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宮川香山（1842年 - 1916年）は日本の陶芸家。皇室御用達の陶芸家であり、明治時代を代表する陶芸家の一人。1876年から1913年にかけて、万国博覧会や全国産業博覧会を含む51の展覧会で受賞した。 [ 1 ]本名は宮川虎之助。[ 2 ]海外では真葛香山としても知られている。
宮川は京都を拠点とする陶芸家の家系に生まれた。父の宮川長造（1797年 - 1860年）、真葛長造（まくず ちょうぞう）は青木木米（1767年 - 1833年）に師事した。青木の死後、京都祇園の真葛ヶ原に居を構えた。真葛という名は真言宗の僧侶、安井宮から授けられ、高山という名は知恩院の華長宮から授けられた。どちらの名も皇室とつながりのある門関（宮主）であった。[ 3 ] [ 4 ]
宮川虎之助は一家の四男であった。[ 5 ]真葛光山として、1860年、18歳で家業を継いだ。彼は9歳から地元の文人画家、後の池の大画四世大我堂に師事していた。当初は父と同じように茶道具を作っていた。1860年代後半には、他所へ移るよう誘われるようになった。小松立脇からの誘いは実現しなかったが、備前近郊の伊木家の窯で働くよう、当主の伊木忠純から誘われ、1867年にそれを受け入れた。その窯は、現在の瀬戸内市奥町にある無虫上であった。光山はそこで2年間、青花磁器の制作に従事した。[ 6 ] [ 7 ]
光山が備前で活動していた時期は、明治維新の政治的変化と重なっていた。1870年、彼は条約港として新たに開港した横浜に工房を設立した。薩摩焼の輸出に関心を持っていた東京の商人、梅田半之助の誘いを受けて関東に移った。この取引には、梅田の義弟である鈴木安兵衛が事業面で関わり、鈴木は窯の資金援助を行った。1876年に大火災が発生した後、光山は自費で再建し、共同経営から独立した。数年後、鈴木は破産し、光山はその後、自分の名義で製造したものを販売した。[ 8 ]
この頃の横浜はまだ漁村の面影を残しており、陶芸はおろか工芸の伝統さえなかった。鈴木は光山のために西大田（現在の横浜市中央区の加納台）に約0.3ヘクタールの土地を見つけた。そこに建てられた窯は太田窯と名付けられた。関東地方は良質な粘土も乏しく、当初光山は材料を求めて広範囲に探さなければならなかった。京都から4人の弟子を連れてきた光山は、1872年までに最初の問題を克服し、地元の男女を多数採用して工房を拡大した。[ 9 ]この時期は、近代薩摩焼が骨董品として輸出するために酷評されていた時期であり、ポラードは、少なくとも1876年までは、真葛工房が不正取引に関与していたというフランク・ブリンクリーの主張には真実味があったと考えている。[ 10 ]ヨハネス・ユストゥス・ラインは1870年代半ばにこの工房を訪れた。[ 11 ]
明治維新は窯業の旧来の規制と資金調達の崩壊をもたらした。光山は工芸品を含む産業発展の後継政策の先頭に立ち、それを工芸工業と呼んだ。[ 12 ]彼は1876年のフィラデルフィア万国博覧会で、後の作品を予感させる高浮彫りの器を含む幅広い陶磁器を出品した。[ 11 ]その後数年間、シンシナティでは日本の陶磁器に大きな注目が集まり、ジャポニズムはルークウッド陶器会社にまで及んだ。光山はまた、1877年の東京万博で薩摩焼とは全く異なる独自の作風を大きく発展させた。[ 13 ]この博覧会で天皇が光山の壺に触れたことが、この芸術家を有名にした瞬間となった。[ 14 ] 1889年のパリ万国博覧会で、彼は変質釉薬で金メダルを獲得した。[ 15 ] 1893年のシカゴ万国博覧会では、精巧な炻器の花瓶一対で工房が名誉金メダルを獲得した。[ 16 ]
パリ万国博覧会（1900年）では、日本の陶磁器全般は振るわなかった。光山は、一対の大きな炻器の花瓶と洗面器で唯一のグランプリを受賞した。技術的に高度なこの作品は、農商務省の支援を受けて制作された。彼の他の出品作品は、革新的なデザインと西洋の趣味への理解を示していた。[ 17 ]彼は健康問題や金銭問題を抱えながらも、生涯を通じて特に釉薬の研究を続けた。[ 18 ]
1910年の日英博覧会では、光山の花瓶が「芸術的にも技術的にも完璧な作品であり、線は非常にシンプルで、形は古典的で、我が国の誇りである比類なき菊のデザインは非常に芸術的である」と評された。[ 19 ] 1911年には、皇室がベルギー国王への贈り物として花瓶を依頼した。[ 20 ]
高山の初期の作品の最も特徴的な点は、立体的な彫刻がかつてないほど多く施されていたことである。この立体的な装飾技法は高浮彫と呼ばれた。これは、金を用いて立体的な形を作るのに高い生産コストがかかる薩摩焼に比べて、低コストで立体的な形を作ることができる画期的な技法であった。猛禽類や鳩などの鳥類、熊や猫などの哺乳類、蟹などの甲殻類、桜やブドウなどの植物、鬼や擬人化されたカエルなどの架空の生き物が彫刻のモチーフとして頻繁に用いられた。[ 21 ] 1890年代には、高山は各作品に複数の下絵具の色を組み合わせた装飾様式を発展させた。[ 22 ]この10年間、彼は実験を続け、下絵具の技術的な洗練度を高めていった。[ 23 ] 1900年から1910年の10年間で、西洋の影響を反映して、作品の形状と装飾に大きな変化が見られた。[ 24 ]また、釉薬の研究と完成度を精力的に追求した結果、作品は平坦で色彩豊かで透明なデザインへと変化した。彼の作品は、西洋における日本デザインに対する認識に大きな影響を与えた。[ 25 ]彼は時折、清朝のデザイン、特に龍のモチーフを用いた。[ 26 ]
光山の後継者は養子の宮川半之助（半山）（1859年 - 1940年）で、二代目真葛光山として知られる。[ 28 ]半之助の父は家督相続人の長平で、長平は父の宮川長蔵の死後まもなく亡くなった。[ 6 ]横浜にあった真葛家の店は1945年の爆撃で破壊された。[ 29 ]四代目真葛光山（宮川友之助、1884年 - 1959年）は第二次世界大戦後も苦労しながらも店を続けた。[ 30 ]
高山が京都を去った後、真葛の事業は長蔵の従業員であった善王治兵衛耕斎（1846年 - 1922年）によって引き継がれた。彼は宮川耕斎という名を名乗り、伝統的な茶道具の系統を維持した。一族は20世紀末まで活動を続けていた。[ 31 ]
耕山の作品の最大のコレクターは田辺哲人であり、数百点の作品を所有している。2016年にはサントリー美術館で耕山の作品の最大規模の展覧会が開催され、ほぼ田辺氏が所有する作品のみで構成された。[ 21 ]横浜在住のコレクターである山本博司氏は、真葛焼ミュージアムを運営し、自身のコレクションの一部を展示したり、真葛焼の写真集を出版したりしている。[ 32 ]
現在、高山の作品は80点以上がハリリ日本美術コレクションに所蔵されている。[ 33 ] [ 34 ]そのうちのいくつかは、1999年に米国で開催された「明治の輝き：帝国日本の至宝」展に出品された。 [ 34 ]