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イアン・スコット | |
|---|---|
| 生まれる | イアン・クリストファー・スコット ( 1945-04-20 ) 1945年4月20日イングランド、ブラッドフォード |
| 亡くなった | 2013年6月27日（享年 68歳） ニュージーランド、オークランド |
| 教育 | エラム美術学校（オークランド） |
| で知られているのは | 絵画 |
| 動き | リアリズム、ポップアート、モダニズム、ポストモダニズム |
| 配偶者 | ナン・コーソン |
| 受賞 | 1967年フォウルズ記念賞、1968年ベンソン＆ヘッジズ美術賞、1969～70年マナワツ美術賞 |
| Webサイト | ianscott.co.nz |
イアン・クリストファー・スコット（1945年4月20日 - 2013年6月27日）はニュージーランドの画家である。彼の作品は、それまで地域主義や国家主義的な関心に支配されていたローカルな文脈の中で、国際的な視野とビジョンを追求した点で重要である。[ 1 ]生涯を通じて、彼は一貫して絵画の新たな可能性を追求するべく作品を推し進め、その過程で抽象と具象の間を行き来し、物議を醸すテーマやアプローチを用いながらも、非常に個人的で認識しやすいスタイルを維持した。[ 2 ]彼の作品は、ニュージーランドの風景（特に西オークランド）、大衆的なイメージ（特に女性像の表現）、流用、美術史的な参照など、幅広い関心事に及んでいる。スコットの絵画は、色彩と光の強烈さが特徴的である。[ 3 ]彼の絵画へのアプローチはモダニズムの伝統に沿っており、アメリカの画家モーリス・ルイス、ケネス・ノーランド、ジュールズ・オリツキによって確立された形式的な基準に応えている。[ 4 ]
イアン・スコットは1945年4月20日、イングランドのブラッドフォードで5人兄弟の長男として生まれた。一家は当初、ブラッドフォード近郊のヨークシャー・ムーアズにあるベイルドン村に住んでいた。1952年、スコットが7歳の時、両親のバーバラ（コックス）とジョン・スコットは、第二次世界大戦後の厳しいイングランドよりも多くの機会を求めて、ニュージーランドのオークランドに移住した。[ 5 ]
スコットがニュージーランドに移住する前の芸術への初期の興味は、アマチュア水彩画家であった母方の祖父アーネスト・コックスによって育まれた。スコットは祖父と一緒に荒野を巡る絵画旅行に同行し、スケッチを描いていた。[ 5 ] オークランドでは、サニーベール、ワイタケレ山脈、西海岸の風景を油彩と水彩の両方で描き、ケルストン・ボーイズ・ハイスクールに通っていた頃は、著名なニュージーランドの画家ガース・タッパーと、風景画のケリハー美術賞の常連出品者であるレックス・ヘッドの美術クラスを受講した。1963年、スコットはオークランド美術館でコリン・マッカホンが運営する夜間クラスに出席した。[ 5 ] 1964年、彼はオークランド大学のエラム美術学校で学び始め、1965年にはタッパーとマッカホンが彼の指導教官を務めた。スコットは同級生のリチャード・キリーンと親交を深め、美術学校在学中には、後にニュージーランド美術史の重要な歴史家となるマイケル・ダンや、物議を醸す批評家であり、後にスコットも所属アーティストとなるペタル/ジェームズ・ギャラリーのパートナーとなるペタル・ヴレティッチとも出会った。スコットは1967年に美術のディプロマを優等で取得し、フォウルズ記念賞を受賞した。翌年、彼はオークランド教員養成大学で中等学校教師の養成課程を開始した。[ 5 ]
スコットは1978年にナン・コーソンと出会った。彼らはオークランド郊外のエプソムに短期間住んだ後、マウント・エデンに家を購入した。彼らの息子、クリス・コーソン＝スコットは1985年に生まれ[ 6 ]、ニュージーランドのオークランドで写真という媒体で活動するアーティストである。
