レノア・タウニー

レノア・タウニー
レノア・タウニー、1959年
生まれる	レオノーラ・アグネス・ギャラガー ( 1907-05-10 )1907年5月10日 オハイオ州ロレイン
死亡	2007年9月24日(2007-09-24)（享年100歳） ニューヨーク、ニューヨーク
国籍	アメリカ人
知られている	ファイバーアート、コラージュ、アサンブラージュ、ドローイング
動き	ミニマリズム
配偶者	ジョージ・タウニー ​ ​ （ 1941年生まれ 、1943年死去）
Webサイト	lenoretawney.org より

レノア・トーニー（本名：レオノーラ・アグネス・ギャラガー、1907年5月10日 - 2007年9月24日）は、ファイバーアート、コラージュ、アサンブラージュ、ドローイングを手がけるアメリカの芸術家である。^{[1] [2] [3]}彼女は、それまで互いに排他的であった2つのコミュニティである工芸プロセスを美術の地位にまで引き上げた画期的な芸術家であると考えられている。^{[4] [5]}トーニーは、オハイオ州クリーブランド近郊のロレインでアイルランド系アメリカ人の家庭に生まれ育ち、後にシカゴに移ってキャリアをスタートさせた。^[2] 1940年代から50年代にかけて、彼女はいくつかの異なる機関で美術を学び^{[1] [3]}、織り手としての技術を完璧にした。^[2] 1957年に彼女はニューヨークに移り^{[1] [3] [2]}、1960年代まで非常に成功したキャリアを維持した。^{[3] [6]} 1970年代にタウニーはますます精神性に焦点を当てるようになりましたが、^[3]死ぬまで作品を作り続けました。^[6]

タウニーは、アイルランド人の母サラ・ジェニングスとアイルランド系アメリカ人の父ウィリアム・ギャラガーの5人兄弟の1人としてオハイオ州ロレインで生まれた。 ^{[2] [7]} 1927年、彼女は20歳で家を出てシカゴに移り、そこで裁判所の意見書を出版する出版社の校正者として働いた。^[2]彼女は懸命に働き、最終的には部門長になった。^{[3]タウニーは}シカゴ美術館付属美術大学（現在のシカゴ美術館付属美術大学）で夜間コースを受講しながら、15年間シカゴで働いた。^{[8] [2] [6]}

シカゴに住んでいた頃、彼女は友人を通じて若い心理学者のジョージ・タウニーと知り合った^。 [ ^{7] [2]} 1941年に二人は結婚したが、18ヵ月後にジョージは急逝した。^{[2] [7]}彼の早すぎる死は、彼女に経済的な制約なしに創作活動を続ける手段を与えた。^[3]彼の死後、彼女は彼の家族の近くに住むためにイリノイ州アーバナに移り、1943年から1945年までイリノイ大学に入学して芸術療法を学んだ。^{[9] [10]タウニーが}ドイツの バウハウス派の教義と前衛芸術に触れたのは、1946年にモホイ＝ナジ・ラースローのシカゴデザイン研究所に通ったときだった。^{[9] [11] [7]}そこで彼女はキュビズムの彫刻家アレクサンダー・アーキペンコや抽象表現主義の画家エマーソン・ウォルファーなどに師事し、1949年にはバウハウス卒業生のマーリ・アーマンに織物を学びました。^{[12] [13] [11] [7]}アレクサンダー・アーキペンコに師事している間、彼女は1947年の夏にニューヨーク州ウッドストックにある彼のスタジオで働き、勉強するよう招かれました。^{[3] [2] [9]}そこで彼女は粘土で抽象的で具象的な形を創り出しました。しかし、タウニーはその仕事に全身全霊で取り組み疲れ果てていることに気づき、芸術家としての仕事に完全に専念する準備ができていませんでした。彼女はシカゴに戻り、この時期の作品のほとんどを破棄しました。^[2]これらは模倣的で、自分の芸術的ビジョンに忠実ではないと感じたのです。^[3]

