ピーター・プラゲンス

ピーター・プラゲンス（1941年生まれ）は、ニューヨークを拠点とするアメリカの芸術家、美術評論家、小説家である。^{[1] [2] [3]}彼は、長年にわたるアートフォーラム^[4]とニューズウィーク（1989-2003年、主任記者兼美術評論家）^[5]への寄稿と、評論家が驚くほど一貫性があると評する^[6] 50年にわたる抽象形式主義絵画^[7]で最も広く知られている。プラゲンスは、美術に関する3冊の本、Bruce Nauman: The True Artist（2014年）^[8]、 Moonlight Blues: An Artist's Art Criticism（1986年）^[9]、Sunshine Muse: Modern Art on the West Coast, 1945-70（1974年）^[10]と、2冊の小説、The Art Critic（2008年）^[11]とTime for Robo（1999年）を執筆している。^[12]彼は絵画（ジョン・サイモン・グッゲンハイム財団、^[13] 全米芸術基金）と執筆（アンディ・ウォーホル財団、全米芸術基金）の両方で主要なフェローシップを受賞しています。 ^{[14] [15]プラゲンスの作品は、}ニューヨーク近代美術館、^[16] ロサンゼルス郡立美術館（LACMA）、ホイットニー美術館、PS1での総括展や、ハーシュホーン美術館とラスベガス美術館での個展で取り上げられています。^{[17] [1]} 2004年、USCフィッシャーギャラリーは彼の30年間の巡回回顧展を企画し開催しました。^[15]批評家たちは、彼の芸術が作り出す純粋に視覚的な対話（多くの場合、答えよりも多くの疑問を生み出す）と、彼の執筆の直接性とを対比させています。^[18]また、批評家としての署名記事の知名度が、彼の芸術制作を不当に覆い隠してしまうことがあると主張しています。^{[2] [19] [7]} ロサンゼルス・タイムズの評論家デイヴィッド・ペイゲルは、プラゲンスの絵画を「高尚な洗練さと日常のぎこちなさの融合」と評し、ウィレム・デ・クーニングの作品に例えた知的な才覚、スノッブさや不格好さへの軽蔑を添えた。^[6] 2018年のプラゲンスの展覧会を評して、^[20] ニューヨーク・タイムズの評論家ロバータ・スミスは、この展覧会を「対照的な形式主義戦略の目をくすぐるサンドイッチ」と呼び、10年にわたる集中的な実験の苦労して得た結果であると述べた。^[2]

プラゲンスは1941年にオハイオ州デイトンで生まれ、ロサンゼルスで育った。^[1]南カリフォルニア大学に入学し、絵画を専攻（BFA、1962年）し、デイリー・トロイアン紙に漫画を描いた。^{[21]南カリフォルニア大学を卒業したプラゲンスは、}ハンス・ホフマン、ウィレム・デ・クーニング、リチャード・ディーベンコーン、エルマー・ビショフに影響を受けた抽象画家となったが、大学院で学んだシラキュース大学（MFA、1964年）のやや保守的な絵画学部とは意見が合わなかった。^[21] 1965年にカリフォルニアに戻り、ロングビーチ美術館で学芸員補佐に就任。その後すぐに、ロサンゼルスのアートシーンに遅れを取らないため、アートフォーラムの編集者フィル・ライダーに評論家としての仕事（1件のレビュー5ドル）を求め^{[6] [4]} 1966年、プラゲンスはテキサス大学で教鞭をとり、1969年にカリフォルニア州立大学ノースリッジ校に着任するまでその職に留まった。同大学では1978年まで教鞭をとり、その後カリフォルニア大学バークレー校（1972年）、南カリフォルニア大学（1978～80年）、ノースカロライナ大学（1980～84年）でも教鞭をとり、ノースカロライナ大学では美術学部長も務めた。^[1]