スコットは風景画家として早くから名声を確立し、1965年にケリハー美術賞のジュニア部門で「Low Tide, Anawhata (Kelliher Art Trust)」で受賞、1966年には優秀賞を受賞しました。 [ 7 ]この時期、エラムで学んでいたスコットは抽象画も描き、「ニューリアリズム」と呼ぶ具象的なスタイルも発展させました。後者は、ジェームズ・ローゼンクイストのポップアートなど、1960年代初頭のアメリカ絵画の発展に影響を受けており、[ 8 ] 1960年代の西オークランドの特徴である郊外の木造住宅を描いた絵画も含まれており、ミルフォードサウンドやオークランドの西海岸などの風景の中に不釣り合いに配置されていることがよくあります。[ 9 ]これらの絵画の中には、2枚のパネルで構成され、いくつかの別々のイメージに分割されているものもあります。ロッキードL-188エレクトラ機が空に浮かんでいるのが時折見られ、ウォレス・アーツ・トラスト所蔵の『マウント・セフトン上空の航空事故』（1967年）をはじめとするいくつかの絵画では、2機以上の航空機が壮絶かつ滑稽に墜落する様子が描かれている。これらの初期の絵画には、スコットの作品の特徴となる、断片的なイメージ、あるいは異なる伝統や現実の衝突といった要素の萌芽が見られる。
1967年、スコットの様式化された風景画には、ビキニやミニスカートなどの当時の流行の衣服を身に着けた女性が登場し始めた。これらのイメージは、雑誌（ヴォーグやプレイボーイなど）や新聞などの大衆文化から借用されることが多かった。風景画には、原生林やカウリの木、西海岸のビーチなど、西オークランド特有の象徴が描かれている。細心の注意を払って滑らかに描かれた移行とディテールを持つ絵画スタイルは、リタ・アンガス、マッカホン、ドン・ビニーに関連付けられるニュージーランド絵画の「ハードエッジ」の伝統を意識的に受け継いでいる。[ 10 ] スコットの1967年から1970年の絵画は、はしゃぎ回る薄着の女性主人公たちから「ガーリー」シリーズと呼ばれている。[ 11 ]この説明に当てはまる重要な作品の例としては、Land of Dreams (1968–69、個人蔵)、Rainbow Girl (1969、ワイカト美術館、Te Whare Taonga o Waikato)、Homage to Morris Louis (1969、Real Art Roadshow)、Jumpover Girl (1969、ヴィクトリア大学ウェリントン校)、Leapaway Girl (1969、ニュージーランド国立博物館、Te Papa Tongarewa)、Sky Dash (1969–70、オークランド美術館、Toi o Tāmaki)、Agronomist (1970)、Teller (1970) などがある。
リーパウェイ・ガールはおそらくこれらの作品の中で最もよく知られており、テ・パパの元キュレーターであるウィリアム・マカルーンは、この作品について「ニュージーランド絵画の歴史が書かれ、風景、厳しいニュージーランドの光、そして明確に区別された形態に根ざした真の地元の伝統の特定が最重要であった時期に制作された」と述べている。[ 10 ]しかし、マカルーンはスコットがニュージーランド美術に融合させていた国際的な影響も認めており、次のように書いている。「すべての参照が地元のものであるわけではない。シリーズの他の作品では、スコットは現代アメリカの抽象絵画のイメージを取り入れており、ここでも跳躍するドレスの大胆な色彩は、空中に舞い上がったカラーフィールド絵画を思わせる。このシリーズのより明白な基準は、ピンナップを描いたアメリカのポップアーティスト、メル・ラモスと、グレート・アメリカン・ヌード・シリーズのトム・ウェッセルマンである。」[ 10 ]リーパウェイ・ガールは、ニュージーランド国立博物館が2012年にオンラインコレクションを公開した際に含まれた166点の絵画の1つである。[ 12 ]
しかし、このシリーズには、代表的な作品を含め、一般的に「ガーリー」シリーズとして認識されているイメージに当てはまらない絵画が数多く存在する。例えば、兄（「アナワタのナイジェル」、1968～69年）、仲間の芸術家（ 「北オタゴのコリン・マッカホン」 、1967～68年、オタゴ大学ホッケン図書館所蔵、「テ・ヘンガのドン・ビニー」、1969～70年、オークランド美術館所蔵）、ウェリントンの画商（「ピーター・マクリービー」、1969～70年、ピーター・マクリービー・コレクション所蔵）など、画家の人生における著名な人物の肖像画が挙げられる。その他にも、理想化されたものから不条理なものまで、カップルや子供を描いた作品もある（「子孫」、1969年、「テーブルの赤ちゃん」 、1970年、「黄金の夢」、1969年、テ・マナワ、パーマストン・ノース所蔵）。
