アルトゥーロ・エレーラ

アルトゥーロ・エレーラ
アルトゥーロ・ヘレラ、コンテンポラリー・デイトン、オハイオ州、2023年
生まれる	アルトゥーロ・エレーラ 1959 カラカス、ベネズエラ
教育	イリノイ大学シカゴ校、タルサ大学
知られている	コラージュ、紙の作品、パブリックアート、彫刻、絵画
受賞歴	グッゲンハイムフェローシップ、DAADフェローシップ、ポロック・クラスナー財団、ルイス・コンフォート・ティファニー財団、現代芸術財団
Webサイト	アルトゥーロ・エレーラ

アルトゥーロ・エレーラは、ベネズエラ生まれ（1959年）で、ベルリンを拠点に活動する視覚芸術家であり、コラージュの技法に根ざした幅広い作品で知られている。^{[1] [2] [3]}彼の色鮮やかで、しばしばリズミカルな作品は、断片化、反復、消去、脱臼といった絵画的戦略を用いて、ポップな図像、身振り、非具象的な形状を織り交ぜている。^{[4] [5] [6]}結果として得られるイメージは、抽象と具象（ほとんど判読できないことが多い）の間でバランスが取れていることが多く、固有の物語から切り離されながらも漠然と馴染みがある。^{[7] [8]}批評家は、この曖昧さが記憶、空想、鑑賞者の無意識の私的な解釈スキームに作用し、多様な参照や解釈を呼び起こすと示唆している。^{[9] [10] [11]} 2020年、アート・イン・アメリカのライターであるアラ・H・メルジャンは、紙、絵画、レリーフ、彫刻、パブリックアート、書籍などの作品を含むヘレラの作品について、「一貫していると同時にカメレオンのような作品」であり、「モダニズムのコラージュに命を吹き込み、正確さと自発性、配置と置き換えの間の緊張関係を探求している」と評した。^[1]

ヘレラは、ニューヨーク近代美術館（MoMA）^[12] 、^[13] 、リヴォリ城現代美術館^[14]、ジュネーヴ現代美術館、ビーレフェルト美術館[ ^15]、ハマー美術館[ ^16]、MoMA PS1 ^[17]などの施設で展示を行っています。グッゲンハイムやDAAD（ドイツ学術交流会）のフェローシップ^{[18] [4] 、}ポロック・クラスナー財団、ルイス・コンフォート・ティファニー財団、アートペースなどからの賞を受賞しています。^{[19] [20] [3]}彼の作品は、MoMA ^{[21]、[22]、}メトロポリタン美術館、^[22]、テート[23] 、^[23]、ロサンゼルス現代美術館^[24]、マドリードのソフィア王妃芸術センター^[25 ]などの美術館のコレクションに収蔵されています。

ヘレラは1959年にベネズエラのカラカスで生まれ、1978年に米国に移住した。タルサ大学で美術を学び、抽象と具象を混ぜた絵画を制作し、1982年に美術学士号を取得した。^{[4] [26] [27]}卒業後はヨーロッパを旅行し、その後ニューヨークに移り、塗り絵や漫画、イラスト入りのおとぎ話を収集し、イメージの「百科事典」として、それらを生物形態の断片に切り取ってコラージュし始めた。^[26] 1990年代初頭、シカゴのイリノイ大学大学院（1992年に美術学修士号取得）でこの手法を改良した。^{[26] [6]}

ヘレラは、シカゴのランドルフ・ストリート・ギャラリー、シカゴ現代美術館（ともに1995年）、ルネッサンス・ソサエティ・アンド・アート・インスティテュート（ともに1998年）^{[28] [27]} 、ニューヨークのディア・センター・フォー・ジ・アーツ（1998年）、MoMA PS1（2000年）、ホイットニー美術館（2001年）^{[29] [17]}、ロサンゼルスのハマー美術館（2001年）などで、様々なメディアを組み合わせた個展を開催し、認知度を高めた。^{[9]また、2002年の}ホイットニー・ビエンナーレ^[30]にも参加し、ドローイング・センター、MoMA PS1、ウォーカー・アート・センターで回顧展を開催した。^{[31] [17] [32]} 1997年、拠点をニューヨークに移した。^[5]

ヘレラはその後、ガレゴ・デ・アート・コンテンポラネア（2005年）、^[33] アルドリッチ現代美術館（2007年）、^[34]ハウス・アム・ヴァルトゼー（2010年）、^[2]オルブライト・ノックス美術館（2014年）、^[35]テート・モダン（2016年）、ルビー・シティ（2022年）などで個展を開催した。^[3]彼は、シッケマ・ジェンキンス＆カンパニー（ニューヨーク）、^{[7] [36]}トーマス・デーン（ロンドン）、^[11]コーベット・VS・デンプシー（シカゴ）、^{[6] [1]}フランコ・ノエロ（トリノ）、^[37]カルリエ・イ・ゲバウアー（ベルリン）などのギャラリーで展示を行った。彼は2003年からベルリンに住んでいる。^[38]

