・ウーマン賞、ジョーン・ミッチェル財団、アメリカ芸術文学アカデミー、全米デザインアカデミー
Webサイト	アーリーン・シェシェット

アーリーン・シェシェット（1951年生まれ）は、独創的で重力に逆らう配置と多様な素材の実験的な使用で知られるアメリカの彫刻家です。^[1]^[2]^[3]批評家は、彼女の作品を技術的かつ直感的、ハイブリッドかつ多形的であり、表面、仕上げ、スタイル、参照を自由に混ぜ合わせて視覚的なパラドックスを生み出していると評しています。^[4]^[5]^[6]彼女の抽象的かつ具象的な形態は、しばしば身体的経験や人間の状態のメタファーとして機能し、ユーモアと哀愁を伴って不完全さと不確実性に触れています。^[7]^[8]^[9] ニューヨークタイムズの批評家ホランド・コッターは、彼女のキャリアは「多かれ少なかれ伝統的な陶器の壺と、アメーバ状、腸状、とげとげ、性的、歴史的参照、そしてしばしば素晴らしく独創的な台座に展示された、非常に実験的な抽象形態の両方を網羅しています。これは過去20年間で最も想像力豊かなアメリカの彫刻の一部です。」と書いています。^[10]

シェシェットの作品は、ポンピドゥー・センター^[11] 、メトロポリタン美術館^[12]、ナショナル・ギャラリー^[13]、ロサンゼルス・カウンティ美術館^[14]などの公共コレクションに所蔵されている。彼女はホイットニー美術館[15] 、ボストン現代美術館^[16] 、^[16]フリック・コレクション^[17]、ストームキング・アートセンター^[18]、ウォーカー・アート・センターなどの会場で展示を行ってきた。 ^{[19]彼女は2023年に}アメリカ芸術文学アカデミーの終身会員に選ばれ、 2004年にはグッゲンハイム・フェローシップを受賞した。 ^[20]^[21]

彼女はニューヨーク市とその近郊のハドソン渓谷に住み、働いている。^[22]

幼少期とキャリア

シェシェットは1951年にニューヨーク市で生まれた。^[22]ニューヨーク大学で学士号を取得し、 1978年にロードアイランド・スクール・オブ・デザイン（RISD）で美術学修士号を取得した^。[22]卒業後は1978年から1985年までRISDで、1984年から1995年までパーソンズ・スクール・オブ・デザインで教鞭を執った。 ^[18]^[23] 1990年代、彼女の彫刻は土盛りのような石膏と塗料の形を中心にしており、その形は座った仏像を彷彿とさせるものだった。^[24]^[10]その頃、1995年にニューヨークのディウ・ドネ製紙工場から助成金を得たことをきっかけに、シェシェットは粘土や中国の磁器を模した鋳造紙の制作を始めた。^[25]^[26]^[27] 2000年代初頭、彼女は両方の作品を基にして仏教の図像や変化、成長、悟りといったテーマを探求した彫刻やインスタレーションで批評家の注目を集め始めました。^[28]^[29]^[30]^[31]^[32]

シェチェットが認知されるようになったのは、2000年代後半に粘土を主な媒体として使い始め、鍋の取っ手、手足、鼻、ランプ、抽象的なダンサーを暗示する形状の釉薬をかけた容器彫刻を制作し始めたときだった。^[33]^[34]^[8] 2007年のレビューで、ニューヨークタイムズの批評家ロバータスミスは、これらの作品は「参照に満ちているが、ほとんど負債がなく、芸術と宗教、東と西の間、絵画と彫刻から工芸と儀式の間を楽々と行き来している」と書いている。^{[33]その後、}タン美術館（2009年）とデンバー現代美術館（2009年）での個展、 ^[35]^[36]、その後ウェザースプーン美術館（2013年）とボストン現代美術館（2015年、20年間の回顧展）など、美術館での展覧会が続いた。^[22]^[16]