カリフォルニア州立大学在学中、プラゲンスは画家のウォルター・ガブリエルソンと、パサデナの芸術家ブルース・ナウマンと同じブロックにある3,000平方フィートのスタジオを共有していた。1975年にはナウマンの短編映画『Pursuit』に出演した。 ^{[1] [22] [23]}プラゲンスは1967年にプロとして展示を始め、1971年にはLACMAの展覧会「24 Young Los Angeles Artists」や1972年のホイットニー・ビエンナーレに出展した。^{[24] 1975年以来ニューヨークのナンシー・ホフマン・ギャラリーで展示を行っているほか、ロサンゼルスのジャン・バウム・ギャラリー（1977年 - 1992年）やシカゴの}ジャン・シセロ・ギャラリー（1986年 - 1998年）でも定期的に展示を行っている。^{[15] [25] [26] [27]} 2004年に南カリフォルニア大学で行われた回顧展は、シカゴのコロンビア大学とアクロンのバトラーアメリカ美術館を巡回した。 ^{[28] [29]}プラゲンスは1981年に画家のローリー・フェンドリッチと結婚した。2人は1985年にニューヨーク市に移り住み、現在もそこに住みながら、市外にスタジオを構えている。^[30]

批評家のデイブ・ヒッキーは、とりわけプラゲンスを「決定的に抽象的な形式主義の画家」と評している。^[7]彼は流行に関わらず、モダニズムと抽象表現主義の構文、形式的な厳格さ、そして不協和音と矛盾の意図的な受容（例えば、鋭い幾何学と雑然とした身振りによる抽象化、「幸運な偶然と大量の修正」^[30]、美しさと意図的な不格好さ[31]など）に作品を根付かせてきた。^{[18 ] [32]}デイビッド・ペイゲルは、プラゲンスの2004年の回顧展は「洗練された無精ひげ」の抽象作品を頑固に貫く「驚くほど一貫した弧」を描いたと書いている。^[6]プラゲンスは即興で作品を制作し、時には失敗の瀬戸際にまで絵画を押し上げることがあると、彼自身も認めており、批評家もそう語っている。^{[3] [33] [21]}彼は自分の作品には象徴主義はないと主張する。しかし、彼は作品が完成すると、スタジオにいる間に考えていたことを示唆する謎めいたタイトルを付けることが多い。^[21]彼はキャリアを通じて、コラージュした写真、商業パッケージの断片、色とりどりのテクスチャのある紙などを取り入れ、絵画のスタイルと一致する紙の作品を制作してきた。^{[15] [33]}

プラゲンスの初期の作品は、くさび形を取り除いた円、ダイヤモンド、台形、細い「C」のようなリングなど、単一の強調された形状を特徴としており、鮮やかな赤オレンジやクリーム色の白のフィールドに配置され、キャンバスの端では不規則で柔らかい微妙な色の帯に分解されることもありました。^{[34] [15] [6]}クリーブランドの債務不履行（1979年）やキュビズムの風景（1980年）などのますますミニマルな作品は、バランスに関する従来のルールに挑戦し、優雅さとぎこちなさ、摩擦と調和の境界線を探る、慎重に調整された構成で知られています。^{[35] [7] [21] [32]} 1980年代半ばの重要な絵画作品である「Wheels of Wonder」（1985年）や「Wedge of Life」（1987年）^{[6]では、角張った偏心した多角形、より大きな表面の変化、そして}グレース・グリュックなどの評論家が「機知に富んだバランス感覚」と評した新しい動きの感覚が取り入れられている。^{[36] [32] [37]}この時期に、彼は「My Father Worked in Advertising」（1986年）というドローイングシリーズも制作しており、その縁の周りにまだら模様の抽象表現主義のような領域があり、その上に色と角張った不規則な形状のフィールドを描いたりコラージュしたりしている。^[15]

