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フレッド・バーマン | |
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| 生まれる | フレッド・ジーン・バーマン 1926年11月3日 |
| 亡くなった | 2011年11月6日（享年 85歳） ウィスコンシン州ミルウォーキー |
| で知られているのは | 絵画、アッサンブラージュ、コラージュ、写真、版画 |
| 注目すべき 作品 | 嵐、ホワイトシティ #2 |
| 動き | 抽象画、具象画、現代美術 |
| 配偶者 | ジョイ・グロス（1949年 - 1966年） |
| 受賞 | ジョセフ・N・アイゼンドラス賞（1950年）、ウィスコンシン州視覚芸術生涯功労賞（2010年） |
フレッド・バーマン（本名：フレッド・ジーン・バーマン、1926年11月3日 - 2011年11月6日）は、ユダヤ系アメリカ人の抽象画家であった。
フレッド・バーマンは1926年、ウィスコンシン州ミルウォーキーで、父エズラ・バーマンと母フランシスの間に生まれた。両親はアメリカ中西部へ移住してきたロシア系ユダヤ人だった。彼は4人兄弟の末っ子だった。[ 1 ]若い頃に心臓疾患の疑いがあったため、激しい運動は避けるように言われ、チェスと芸術に力を注いだ。[ 2 ]バーマンはチェスの名手で、ミルウォーキー市全体のジュニア選手権で4年連続優勝した。[ 3 ] 1943年の夏、彼は建築事務所エシュヴァイラー＆エシュヴァイラーで働き始め、この経験が彼の将来の建築における芸術的活動の基礎となった。[ 4 ]
バーマンはミルウォーキー州立教員養成大学で学士号、ウィスコンシン大学マディソン校で修士号を取得した後、 1949年にレイトン美術学校の教員に加わった[ 5 ]。同校は後に米国屈指の美術学校の一つとみなされるようになった[ 6 ] 。
バーマンはキャリアの初期に成功を収め、1950年にシカゴ美術館から、エンカウスティック絵画「嵐」でジョセフ・N・アイゼンドラス賞を受賞しました。[ 7 ] 1955年、美術教師として、また地域の才能として地位を確立した後、バーマンはより多くの人々に自分の作品を認めてもらおうと試みました。彼は過去の展覧会の審査員を通じてキャサリン・クーと知り合いで、彼女が次のヴェネツィア・ビエンナーレで展示するアメリカ人アーティストのコレクションをキュレーションしていることを知っていたのです。自分の作品を展示したいという依頼の手紙を書いた後、彼は父親の車に自分の絵を積み込み、シカゴ美術館まで運転しました。彼らは美術館の搬入口で会い、彼の作品を見ました。バーマンによると、クーは「こんなに若くしてこんなに上手に絵を描けるなんて、二重にお祝いします」と言ったそうです。[ 2 ] [ 8 ]
クーは、ビエンナーレのアメリカ館で開催され、「アメリカ人アーティストが都市を描く」と題された展覧会のために、バーマンのホワイトシティシリーズの絵画からホワイトシティ#2を選んだ。トム・リドケ（ MOWAの元エグゼクティブディレクター）が書いたように、それは「建築的であると同時に雰囲気のある、光り輝く、意図的に曖昧な都市の風景」だった。[ 9 ] 29歳のバーマンは、マーク・ロスコ、ジャクソン・ポロック、ウィレム・デ・クーニングなどと並んで、この展覧会で紹介された最年少のアーティストだった。[ 10 ] [ 11 ]
バーマンは1960年にウィスコンシン大学ミルウォーキー校の美術学部スタッフに加わった。この時期に彼の作品は、荒々しく暗い都市のテーマから、より柔らかく自然な風景へと変化したことが認められた。彼は生涯を通じて絵を描き続けたが、他の媒体でもより熟練した技術を身につけた。1965年には、彼の木製アッサンブラージュの1つがニューヨークのバイロンギャラリーで開催されたボックスショーに展示された。この展覧会は、ルイーズ・ネヴェルソン、ジョセフ・コーネル、ロバート・ラウシェンバーグなどのアッサンブラージュを特集したことで注目された。[ 12 ]バーマンは1966年から1967年の学年度に、イギリスのレディング大学でヒュー・フィニーと講師職を交換した。 [ 4 ]