仕事と受付

批評家たちは、シェシェットの後期の彫刻を、そのコントラスト、形態、様式、プロセスのパラドックス、そして予測できない色調と質感の範囲で区別している。^[16]^[8]^[24] ボストン・グローブ紙のセバスチャン・スミーは、「これらの色と質感、秩序と無秩序、腐敗と開花した新鮮さの両方の示唆の間の調和と緊張の中で、これらの作品は咳をし、はね、歌う…シェシェットは、この人生が、奇妙で夢のようなペースの変化、不合理で非対称で究極的には不可知であることを特徴とする、はかない記念碑的なものであることを知っている。」と書いている。^[16]注目すべきは、即興、偶然、規則破りを受け入れるシェシェットのオープンエンドで直感的な方法と、革新的な釉薬を使った製作、彫刻、粘土焼成の実験を含む、その根底にある技術的なスキルと厳格さとの間のコントラストである。^[5]^[37]^[38]^[39]

個展「The Sound of It」（ジャック・シェインマン・ギャラリー、2010年）と「Slip」（シッケマ・ジェンキンス＆カンパニー、2013年）で、シェシェットは、鋳造コンクリート、窯のレンガ、塗装した堅木などの素材でできた台の上に、不格好で生物学的な陶器の形を展示した。[ ^40]^[6]^[16] 2つの要素は、物理的にも形式的にも切り離せない全体として機能し、台座は多くの場合、個々の作品の中で最もコメントされた要素の一部を構成しました。^[40]^[8]形式と機能の境界を同様に覆す形で、最初のショーでは、実用的なものではないボウル、水差し、ガラスケースのクラスターと、粘土の焼成プロセスを逆転させたものが含まれていました。このプロセスでは、自由な形は元の釉薬をかけていない状態のままで、窯のレンガの台座に細かく色鮮やかな注意が払われました。^[41]^[40] ニューヨーカー誌の評論家ピーター・シェルダールはこの作品を「親密で力強い」と評し、「この展覧会は、燃えるようなエネルギーと第二の天性の熟練を備えたアーティストのスタジオでのひらめきを私たちに見せてくれる」と付け加えた。^[42]

どちらの展覧会も、シェチェットの作品のもうひとつのパラドックス、つまり本質的に固く固定された彫刻に対する動きの中心性を示した。^[39]^[24]^[43]彼女の作品は、物理学に忠実でありながらもそれに反し、ブルックリン・レール紙が「弁証法的バランス」と呼んだ、動きのない動きから形式的かつ比喩的な緊張を生み出し、成長、変容、崩壊寸前をさまざまに示唆している（例えば、Because of the Wind、2010年）。^[40]批評家が指摘した関連する側面は、彼女の作品が非対称性、意外な形、非常に多様な表面のために、異なる角度から見ると、一見変形したり「複数のアイデンティティを与える」 ^{[24]能力があることである。}^[6]^[5]

動きとバランスは不安定さと偶然性を感じさせ、シェチェットの彫刻の2つの重要な側面、ユーモアと哀愁を伝えている。^[40]ユーモアはまた、彼女の即興的な生物形態からも生まれており、作家たちはそれを荒削りで、同時に不器用でありながら自立していて、予期せぬ開口部、奇妙な付属物、突起物や露出物、ずれた手足や成長物を抱えている点で滑稽だと表現している。^[3]^[6]^[40]彫刻「No Noise」（2013年）はこれらの特質を象徴しており、鼻のような突起を持つ大きな孔のある珊瑚の生物形態を示唆しており、まるでバナナの皮で滑ったかのようにひっくり返っている。ロバータ・スミスはそれを「激しく揺れる湯たんぽ」に例えた。^[6]^[43]