『トラック』（1968年、オークランド美術館トイ・オ・タマキ）は、出版者であり絶滅危惧種のカウリの森の保護者でもあるAHリードが娘と孫たちと一緒に写っている写真を基にしている。スコットは、彼らがオークランド地方議会の看板とカウリの木立の前で無表情にポーズをとっている様子を描いている。この絵画の斬新で象徴的な性質に、詩人であり美術評論家のデイヴィッド・エグルトンは「まるで暴れ象のように1960年代後半から飛び出してきた」と叫んだ。この表現は、ニュージーランド美術の規範や慣習を大胆に破壊しようとするスコットの傾向を的確に捉えている。[ 13 ]
スコットは教員養成課程を修了すると教職に就く義務があった。彼はネルソンに移り、ネルソン・カレッジで美術を教えた。[ 14 ]その後数年間、彼はタスマン湾シリーズを描いた。 [ 15 ]これは一見抽象画だが風景画のような雰囲気があり、緑や黄色などのくすんだ色の厚い面が特徴で、スコットがアメリカのラリー・プーンスの「厚い面」の絵画に興味を持っていたことを反映している。ネルソン時代には、平面的で漫画的な具象要素と抽象的な形や質感（例えば、彼が借りていたアパートの漆喰の外装に似た効果）を持つ一連の絵画もあった。[ 16 ]この時期の絵画の全体的な意義は、アーティストが身近な環境の感情やイメージを、アメリカのモダニズムの発展、特にプーンスやオリツキの絵画と直接比較できる抽象的な表現に翻訳している点にある。 1971年、スコットはオークランドを訪れ、オークランド美術館で開催されていたモリス・ルイスの絵画展を鑑賞した。この展覧会はスコットに強い印象を残し、特に全長約24フィートの絵画「ベータ・ヌー」（1960年、オーストラリア国立美術館、キャンベラ）に感銘を受けた。[ 17 ]
1973年、スコットはオークランドに戻り、ペイントローラーと市販の家庭用塗料を使って一連の大きな抽象画を制作した。塗料は、広い帯状または分厚い弧やブロック状に、自由かつ無造作にローラーで塗られている。[ 18 ]これらの作品は、1973年から1975年にかけて制作された「スプレード・ストライプス」へと発展した。このシリーズの「古典的な」作品は、スプレー缶で塗布された鮮やかな色の平行な帯で構成されており、背の高い長方形の白いキャンバスの垂直軸からわずかにずれた角度で浮かぶ淡い色の長方形で囲まれている。[ 19 ]このシリーズで最も有名な作品はおそらく「クィヴァー」（1974年、オークランド美術館トイ・オ・タマキ）だろう。これらの絵画は、批評家で美術史家のエドワード・ハンフリングによって2005年に「スコットの最近の白いモデル・シリーズの絵画を除けば、この国（ニュージーランド）で制作された最も重要な絵画」と評された。[ 20 ]スプレーストライプの独特な色彩は、オークランドの強烈な光と、郊外の住宅所有者が下見板張りの家を塗るのによく使うパステル調の色合いの両方を捉えている。スプレー缶を使うことで、スコットはニュージーランド郊外のDIY文化、つまり日曜大工をする人の感性も表現しようとしていた。 [ 21 ]しかし、スコットのこの地域の環境に対する感情は、決して説明的または写実的な表現方法で表現されたものではない。むしろ、それらは凝縮され、象徴化され、アメリカのモダニズム、特にモリス・ルイスとケネス・ノーランドの絵画からインスピレーションを得た形式的な言語に吸収された。
1975年、スコットは、後にラティス・シリーズとなる作品の基本要素を含む多数の紙作品を制作した。ラティス・シリーズは、1970年代後半に集中的に取り組んだ膨大なアクリル抽象画のシリーズであり、その後生涯を通じて繰り返し制作された。[ 22 ]ラティス絵画は、正方形のキャンバス内に、通常は斜めに絡み合った色の帯からなる柔軟で絶えず変化するシステムに基づいているのが典型的である。「絵の表面で形を絡み合わせている基本的な上下のパターンは、ラティスのすべての絵画に共通している。」[ 23 ] 1976年から1977年にかけての初期の例、例えばラティスNo.11（1977年5月、クライストチャーチ美術館）には、白い水平、垂直、斜めの帯があり、その縁はマスキングテープの縁に沿って黒いクレヨンでこすってマークされており、明るい色の帯が白い帯の背後にグリッドを形成しているように見える。