批評家は、1989年から2000年にかけてのプラゲンスの作品に、材料、マークメイキング、パレットのより広範な組み合わせの結果である、複雑さと即時性が構築されていると指摘した。^{[6] [38] [39]}ベントン・ウェイとサンセット、LA、6/28/55、午後1時40分（1989年）や悲劇的なニュースを学ぶ（1996年）などの絵画では、^[40]表現力豊かな滴とジェスチャー、自由な形のマークと形状が導入され、マイケル・キンメルマンは、アーシル・ゴーキーとリチャード・ディーベンコーンを思い起こさせる「ループするカリグラフィーの雄弁さ」があると書いた。^{[38] [41] [17]}特に注目すべきは、プラゲンスが主にオフホワイトとスレートグレーの背景に置いた、小さくて明るい色の不調和な幾何学的形状で、批評家はそれが彼のリズミカルな構成を「所定の位置に固定」していると示唆した。^{[38] [6] [32]}

2000年から2003年にかけて、プラゲンスは無題の紙の作品を2つの領域に細分化することで、より大きな緊張感を生み出そうとした。1つは灰色やカーキ色の背景に流動的で表現力豊かな形と線状の形を描き、もう1つは黒やオフホワイトの領域にぎこちなく硬い角の長方形を描いたものだった。^{[42] [15]}後年の絵画では、この細分化を省き、より集中化した構成を作り、平らで不規則な蛍光色に近い形を、対照的なジェスチャーの形やマークのニュートラルな下地に直接描いた。^[15]

2010年代、プラゲンスは自身のキャリアの中でも最高の評価を獲得した^{[2] [23] [33]。批評家たちはこれらの展覧会を「陽気で完成度の高い論説」 [3]}、あるいは白熱した「親密な談話」^[31]と形容し、単一の作品の中で相容れないスタイル、形式概念、絵の具の塗り方が共存する様子を探求した。これらの絵画（例えば、The Ides of OctoberやA Literary Sensibility、^[43]ともに2017年）や紙の作品には、3つの主な視覚要素が用いられていた。不透明なオレンジ、ピンク、ラベンダーグレー、またはアクアの大きな不規則なエッジの広がりによって部分的に覆い隠された、動きのある即興的な波線、ループ、緩いグリッドのフィールドで、その上にプラゲンスは「カラーバッジ」と名付けた6つまたは7つの明るい色の破片で作られた、エッジのきいた不規則な多角形を配置した。^{[33] [2] [44]}批評家は、これらのバッジが一貫した全体と流動的な部分、秩序と無秩序、自由と抑制の間の継続的な流動を仲介し、^{[33] [31]}不安定だが魅力的な「奇妙な調和」を確立したと示唆した。^[44]

プラゲンスの最近の紙の作品、例えば「The Sinister Man 2」（2018）は、主に中央集権的な構成に依存しており、コラージュされた写真や、テキストやグラフィックイメージが入った紙が色紙やペイントされた長方形のフィールドに囲まれている。^{[33] [45]}これらの作品は規模が小さく、構成の狂いが少なく、プラゲンスの絵画よりも親密さと悲痛さを表現していると考えられている。^{[33] [21]}

プラゲンスは50年以上にわたり著名な美術評論家として活躍し、芸術家や美術界に関する評論、エッセイ、記事を多数発表している。また、モノグラフ『ブルース・ナウマン：真の芸術家』（2014年）^[8]や美術評論の書籍2冊『ムーンライト・ブルース：芸術家の美術評論』（1986年）^[9]と『サンシャイン・ミューズ：西海岸の近代美術 1945-70』（1974年、2000年再版）^{[10] [46] の}著者でもある。他の評論家はプラゲンスの文章を「スタイリッシュで洞察力に富んだ」、「教養がある」、「直接的で率直」と評している^。 [ ²² ] ^{[ 18]} 1974年のニューヨーク・タイムズ紙の『サンシャイン・ミューズ』のレビューで、ヒルトン・クレイマーはプラゲンスを「アートフォーラム誌に登場した唯一の面白い作家」と評した。^[47] ロサンゼルス・タイムズの批評家クリストファー・ナイトは、プラゲンスのブルース・ナウマンに関するモノグラフは、アーティストとは何かという問いを「ウィット、洞察力、膨大な量の研究、そしてかなりの個人的経験」で探求していると書いている。 ^[22]他の評論家は、学術用語でアプローチされることの多いアーティストを一人称で、告白に近い形で取り上げたこの本を歓迎した。^{[48] [49] [50]} ニューヨーク・タイムズで「生き生きとして価値がある」と評されたサンシャイン・ミューズは、^[47] 1974年の出版以来、西海岸のアートとアーティストを研究する批評家によって頻繁に引用されている。^{[51] [52] [53]}