シカゴ・インスティテュート・オブ・デザインやそれ以前の研究で、タウニーは彫刻とデッサンに重点を置いていた。^[9] 1948年、41歳になったタウニーは最初の織機を購入し、織り方を学び始めた。^{[6] [2]} 1949年から1951年まで、タウニーはパリに住み、北アフリカとヨーロッパを広範囲に旅した。^{[11] [2]}彼女は米国に戻り、1954年にノースカロライナ州のペンランド工芸学校でフィンランドの織工マルタ・タイパレに師事した。^{[1] [10] [14] [9] [7] [15]}その後すぐに、彼女は織りにおいて新しい繊維技術やカラーパレットを試し、独自のデザインを作り始めた。^{[10] [2] [11] [3]} 1955年、彼女は平織り、織り込まれたデザイン、そして視覚的な要素としてネガティブスペースを利用した大きな未織りの経糸を特徴とする彼女の特徴的なオープンワープ織物を作り始めました。 ^[2] 1年後、彼女の作品はニューヨークの現代工芸博物館（現在の美術館）で開催された展示会「変化する世界における職人技」の一部となりました。これは彼女が他の現代繊維芸術の先見者と一緒に重要な国立機関でのショーに参加した初めてのことでした。^[3]

タウニーは型破りな織り方をしていたため、工芸界と美術界の両方から拒絶されたが、その独特のスタイルは多くの熱心なファンを惹きつけた。^[7] 1955年以降、タウニーの作品はより広く知られるようになり、その結果、より広く批判され、議論されるようになった。^[15] 1957年、友人のマーゴ・ホフは、雑誌「クラフト・ホライズンズ」に「レノア・タウニー：縦糸が彼女のキャンバス」と題する記事を寄稿し、彼女の作品に対する最初の批評的評価を行った。 ^{[2] [3] [15]}この記事でタウニーは、画家たちは彼女の作品を好むが、織り手たちはそれを拒絶する傾向があると振り返っている。^[15]タウニーのオープンワープ織りは物議を醸し、織りの長年の歴史的伝統と技術を混乱させた。^{[15] [2]}彼女の混乱は、繊維界における変化の時代の始まりを意味した。^[2]

1957年11月、タウニーは現代アートの中心地であるニューヨーク市に移り住み、作品とキャリアへの献身を示した。^{[1] [2] [3]彼女はコエンティーズ・スリップに定住したが、そこには}エルズワース・ケリー、ロバート・インディアナ、アグネス・マーティン、ジャック・ヤンガーマンといった著名な現代アーティストのコロニーが確立されていた。^{[1] [2] [3] [7] [14]タウニーは}アグネス・マーティンと親しい友人関係を築き、芸術的な関係を築いた。^{[2]マーティンはタウニーの}スタテンアイランド美術館での初個展のエッセイを書いた。^[7] 8ヵ月後、タウニーは増え続ける織物作品を収容するため、かつて帆職人のロフトだった建物の3フロアを借り始めた。そのロフトの最上階には高い天井があり、^{[2] [3]}

1961年、タウニーの初の個展がスタテンアイランド美術館で開かれ、1955年以来制作した織物40点が展示された^{[1] [2]} 。この展覧会は、タウニーの新しいオープンワープハンギングの初公開となった。^{[1] 1961年、タウニーは繊維アーティストのリリ・ブルメナウ[3] [2]}のもとでペルーのガーゼ織りの技法を学び、より変化に富んだ織り物を作るために織機用の「オープンリード」を開発した。^[3]オープンリードは、タウニーの新しい構想に合わせて、経糸を緩め、手で簡単に操作できるようにした。^{[1] [9]}初期のタペストリーは、ペルーのガーゼ織りの技法と色とりどりの糸を象嵌し、空間に浮かんでいるように見える絵画的な効果を生み出すなど、伝統と実験を組み合わせたものだった。同じ時期に、タウニーは有名な「Woven Forms」シリーズの制作を開始した。 「Woven Forms」は壁から離れた場所に展示され、ネガティブスペースを取り入れた巨大な吊り下げ式織物であった。 ^[1]これらのトーテムのような彫刻的な織物は、伝統的なタペストリーの長方形の形式を放棄し、時には羽や貝殻などの見つけた物も含まれていた。^[16]このシリーズの制作中、タウニーの色彩パレットは黒、白、中間色に移行した。^{[2] [3]}「Woven Forms」シリーズの作品は次第に大きくなり、最も高いものは高さ27フィートに達した。^{[6] [ 3] [9]} 2年後の1963年、現代工芸博物館（現在の美術館）で開催された「Woven Forms」展は、彼女の同名のシリーズを中心に構成されていた。^{[1] [9] [11] [2]}これは、繊維分野で行われているさまざまな新しい実験を展示した最初の大規模な展覧会であり、43点のうち22点がタウニーの作品であった。^{[2] [3]}