ヘレラは、媒体や素材の点で多​​様な作品を制作しているが、ミクストメディアのコラージュや紙の作品、フェルトの彫刻、特定の場所の壁画で最もよく知られている。^[1]彼はシリーズで作品を制作することが多く、作品群、さまざまな物理的媒体、展覧会全体およびそれらの内部における連続性、不連続性、連想関係を探求している。^{[6] [9] [39]}美術史家キャロリン・クリストフ・バカルギエフは、ヘレラの手法を、1980年代の盗用芸術や1950年代から1960年代のポップアートから、 20世紀初頭のシュルレアリスム、叙情的な抽象表現、キュビズムのコラージュといった言語にまで遡るものと特徴づけている。^{[9] [5] [7]}

批評家の中には、彼が作品の傾向、つまり不在、省略、最小限の参照手がかりを通じて、メディア（絵画、彫刻、コラージュ、本）と表現システムの期待を試すことで、それらの運動をコンセプチュアルアートに結び付けていると主張する者もいる。 ^{[5] [27] [40] [2]} パブロ・ヘルゲラは、ヘレラの作品を、明示と暗示、馴染みと異質の間を漂うロールシャッハテストに例え、ポップカルチャーのテーマを自伝的領域から解釈的領域へと移行させる効果を挙げた。^{[5] [10]}ジェシカ・モーガンなどの作家は、彼の初期の作品を限界的で「子供のような想像力の場所」と表現し、その心理的および文化的含意に対する洗練された感覚がまとまりのある物語を妨げたが、抑圧された衝動に開かれた連想的で衝動的な解釈を促した。^{[8] [41] [5] [10]}ヘレラの後期の作品は、より非線形で非文脈的な解釈を提示し、増殖し断片化されたイメージと経験の多様性というポストモダンの感覚を伝えている。^{[11] [42] [37]}

ヘレラの初期の作品は、塗り絵や広告、漫画、おとぎ話の断片を切り取り、重ね、絡み合わせ、絵画的なマークや抽象的な形で表現した、手作りの小さなコラージュシリーズが中心だった。^{[31] [9] [8]}これらのイメージは奇妙なハイブリッドであることが多かった。塗り絵の風景の中で、ドナルドダックの下半身がハーゲンダッツのアイスクリームバーに変形したり、逆さまに落書きされたトゥイーティーがワンダーブレッドの包み紙で押しつぶされたテディベアと男根型の切り抜きを見ているなどだ。^{[8] [31]}元の素材をつなぎ合わせたり破壊したりすることで、子供時代の無邪気さが覆され、暴力やセクシュアリティをほのめかす暗く挑発的な無意識の領域が呼び起こされた。^[4] ニューヨークタイムズの批評家ホランド・コッターは、ヘレラの「欲望」コラージュ（ドローイングセンター、1994年）について、「多形的に倒錯的かつ甘美な作品は、自分の攻撃性の深さを隠せないほどまだ世間知らずな子供の手から生まれたようだ」と書いている。^{[31]ヘレラは、インタラクティブなディプティク形式を使用して、100枚のコラージュシリーズからコラージュ（一部はアニメーション）を遊び心のある偶然の並置で組み合わせたウェブプロジェクト}「Almost Home」 （ディアセンター、1998年）で視聴者を直接巻き込んだ。^{[29] [43]}

その後のシリーズ、「Keep in Touch」（2004年）、「Boy and Dwarf」（2006-7年）、「Trigger」（2009年）、「An Evening with CW」（2012年）では、抽象表現主義やモダンダンスの遺産をより幅広く借用し、ジョン・バルデッサリ、ブライス・マーデン、ロバート・マザーウェル、ジャクソン・ポロックの作品を思い起こさせる形状、曲線、濃い色面を漫画やその他のファウンドイメージに重ね合わせた。^{[26] [2] [6] [44]} 75枚の大きな「Boy and Dwarf」コラージュは、入口と、ペイント、スプレー、ステンシル、ペーストされた色の絡み合った「森」の両方を示唆し、封じ込めと探索の弁証法的な経験を提示した。^{[45] [46]}それぞれの作品は、中央に等身大の漫画キャラクターが描かれているが、そのキャラクターのイメージは、装飾的な壁紙、スクリーン印刷、ジェスチャーペインティングの層によって大部分が消し去られている。これらは2冊の児童書のイメージから派生したもので、そこからヘレラは20枚の抽象的な線画を生み出し、さらに偶然と体系的なプロセスによって改変を加えたものである。^{[45] [46]}動画作品『結婚式』（アメリカ協会、2011年）は、ヘレラがスタジオで切り刻んだスクラップを撮影した80枚の写真に基づく、抽象的なイメージの静的な白黒モンタージュを特徴としており、イーゴリ・ストラヴィンスキーの同名のバレエカンタータのリズムに合わせて急速に変化していく。^{[47] [44]}

