Loading article…
シャンタル・アンヌ・アケルマン（フランス語: [ ʃɑ̃tal akɛʁman ]、1950年6月6日- 2015年10月5日）は、ベルギーの映画監督、芸術家であり、ニューヨーク市立大学の映画教授（2011年 - 2015年）であった。[ 1 ] [ 2 ]
アッカーマンは、映画『Je Tu Il Elle』（1974年）、『Jeanne Dielman』、『23 quai du Commerce』、『1080 Bruxelles』（1975年）、『News from Home』（1976年）で最もよく知られています。これらのうち2作目は、Sight & Sound誌の2022年の「史上最高の映画」批評家投票で史上最高の映画に選ばれ、彼女は同投票でトップになった最初の女性となりました。他の2作品も同じ投票に登場しました。[ 3 ] [ 4 ] [ 5 ] [ 6 ] [ 7 ]
アッカーマンはベルギーのブリュッセルで、ポーランド系ユダヤ人の両親のもとに生まれた。両親はともにナチス・ドイツからのホロコースト生存者だった。[ 1 ]彼女にはシルヴィアン・アッカーマンという唯一の兄弟姉妹がいた。母親のナタリア（ネリー）はアウシュヴィッツで何年も生き延びたが、そこでは彼女の両親も殺害された。[ 8 ]幼い頃からアッカーマンと母親は非常に親密で、母親は彼女に若くして結婚するよりもキャリアを追求するように勧めた。[ 9 ]
18歳の時、アッカーマンはベルギーの映画学校である国立高等映像芸術・拡散技術研究所に入学した。彼女は最初の学期中に中退し、短編映画『Saute ma ville』を制作した[ 10 ] 。その資金はアントワープ証券取引所でダイヤモンド株を取引することで得た[ 11 ] 。
15歳の時、アッカーマンはジャン＝リュック・ゴダールの『ピエロ・ル・フー』（1965年）を観て、映画監督になることを志した。アッカーマンの最初の短編映画『Saute ma ville』（1968年）は、1971年にオーバーハウゼン国際短編映画祭で初公開された。 [ 12 ]同年、彼女はニューヨーク市に移り住み、1972年までそこに滞在した。彼女はニューヨークでの時間を、アンディ・ウォーホル、ジョナス・メカス、マイケル・スノウの作品に触れた形成期の経験と考えており、特にスノウの映画『La région centrale』は、「映画において最も重要なのは時間である」という彼女の見解につながった。また、この時期に、彼女は撮影監督のバベット・マンゴルテとの長きにわたるコラボレーションを開始した。[ 11 ]
彼女の最初の長編映画であるドキュメンタリー映画『ホテル・モントレー』（1972年）と短編映画『ラ・シャンブル1』『ラ・シャンブル2』は、長回しや構造主義的な手法を用いており、これらは彼女のスタイルの特徴となる。[ 11 ]
その後、アッカーマンはベルギーに戻り、1974年に初の長編劇映画『私、あなた、彼、彼女』で批評家から高い評価を受けた。この作品は女性のセクシュアリティを描いたことで知られ、このテーマは彼女のいくつかの作品で再び登場することになる。[ 11 ]フェミニストでありクィア映画研究者のB・ルビー・リッチは、『私、あなた、彼、彼女』は「女性のセクシュアリティの映画的ロゼッタストーン」と見なすことができると信じていた。[ 13 ]
アッカーマンの最も高く評価された映画『ジャンヌ・ディールマン、コメルス河岸23番地、1080 ブリュッセル』は1975年に公開され、中年の未亡人の家事と売春の日常をほぼリアルタイムで描いた作品である。[ 11 ]映画の公開時、ル・モンド紙は『ジャンヌ・ディールマン』を「映画史における女性性の第一の傑作」と評した。 [ 14 ]学者イヴォンヌ・マルギュリーズは、この映画はフェミニズムと反イリュージョニズムを結びつける映画的パラダイムであると述べている。[ 11 ]この映画はヴィレッジ・ヴォイスのJ・ホーバーマンによって20世紀の19番目に偉大な映画に選ばれた。[ 15 ] 2022年12月、批評家による投票で、 Sight & Sound誌の「史上最高の映画トップ100」リストでジャンヌ・ディールマンが1位を獲得し、自転車泥棒、市民ケーン、めまいに次ぐ4番目の映画となった。ジャンヌ・ディールマン、23 Quai du Commerce、1080 Bruxellesは、女性監督の映画として初めてリストのトップに立ち、 Beau Travailとともに、トップ10入りした最初の2本の映画のうちの1本となった。[ 4 ] [ 5 ] [ 6 ] [ 7 ] [ 16 ] [ 17 ]
アッカーマンは、キッチンという設定を用いて、女性らしさと家庭生活の交錯を探求してきた。彼女の作品におけるキッチンは、親密なつながりや会話の場を提供し、日常生活のドラマの背景として機能する。キッチンは、他の家庭空間と同様に、家父長制的な状況下で自己を閉じ込める牢獄として機能する。[ 18 ]アッカーマンの作品では、キッチンはしばしば家庭劇場として機能する。[ 19 ]
アッカーマンは通常、フェミニストやクィアの思想の中に位置づけられるが、彼女は本質主義的なフェミニズムとは距離を置いていることを明確にした。[ 20 ] [ 21 ]アッカーマンは「女性」「ユダヤ人」「レズビアン」といった自身のアイデンティティに関するレッテルを拒否し、代わりに娘としてのアイデンティティに没頭することを選んだ。彼女は映画を「アイデンティティの境界からの自由を生み出す場」と捉えていると述べた。[ 22 ]彼女は表現の多様性を提唱し、「フェミニスト映画の言語があると言う人は、女性が自分自身を表現する方法は一つしかないと言っているようなものだ」と説明した。[ 20 ]アッカーマンにとって、映画言語は個人の数だけ存在する。[ 22 ]