キュレータープロジェクト

シェヘットの作品は広範囲に渡って参照的であり、しばしば美術史やより広い文化の内外に、また作品が位置する空間との関係において自らを位置づけている。^[2]^[10]^[6]^[44] 2014年、彼女は美術館のコレクションにある歴史的作品と自身の彫刻を組み合わせた、遊び心のある破壊的な展覧会シリーズの企画を始めた。^[45]^[46]^[47]^[48]「マイセン・リキャスト」（RISD美術館、2014年）と「磁器、単純な問題ではない」（フリック・コレクション、2016年）の展覧会は、2012年から2013年にかけてドイツの有名なマイセン磁器工場で2年間滞在制作した経験から生まれたものであり、特に彼女はフリックで詳細な展示を行った最初の存命のアーティストであった。^[41]^[17]^[49]どちらの展覧会でも、彼女は高級食器や人形を工業製品として強調し、自身の新しいハイブリッド彫刻と非常に型破りな配置で並置した。^[7]^[45]^[17]フリック美術館でのペアリングの1つは、1730年の蓮に触発された磁器のボウルが、シェシェがボウルの型の外側から鋳造した粗い物体の上に浮かんでいるように見えるものだった。他の作品は、比喩的な断片やさまざまな製造副産物を不敬にサンプリングして作られた。^[49]^[46]彼女のハイロー、アート機能の階層構造の転覆は、美術館の展示慣習にまで及び、工場の型を切り取ったり、反映させたりした特注の壁、サイドボード、突き出た棚、型破りな素材や表面が使用された。^[45]^[7]ニューヨーカー誌のアンドレア・スコットは、フリック美術館の展覧会を「敬意と過激さの間のバランスを取る行為」と評した。^[49]

シェシェットは「Disrupt the View: Arlene Shechet at the Harvard Art Museums」（2021年）でこのアプローチを再考し、ドイツ、日本、中国の歴史的な磁器やその他のオブジェとともに最近の作品を紹介した。^[48]美術館全体の展覧会「From Here On Now」（フィリップス・コレクション、2017年）では、彼女は自身の彫刻と、美術館のコレクションにあるゴッホ、モンドリアン、ジョーン・ミッチェル、モリス・ルイス、ウォーカー・エバンスなどの絵画を組み合わせ、ある彫刻では、向かい合った暖炉の開口部のネガを反映するように台座を鋳造した。^[50] ワシントン・ポストの評論家マーク・ジェンキンスは、この展覧会について「現代アーティストと彼女の先駆者とのつながりのほとんどは興味深く絡み合っている。インスピレーションが単純な問題ではないということは、この多面的な展覧会の教訓の1つだ」と述べた。^{[50]シェシェットは、}ドローイング・センターとペース・ギャラリーでも展覧会をキュレーションした。 ^[51]^[52]

その後の展覧会

マンハッタンのマディソン・スクエア・パークに設置されたシェシェットのインスタレーションは、多様な素材（磁器、鋳鉄、木材）、特注の台座、公園の設定や座席（例えば、彫刻された「スカート・シート」）への変更や追加において、典型的なパブリック・アートの慣習を打ち破った。^[53]^[54]展覧会のタイトル「Full Steam Ahead」は、公園の一端に記念碑を建てたデビッド・ファラガット提督の有名な言葉を参照したものである。 ^[54]ファラガットの像は、芸術と社会の両方で歴史的に蔓延していた男性優位の象徴であると見る者もおり、やや物議を醸したが、シェシェットは公園当局と交渉して、像の前の水を空にし、事実上、像の力を奪った。^[53]彼女が作った12体の人間サイズの彫刻は、多様な性格や生き物、そして公共の彫刻としては珍しい家族のような親密さを示唆している。その中には、重さ1トンを超える磁器の「低く垂れ下がる雲（ライオン）」や、桜の木から彫られたずんぐりとした自信に満ちた女性像「フォワード」などがある。 ^[54]^[53]シェシェットは展覧会中に一連のイベントも企画し、女優フィオナ・ショーが T・S・エリオットの「荒地」を、ダイアン・ウィーストがシェシェットがデザインした彫刻的な衣装を着てサミュエル・ベケットの「幸福な日々」の一部を演じるというイベントも行った。^[55]