1990年代半ば、ヘレラはコラージュをベースにしたアプローチを、より抽象的でミニマルな新しい作品群へと広げていった。サイトスペシフィックな壁画、フェルトの彫刻やオブジェなどである。^{[48] [28] [49]}その後の10年間、彼はユーモアや生物形態の暗示、バランスを崩した概念主義で、互いに影響し合いながら従来の期待に反する多様な作品の展覧会を行った。^{[27] [28] [7] [50]}ルネッサンス協会（1998年）での彼の展覧会は特徴的だった。そこには2つの鮮やかな壁画、壁に合わせて白く塗られた質感のある湾曲したパーティクルボードの板、ねじれたホースのような糸の床彫刻、そしてジミニー・クリケットとプルートのレリーフのような石膏の頭が壁を貫通して内部の空洞と外部が露出するように取り付けられていた。^{[27] [51] [49]}

ヘレラの壁画は、1994年にシカゴの屋外看板のために描かれた最初の作品であり、魅力的な色彩と、反復する抽象的な形態のリズミカルなダンス、そして漠然とファンタジーや物語を思わせる俗語のイメージを組み合わせた、継ぎ目がなくハードエッジの効いた作品であった。^[9]初期の作品は、明らかに具象的で露骨に性的なもの（黒い輪郭線が描かれた屋外の「Out of Twenty-four」（MCAシカゴ、1995年））から、主に抽象的なもの（漫画のようなオレンジ色の塊、うねり、曲線の連続した変化に富んだ奔流）の屋内の「Tale」 （ランドルフ・ストリート・ギャラリー、1995年）まで多岐にわたる。 ^{[9] [28]}その後の壁画には、「All I Ask」（ウォーカー・アート・センター、1999年）があり、これは茶色の背景に、密集した漠然と指示的な白い輪郭の形を特徴としている。^{[32] [5]} ジェスチャー的な赤いラテックスを白地に描いた作品「When Alone Again」 （ハマー美術館、2001年）、 ^[16]簡素で抽象的な「Untitled (Wall painting for Berlin)」（2005年）がある。^[10]その後の壁画では、ヘレラは主に抽象的な傾向で制作しており、ポジティブとネガティブ、または異なる色の形で叙情的なダンスを描くことが多かった。^{[3] [52]}これらには、「Adam」（リンダ・ペイス財団、2013年）、「Come again」（グラッドストーン・ギャラリー、2015年）、「Half-Time」（テート・モダン、2016年）や、6,500平方フィートの屋外ラップアラウンド作品「Wall Painting for Austin」（2022年）などがある。^{[53] [54] [3] [55]}

ヘレラの大型フェルト彫刻は1998年に初めて制作され、滴りや飛び散りを思わせる刻み込まれた形で「英雄的な」抽象表現主義絵画の触覚的な象徴を連想させると同時に、ピンで留められたややたるんだ外観でその動きを萎ませ、没落を暗示している。^{[4] [9] [26]} ニューヨークタイムズの評論家ロバータ・スミスは、それらを「溶けた蜘蛛の巣のような抽象表現…決して姿を現さないおなじみの幽霊に取り憑かれ… [そして] 読みやすさを公然と誘惑する」と評した。^{[7] [56]}より謎めいたフェルト作品では、大きくてしっかりした形がジェスチャー部分を覆い隠し、隠蔽と不在のテーマを想起させる（At Your Side、2001年）。^{[41] [26]}その後、フェルトの作品はよりシンプルで具象的な性質を帯びるようになり、平坦で生物的なシュルレアリスムの彫刻に似たもの（Orfeo、2007年）もあれば、壁から垂れ下がったり床にくしゃくしゃになったりする衣服のような形のもの（Felt #19、2009年）もありました。^[10]

その後の展覧会では、ヘレラはより複雑な作品の方向に進み、ダンスや音楽を参考にして、概念や動き（身体的および形式的）よりも形式を重視することが多くなった。^{[36] [39] [1]}シッケマ・ジェンキンス＆カンパニー（2014年）での彼の展覧会は、絵の具でぼかしたり、引きずったり、浸したりした古本や、シルクスクリーン印刷されたアルミニウムのシートで挟まれた層を現した切り抜き作品、麻のトートバッグなどの発見された物など、重層的で時には方向感覚を失わせるような抽象的な絵画、コラージュ、アサンブラージュのハイブリッドに焦点を当てていた。^{[57] [36]}ロバータ・スミスは、この作品をより個人的で経験的でリスクが高く、「物理的事実と視覚効果の間の緊張を分析しながら、新しい材料、プロセス、および過去の人生」を探求していると説明した。^[36]同じギャラリーでの2017年のショーでは、ヘレラは初めてコラージュ要素なしで、同様の視覚戦略をペイントされたキャンバスに適用した。