1964年から1965年にかけて、このアーティストはドローイング、コラージュ、アサンブラージュの作品を作り始めた。1964年の夏、ニュージャージー州のラベル工場を訪れた際に、タウニーはジャカード織機を目にした。^[2]彼女は織機の上の糸がどのように動くかに興味を持ち、この経験から方眼紙にインクで描いた一連の絵を思いついた。^{[3] [9]}この8点のシリーズは後に、空間に糸として描かれた線を3次元的に研究した1990年代のシリーズ「空中の絵」のインスピレーションとなった。タウニーはプレキシガラスと木枠を使って空間に糸を吊るす。「空中の絵」シリーズでは、穴の開いたプレキシガラスの箱を使って、糸で幾何学的な「絵」を描いた。^[11]糸は、1964年に初めて彼女の目に留まったジャカード織機の縦糸の結び目を元にしたものである。^[11]

1965年、タウニーはコラージュとアサンブラージュの作品を作り始めた。^{[9] [11]}タウニーのコラージュは、ポストカード、本、立体的な引き出しケース、完全に組み立てられた椅子など多岐にわたる。また、織物にコラージュを施す実験も行った。^[2]彼女のアサンブラージュにはコラージュが含まれることが多いため、コラージュとアサンブラージュの作品には重複する部分がある。タウニーがコラージュに使用した物理的な要素には、さまざまな言語の珍しい本のページ、写真、新聞や雑誌の切り抜き、宇宙図、タントラのシンボル、美術史の本や自然ガイドのイラスト、楽譜、そして彼女自身の絵や手書きの文字などがある。^[7]彼女のコラージュには、秘密からユーモアまでさまざまなメッセージが含まれていた。^[要出典]

このアーティストの多作なコラージュ作品の例としては、家族や友人に送ったポストカードのコラージュがある。^{[7] [6]}彼女がポストカードのコラージュを作り始めたのは、スタジオを頻繁に移動し、海外旅行をしていた1960年代だった。^[9]彼女のコラージュのいくつかは、国際切手が証拠となっているように、旅行中に作成され送られた。^{[7]標準サイズのポストカードに描かれたこれらの小さなコラージュは、}メールアートの初期の例である。^[3]アーティストは、消印を押すことで作品に時代がわかり、作品にランダムな追加が加えられることを楽しんだ。^{[3] [7]これらのポストカードコラージュの例の多くは、}アメリカンアートアーカイブのトシコ・タカエズ、マリエット・チャールトン、リリアン・キースラーなどのアーティストのアーカイブコレクションに収められている。^{[17] [18] [19]}

タウニーは彫刻から箱型の構造物、箱まで様々な形のアサンブラージュを制作した。 ^[2]このアーティストのミクストメディアのアサンブラージュには、羽、小枝、小石、紐、骨、木、卵の殻などの小さな拾い物が組み込まれている。 ^[2]これらの繊細で詩的な作品は、しばしば精神的な性質を持ち、内なる平和と人生のはかなさを見つけることについてのとらえどころのないメッセージを含んでいる。彼女は2007年に亡くなるまでこれらの作品の収集と組み立てを続けた。タウニーは主に繊維アートへの貢献で知られているが、彼女のコラージュとアサンブラージュのポートフォリオは広範で印象的である。タウニーのポストカードのコラージュとアサンブラージュ構造は、 1967年と1970年にウィラードギャラリーで開催されたテキスタイル作品を除く2つの展覧会全体を埋め尽くした。^[9]

1970年代には、現代の繊維アートへの関心が薄れ、タウニーのキャリアは勢いを失った。^[3]この時期、タウニーはますます精神性に傾倒するようになり、以前のような作品の制作ペースは低下した。^{[3] [6]しかし、彼女は}コラージュやアサンブラージュを作り続け、織物は進化し、進歩した。1970年代半ばの彼女の織物は、大規模で単色で、スリットが入っていることが多かった。初期のオープンワープの作品とは対照的に、これらの作品はしっかりと織られ、密度が高かった。^[3] 1970年代の彼女の作品では、正方形の中に円が描かれており、統一の象徴として繰り返された。^{[2] [3] [9]}十字架もまた、彼女の作品の中で繰り返し登場し、対立するものの出会いを表したシンボルであった。^[2]