バーマンの作品は、生涯を通じて、ロイヤル・アカデミー・オブ・アーツ[ 13 ] 、ホイットニー美術館[ 14 ]、シカゴ美術館[ 15 ]など、数々の著名な美術館で展示された。長年にわたる教育への貢献により、ウィスコンシン大学ミルウォーキー校の名誉教授の称号を授与され、1993年まで同大学で教鞭を執った[ 9 ] [ 11 ]。バーマンは、最も著名な教え子として、レオン・トラヴァンティ、リチャード・クレイマー、ナンシー・グリーンバウム、ウィル・ブルーダーを挙げている[ 8 ]。 2010年には、ウィスコンシン美術館からウィスコンシン視覚芸術生涯功労賞を授与された[ 16 ]。
バーマンの作品は抽象と具象の間を行き来し、しばしば両者を様々な程度で融合させ、意図的に曖昧な作品を生み出している。ミルウォーキー美術館の元主任学芸員であるディーン・ソベルは、バーマンの最も抽象的な作品が非具象性や抽象表現主義に近いものであっても、彼は常に何らかの主題からインスピレーションを得ていると指摘している。[ 4 ]
バーマンは初期の絵画、コラージュ、版画において、直線的な幾何学への強い関心を示した。彼は形態、質感、構造、ボリュームを探求し、しばしば建築的なテーマを取り入れ、キュビスムの要素も取り入れた。スペードの王のコラージュ（1951年）、ファサード第2番（1955年）、ホワイトシティシリーズ（1953～57年）はこのアプローチを示している。1960年代初頭までに、彼はこの角張ったビジョンを捨て、より自由に描かれた風景画において、より柔らかく、より広がりを持った光と色の表現へと移行した。その例としては、落日シリーズ（1959～61年）、冬景色シリーズ（1961～63年）、雨影シリーズ（1963年）などが挙げられる。[ 4 ] [ 17 ]
1960年代半ばの短い期間、バーマンは木製のアッサンブラージュを制作した。ミルウォーキー・ジャーナルのアートエディター、ドナルド・キーはそれらを「心に残る」と評した。バーマンは、「人々はこのアッサンブラージュ作品が私の絵画から突然逸脱したと考えているが、実際には15年前には、文字、数字、古いポスターの一部、実際の物体を使った新しい構成に似た物体を組み合わせたファサードのようなキャンバスを制作していた…私は常に過去のもの、その質感、形、雰囲気に親近感を抱いてきた。実際の印刷材料を使った私の作品は、美術の授業で古い活字を集めるという課題を出したことから始まった。」と説明した。[ 18 ]サンフランシスコ美術館で展示された『グレート・プライマー』 （1964年）のように、[ 12 ]彼の作品は、印刷物、写真画像、その他ノスタルジアと神秘を呼び起こすようにデザインされた物体を取り入れた、高度に組織化された木版活字が中心となっていることが多い。 [ 4 ]
交換講師としてヨーロッパをより深く探求する機会を得た彼は、1980年代末までにJMWターナーと、色の層を重ねることで光を表現する手法に影響を受けた。バーマンはこの技法を、レディング滞在中にインスピレーションを得た温室の内部を描いた作品に用いた。その後数十年間、彼は室内建築の要素に回帰し、自身のスタジオへの言及も行った。スタジオでは、道具を通してのみアーティストの存在が示唆されている。例えば、『スタジオ静物』（1985年）などである。[ 4 ] [ 5 ]
写真もまた、バーマンの芸術にとって重要な媒体であった。彼は1958年に、ギプスをはめた指の骨折で一時的に絵を描けなくなったため、カメラを手に取った。[ 2 ]しかし、定期的に写真作品を展示し始めたのは1975年になってからだった。彼自身によれば、彼は写真家ではなく、カメラを使う芸術家だった。フィルムを自分で現像せず、人工照明を嫌い、手持ちカメラで即興的に撮影し、カラーのみで制作していたことから、彼のスタイルは当時としては型破りだった。[ 19 ]彼は写真をもとに絵を描くのではなく、過去に描いた被写体を撮影することが多かった。ソベルはバーマンの写真を「クールでよそよそしい」と評し、彼の形式主義的なアプローチをさらに強調した。[ 4 ]
バーマンは、20世紀半ばにウィスコンシン州で勃興した抽象芸術シーンと強い繋がりを持っていた。ミルウォーキー州立教員養成大学の学生時代には、ドイツ生まれの地方主義画家ロバート・フォン・ノイマンから賞賛を受け、カール・ホルティのモダニズム絵画の影響を受けた。同時代のアーサー・スロールやジョセフ・フリーバートと作品を展示し、後者はバーマンの建築的抽象作品の代表作のいくつかに大きな影響を与えた。[ 2 ] [ 9 ] JMWターナー、ピエール・ボナール、エドゥアール・マネ、キュビスム運動も彼の芸術に影響を与えたとされている。[ 8 ] [ 9 ] [ 10 ]