2つの展覧会で、ヘレラは形式的および概念的な実験の出発点として、モダンダンスのいくつかのシリーズを定着させた。^{[1] [37] 「Soave sia il vento」（Galleria Franco Noero、2016年）は、}モーツァルトのオペラ「コジ・ファン・トゥッテ」の一節をタイトルにとり、ギャラリーや屋外の壁のインスタレーション、および近隣のアパートの建物での共同作業で、比喩、反復、大衆文化を融合させた。参加した入居者は、ギャラリーの壁紙のイメージに対応するダンサーを描いた単色のカーテンを設置した。^{[39] [37]} 2019年のCorbett vs. Dempseyショーには、ダンスのモチーフを図式化した地図のようなガラス作品や、ペイントされたキャンバスのサンプル、スクリーン印刷されたイメージ、ダンサーの写真、ピンクの画用紙に貼られたフェルトの細片を重ねた混沌としたコラージュが含まれ、踊る体の叙情的な交差と形の「ダンス」を結び付けた。^[1]

「From This Day Forward」（トーマス・デイン、2021年）では、ヘレラは、数え切れないほどの写真、不規則な色の帯、壁画サイズの形状を重ね、ギャラリー空間自体をコラージュの枠組みの中に組み込んだダイナミックなコラージュ、本、壁画（一部は床から天井まで）を展示した。^{[11] [42]}作家のジャスパー・スパイアーズは、その効果を「現象学的なショットガンの連射」と「重なり合うイメージと色の電撃」と表現し、知覚の境界（内側と外側、平坦さと深さ）を崩壊させ、不安定で制限のない解釈環境を作り出した。^{[11] [42]}展覧会には、さまざまな出版物から引き抜かれた、発見されたページで構成される56のユニークな例のシリーズから208ページの本が含まれていた。黒い形と輪郭が重ね印刷され、元のイメージを不明瞭にし、混乱させ、作り変えていた。^[42]

ヘレラの作品は、オルブライト・ノックス美術館、^[58] シカゴ美術館、^[59] ブラントン美術館、^[60] カーネギー美術館、^[61]パトリシア・フェルプス・デ・シスネロス・コレクション（カラカス）、^[25] ダラス美術館、^[62] ハマー美術館、^[63]メトロポリタン美術館、^[22] MoMA、^[21]ソフィア王妃芸術センター、^[25] シカゴ現代美術館、^[64]ロサンゼルス現代美術館、^[24] ボストン美術館、^[65] カナダ国立美術館、^[66] ノートン美術館、^[ 67] マイアミ・ペレス美術館、^[68]サンフランシスコ近代美術館、^{[69]ベルリン国立}美術館、テート、^[23]ウォーカー・アート・センター^[70]などの公共コレクションに所蔵されている。ホイットニー美術館^[13]など。^[71]

ヘレラは、ジョン・S・グッゲンハイム財団（2005年） ^[18] 、DAAD（ドイツ・アカデミー交流協会）（ドイツ、2003年）^[4]、 ヤド（2002年）^{[72] 、} アートペース（1998年）^[3]、イリノイ芸術評議会（1996年） ^[73]からフェローシップを受賞している。彼は、現代芸術財団（2005年）、エリザベス芸術財団（1999年）、ポロック・クラスナー財団（1998年）、ルイス・コンフォート・ティファニー財団（1997年）、マリー・ウォルシュ・シャープ芸術財団（1997年）、アート・マターズ（1996年）、シカゴ文化局（1995年）から助成金を受け取っている。^{[62] [74] [19] [75] [20]}

• アルトゥーロ・エレーラ公式サイト
• アルトゥーロ・エレーラ、近代美術館
• アルトゥーロ・エレーラ、Dia: アーティスト ウェブ プロジェクト、1998
• Art 21 のアルトゥーロ・エレーラ
• プレイ、Art21、PBS、2005
• アルトゥーロ・エレーラ、インタビュー、エマージェント・マガジン、2021
• アルトゥーロ・エレーラ、インタビュー、BOMB マガジン、2005 年
• アルトゥーロ・エレーラ・シッケマ・ジェンキンス＆カンパニー*アルトゥーロ・エレーラ・トーマス・デーン・ギャラリー。
• アルトゥーロ・ヘレラ・コーベット vs. デンプシー