1977年、タウニーは記念碑的な雲シリーズの最初の作品を制作した。^{[1] [3] [20]アーティストは、}カリフォルニア州サンタローザの連邦ビルの作品を制作するよう依頼された。当時、カリフォルニアは干ばつに見舞われており、タウニーは雲を制作することを思いついた。雲は、何千もの麻糸が結ばれ、空間に流れ落ちるキャンバスの支持体で作られた。その後、キャンバスは上部のグリッド構造に取り付けられた。[ ^{2] [3] [9]}この最初の作品「雲シリーズIV」は1978年に完成し、献呈された。^[2]タウニーは1983年までこのシリーズの作品を作り続けた。^{[1] [3]}雲シリーズは、多くの場合、壮大な公共の委託作品であったが、時には小さなギャラリースペースで展示されることもあった。^[3]

1950年代後半から2007年に亡くなるまで、タウニーは主にニューヨーク市に住み、仕事をし、頻繁に海外を旅していた。90代になると視力が徐々に衰え始めたが、アシスタントの助けを借りて創作を続けた。^[6] 1989年、タウニーはレノア・G・タウニー財団を設立し、自身の芸術的および財政的資源を寄付した。^[21]彼女は、視覚芸術をより身近なものにし、新進気鋭のアーティストに機会を与えることを目標に財団を設立した。^[21]レノア・G・タウニー財団は、ギャラリーのアリソン・ジャックによって代表されている。^[22]「最初の100年間は、最も大変でした」と彼女は100歳の誕生日に笑顔で語った。^[23]

タウニーの作品は、2021年にポンピドゥー・センターで開催された「抽象表現主義の女性たち」展に展示された。^[24]また、彼女の作品は、2019年から2022年にかけてホイットニー美術館で開催された「知ること：アートにおける工芸、1950-2019」展にも展示された。^[25]

• シカゴ美術館、イリノイ州シカゴ^[26]
• ブルックリン美術館、ブルックリン、ニューヨーク^[27]
• クリーブランド美術館、オハイオ州クリーブランド^[28]
• クーパー・ヒューイット、スミソニアン国立デザイン博物館、ニューヨーク、ニューヨーク^[29]
• ホノルル美術館、ホノルル、ハワイ^{[30] [22]}
• メトロポリタン美術館、ニューヨーク市^[31]
• ミネアポリス美術館、ミネソタ州ミネアポリス^{[30] [22]}
• モントリオール装飾芸術美術館、モントリオール、カナダ^{[30] [22]}
• ベルリーヴェ美術館、ゲシュタルトゥング美術館、チューリッヒ、スイス^{[30] [22]}
• ニューヨーク美術デザイン博物館^{[30] [22]}
• ニューヨーク近代美術館、ニューヨーク^[32]
• フィラデルフィア美術館、ペンシルベニア州フィラデルフィア^[33]
• スミソニアン国立美術館レンウィックギャラリー、ワシントンD.C. ^[34]
• アムステルダム市立美術館、オランダ^[35]
• タング博物館、ニューヨーク州サラトガスプリングス^[36]
• ワズワース・アセナウム、ハートフォード、コネチカット州^{[30] [22]}
• ホイットニー美術館、ニューヨーク市^[37]

• 1957年、ノースショアショッピングセンター、マーシャルフィールズアンドカンパニー、シカゴ、イリノイ州。^{[2] [9] [15]}
• 自然の中のキリスト降誕、1960年、インターチャーチセンター礼拝堂、ニューヨーク市。^{[2] [9] [3] [22]}
• アーク・ベール、1963年、イリノイ州ハイランズパーク、ソレル会衆。^{[2] [9] [22]}
• クラウドシリーズIV、1978年、サンタローザ連邦ビル、カリフォルニア州サンタローザ。^{[2] [22]}
• クラウドシリーズVI、1981年、フランク・J・ラウシェ州庁舎、オハイオ州クリーブランド。^{[2] [22]}
• クラウドシリーズVII、1983年、ウェスタンコネチカット州立大学、コネチカット州ダンベリー。^{[2] [22]}

• パターソン、カレン、編著レノア・タウニー：宇宙の鏡（シカゴ大学出版、2019年）オンラインレビュー
• タウニー、レノア (1990)。『レノア・タウニー：回顧展：アメリカンクラフトミュージアム、ニューヨーク』。ニューヨーク、NY：リッツォーリ。ISBN 0847811689。
• 織物の革新者レノア・タウニーが100歳で死去、ホランド・コッター、2007年9月28日、ニューヨーク・タイムズ

• 1971年6月23日、ポール・カミングスがアメリカ美術アーカイブのためにレノア・タウニーにインタビューした。
• MoMA にあるタウニーの作品の画像
• アリソン・ジャックのレノア・タウニーのアーティストプロフィール