プラゲンスは1966年にアートフォーラムで執筆を始め、1971年に寄稿編集者となり、1974年にはウェストコーストの共同編集者となった。^[4] 1989年から2003年までニューズウィークの主任ライター兼美術評論家を務め、2010年まで寄稿編集者を務めた。 ^{[5] 2011年以降は}ウォールストリートジャーナルに評論や記事を執筆し、 2010年からは全米芸術ジャーナリズムプログラムのブログサイトARTiclesでブログを書いている。 ^{[15] [45]これまでに}ニューヨークタイムズ、ロサンゼルスタイムズ、アート・イン・アメリカ、 [ ^54] ARTnews、^[55] Art+Auction、ザ・ネイション、^[56] LAウィークリー、ブックフォーラムなど、多数の出版物に寄稿している。^{[15] [57]}プラゲンスは、ジム・デフランス、^[58] トニー・デラップ、^[59] ドン・ガマー、^[60] ロン・リンデン、^[61] ニック・ミラー^[57]エドワード・ルシェ^[62]といったアーティストのカタログエッセイを執筆しており、展覧会「クレイのテクトニックシフト：ジョン・メイソン、ケン・プライス、ピーター・ヴォルコス、1956-1968」^[63]や「パサデナからサンタバーバラへ」（ともに2012年）のカタログエッセイも執筆している。^[64]

プラゲンスはまた、2つの小説『The Art Critic』（2008年）^[11]と『Time for Robo』（1999年）^{[12]を執筆している。} 『Time for Robo』には、タイムトラベル、知覚、現実の性質、そして時間の終わりなどのテーマが盛り込まれている。評論家たちは、そのテーマと「チャイニーズボックス」、物語の中に物語があるスタイルを、トーマス・ピンチョン、カート・ヴォネガット、ジム・ドッジ、ロバート・クーヴァーの小説と比較した。^{[65] [12]} 『The Art Critic』（2008年）は、著名な美術評論家、現代彫刻家、美術出版アシスタントの視点から、現代​​のニューヨークの美術界を風刺したロマン・ア・クレフ^{である。 [66] [67]}

プラゲンスは、芸術と執筆の両方で主要な芸術機関から評価を受けており、ジョン・サイモン・グッゲンハイム財団（1972年）、^[13]全米芸術基金（1985年、1977年）、ヒューストン美術館のブラウン財団（2009年、2017年）から絵画フェローシップを授与されています。^[68]彼の著作は、アンディ・ウォーホル財団（クリエイティブ・キャピタル・アーツ・ライターズ・グラント、2008年）^[69]および全米芸術基金（美術批評、1973年）からフェローシップを授与されており、1998年にはコロンビア大学の国立芸術ジャーナリズム・プログラムの4人のシニアフェローの1人でした。^{[70] [45]}プラゲンスの作品は、ヒューストン美術館^[71]、ハーシュホーン美術館と彫刻の庭^{[72] 、} デンバー美術館、サンディエゴ現代美術館、ボルチモア美術館、オルブライト・ノックス美術館^[73] 、ニューメキシコ博物館^[74]、アクランド美術館^[75]など、多数の公共および企業のコレクションに収蔵されています。^{[1] [15]}

• ピーター・プラゲンスのウェブサイト
• ピーター・プラゲンス文書、1938-2014。カリフォルニア州オンラインアーカイブ
• Vasari21 とのインタビュー
• ピーター・プラゲンス、ナンシー・ホフマン・ギャラリー