[ 24 ] 1978 年以降、クレヨンの線は廃止され、隣接する色のきれいなマスキングされたエッジが採用され、非対称格子を除いて、正方形のキャンバスが標準的な支持体となった。この高度に精緻化されたシステムの重要な例は、スコットが 1978 年のベンソン & ヘッジズ アート賞を受賞したラティス No. 45 (1978 年、ダニーデン市立美術館) である。[ 25 ] スコットは、ラティス シリーズ全体の中で、帯の幅、レイアウト、構成、色の範囲と強度を変化させるなど、かなりの範囲の構図を考案した。格子模様第58番（1979年7月、ニュージーランド国立博物館テ・パパ・トンガレワ）など、多くの作品では、黒の帯と鮮やかな色が交互に配置されており、美術史家のエルヴァ・ベットが指摘したように、「鮮やかな色の帯がキャンバスを超えて鞭打つように引っ張られることで、広大な三次元の奥行きが生み出される」[ 26 ] 。他の作品では、未加工のキャンバスに白、または黒と未加工のキャンバスのみというシンプルな構成になっている。後者の例としては、格子模様第91番（1982年、ニュージーランド国立博物館テ・パパ・トンガレワ）がある。
モデルシリーズは、スコットの具象作品の要素と、新しい絵画構造（絵画の視覚要素がキャンバス表面にどのように配置されるか）を発明するというモダニズムの野心への継続的な取り組みを融合させたものである。[ 27 ]初期の「ニューリアリズム」絵画の多くと同様に、スコットは現代の大衆文化を参照しながら、ヌードの伝統を探求し、挑戦していた。絵画には、ソフトポルノ雑誌からの女性が登場し、絵画の前に立っている。絵画は通常、郊外の家の外側の壁や美術館の白い壁に掛けられているように見える、モダニズムの抽象作品やポップアート作品の表現である。絵画のスタイル、特に2004年以前の作品は、筆致の物質性が特徴的で、アーティストは過度に清潔で詳細な効果を避け、イメージの物質性と構成を強調しようとした。[ 28 ]このシリーズにおける重要な展開は、絵画フォーマットの横方向への拡張であり、人物は抽象的な白いキャンバスの広がりの片側に配置されている。モデルシリーズ第80号：ルイの終焉（2006年4月）は、この新しい「オープン」な絵画構造のインスピレーション源の一つであるモリス・ルイの絵画「ベータ・ヌー」（1960年、オーストラリア国立美術館、キャンベラ）を暗示している。[ 29 ]
スコットの「ガーリー」シリーズの絵画は、批評家からは高く評価されたものの、1960年代後半に初めて展示された際には、当時のニュージーランドの比較的保守的な社会では露骨すぎるとみなされたヌード描写のため、物議を醸した。1969年のマナワツ美術賞の最終選考に残った絵画「ローン・ラバーズ」（1969年）は、ギャラリーに苦情の手紙が寄せられるなど世論の反発を受け、パーマストン・ノースとハミルトンの地方都市での展示が禁止された。[ 30 ]ホークスベイの新聞「デイリー・テレグラフ」は、この絵画に対する憤慨の反応を記録した記事を掲載した。[ 31 ]奇妙で不幸なことに、この絵画は後に画家の友人に貸し出され、何度か所有者が変わり、最終的に破壊された。
スコットが1970年のマナワツ美術賞に「ガーリー」シリーズの絵画2点、「スカイ・リープ」 （1970年）と「テーブル・ベイビー」（1970年）を出品した際、ワイカト・タイムズの評論家GEフェアバーンはそれらを「嫌悪感を催す」と評し、「実際に見てみないと信じられない」と付け加えた。[ 32 ]
2007年、クライストチャーチの現代美術センター（CoCA）で開催されたスコットのモデルシリーズの絵画展は、一般市民、地域団体、批評家から批判を浴び、激しいオンライン議論を巻き起こした。当時のCoCAのディレクター、ウォーレン・フィーニーは後にこう書いている。「これほど嫌われた絵画シリーズがかつてあっただろうか？」[ 33 ]
スコットは2013年にオークランドで亡くなり、ワイキュメテ墓地に埋葬された。[ 38 ] [ 39 ] 2013年の文化的なハイライトのレビューで、ザ・プレス紙は「早すぎる死によってニュージーランドは重要な芸術的声を失ったイアン・スコット」に言及した。[ 40 ]スコットへの追悼で、オークランド美術館は「彼ほど多作な地元の画家はほとんどおらず、これほど多様で、時には意見が分かれるような内容を探求しようと決意した画家はさらに少ない」と結論付けた。[ 41 ]