その後の展覧会でも、シェシェットは彫刻、建築、装飾の伝統を分析し、素材と形態の新たな対話を展開し続けた。^[56] ロサンゼルス・タイムズの評論家リア・オルマン氏は、2019年にロサンゼルスのヴィールメッターで行われた彼女の展覧会を「惜しみない賛辞と幅広い関連性」と評し、陶芸家のピーター・ヴォルコスやケン・プライス、コンスタンティン・ブランクーシ、クレス・オルデンバーグ、ブルータリズム建築に言及した。^[2]展覧会「スカート」（ペイス、2020年）では、動詞、彫刻用語、女性蔑視の表現としても機能する展覧会のタイトルを通じて、ジェンダー格差に間接的に言及した。^[57]^[44]ブルックリン・レール紙のレビューでは、色彩、表面、形態における絵画と彫刻の統合を、画家のジョアン・ミロとパブロ・ピカソに例えた。素材には、嵐で倒れた木の幹の節に真鍮を詰めたもの、釉薬をかけた陶器の塊、鋳鉄や鋼などが含まれていた（例：The Crown Jewel、2020年）。^[44]^[56]展覧会「Best Picture」（Vielmetter、2022年）では、ハリウッドの著名人を大まかに示唆する活気に満ちた人間サイズの彫刻が紹介された。また、彼女は重い彫刻に柔らかな対比を与える2つの大きな混合素材のタペストリーという新しい形式も導入した。^[9]^[58]フリーズマスターズ（2023年、ロンドン）では、インスピレーションの源となった中世の装飾写本とともに、鮮やかな色と豊かな質感の彫刻と鋳造紙の容器11点を展示した。^[59]^[60]^[61]

2024年、ストームキングアートセンターはシェシェットの展覧会「ガールグループ」を開催した。この展覧会には、鋼鉄とアルミニウムで溶接された6つの巨大な屋外作品と、屋外作品の元となった胴体サイズの陶器の屋内彫刻が含まれていた。^[62]^[63]^[64]この展覧会のタイトルは、作品の合唱を想起させ、女性ロックバンドを参照し、公共彫刻と会場における男性ミニマリストアーティストの歴史的優位性についてコメントしていた。^[18]^[65]シェシェットは、これまでで最大規模（高さ28フィート、長さ30フィート）で作業し、風に舞う布地を思わせる数十の複雑に溶接された形状、鮮やかな手作業で混ぜられた色合い、マット、光沢、そして時には自然なアルミニウムの表面を並置した素材と仕上げの融合を組み合わせた個々の作品を制作した。^[63]^[65]^[1]^[64] ニューヨークタイムズの評論家ナンシー・ハスは、展覧会の作品は「急降下する曲線、予想外の開口部やスリット、直角、トンネル、円錐、盾のような広がりなど、共通の言語を持っているが、それぞれが独自の個性を持ち、一種の神話上の生き物の宇宙を作り出している」と書いている。^[18]

認識

シェシェットは、ジョン・S・グッゲンハイム・フェローシップ（2004年）^[21] 、アノニマス・ワズ・ア・ウーマン（2010年）、アメリカ芸術文学アカデミー（2011年）、カレッジアート協会（2016年）からの賞^[66]^[67]^{[68] 、}全米芸術基金、ニューヨーク芸術財団、ディウ・ドネ・ペーパーミル、ジョーン・ミッチェル財団、VIAアートファンドなどから助成金を受けています。 ^[22]^[27]^[69]^{[70]彼女は2016年に}全米デザインアカデミーに、2023年にアメリカ芸術文学アカデミーに入会しました。 ^[71]^[20]

公共コレクション

シェチェットの作品は、以下の機関などの公的コレクションに所蔵されています。

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外部リンク

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アーリーン・シェシェット、ペースギャラリー
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