マーギュリーズは、アッカーマンの分類への抵抗は、映画初期の本質主義的リアリズムの硬直性に対する反応であり、「映画の超歴史的かつ超文化的フェミニスト美学のプロジェクトへの意識を示している」と主張している。[ 20 ]
アッカーマンは、個人的なことは政治的なことであるというフェミニストのモットーを扱いながら、私的なものと公的なものの間の表象的なつながりを調査することでそれを複雑化させている。[ 20 ]『ジャンヌ・ディールマン』では、主人公は固定された社会現実の透明で正確な表象を提供していない。[ 20 ]映画全体を通して、主婦であり娼婦でもあるジャンヌは、複数の歴史的、社会的、映画的な共鳴を持つ構築物であることが明らかになる。[ 20 ]
アッカーマンは写実的な表現に取り組んでおり、それは歴史的にフェミニストのジェスチャーとして機能すると同時に、「女性」という固定されたカテゴリーに対する「刺激物」として機能する形式である。[ 20 ]
アッカーマンの後期の作品では、コメディ映画『ゴールデン・エイティーズ』（1986年）やいくつかのドキュメンタリーなど、さまざまなジャンルやテンポを試みた。[ 11 ] 2013年には、母親の晩年を描いた回想録『Ma mère rit 』（「私の母は笑う」）を出版した。 [ 23 ]ダニエラ・シュライアーによる英訳版は2019年に出版された。[ 24 ]彼女の最後の映画『ノー・ホーム・ムービー』は2015年に公開された。[ 1 ]
1991年、アッカーマンは第41回ベルリン国際映画祭の審査員を務めた。[ 25 ] 2011年、彼女はニューヨーク市立大学のメディア芸術制作修士課程の専任教員に就任し、著名な講師および初代マイケル＆アイリーン・ロス映画・ビデオ・ユダヤ学客員教授となった。[ 26 ]アッカーマンはまた、ヨーロピアン・グラデュエート・スクールの映画教授も務めた。[ 27 ]
アッカーマンの個展は、ベルギーのアントワープ現代美術館（2012年）、マサチューセッツ州ケンブリッジのMIT（2008年）、イスラエルのテルアビブ美術館（2006年）、ニュージャージー州プリンストンのプリンストン大学美術館（2006年）、パリのポンピドゥー・センター（2003年）で開催された。アッカーマンはドクメンタXI（2002年）とヴェネツィア・ビエンナーレ（2001年）にも参加した。
2011年、オーストリア映画博物館でアッカーマンの作品の回顧上映が行われた。[ 28 ]
2015年のヴェネツィア・ビエンナーレでは、彼女の最後のビデオ・インスタレーションである「Now」が展示された。これは、後に「No Home Movie」に登場する風景の映像を映し出す、並行に配置されたスクリーンのインスタレーションである。[ 29 ] 2018年、マンハッタン・ユダヤ博物館は「Scenes from the Collection」展でこのインスタレーションを展示し、彼女の作品をコレクションに加えた。[ 30 ] パリのマリアン・グッドマン・ギャラリーは、2022年初頭に「From the Other Side (2002)」と「Je tu il elle, l'installation (2007)」を展示した。 [ 31 ]
アッカーマンの撮影スタイルは、日常の生活を捉えることに依拠している。ゆっくりとしたペースで観客に忍耐を促すことで、彼女の映画は日常の人間性を強調している。[ 32 ]美術キュレーターのキャシー・ハルブライヒは、アッカーマンは「待つこと、通過すること、延期された解決の映画を創造する」と書いている。[ 33 ]
アッカーマンの映画の多くは、人々が距離を越えて移動する様子や、閉塞感のある空間に没頭する様子を描いている。[ 22 ]キュレーターのジョン・デイヴィスは、彼女の家庭的な室内は「性別に基づく労働と暴力、秘密と恥を隠蔽し、大小さまざまなトラウマがほとんど、あるいは全く目撃者のいないところで展開される」と書いている。[ 22 ]アッカーマンは、映画的言説に常に存在する覗き見趣味に、しばしば映画の中で登場人物を演じ、カメラの両側に同時に身を置くことで対処している。[ 22 ]彼女は構造主義の退屈さを利用して、時間の経過を強調し、観客に身体的な感覚を生み出した。[ 22 ]
アッカーマンは、ヨーロッパのアート映画や構造主義映画から影響を受けた。[ 22 ]構造主義映画は、形式主義的な実験を用いて、映像と観客の相互関係を提案した。[ 22 ]アッカーマンは、構造主義のインスピレーション源としてマイケル・スノーを挙げており、特に彼の映画『波長』は、ロフトの壁に貼られた海の写真をカメラがゆっくりとズームインしていくワンショットで構成されている。[ 22 ]アッカーマンは、構造主義が主流の映画における筋書きへのこだわりを拒否したため、その退屈さに惹かれた。[ 22 ]ブリュッセルで十代の頃、アッカーマンは学校をサボって映画を観に行き、クノック＝ル＝ズート実験映画祭の作品も観ていた。[ 22 ]
美術史家のテリー・スルタンは、アッカーマンの「物語はプルースト的な細部へのこだわりと視覚的な優雅さによって特徴づけられている」と述べている。[ 34 ]同様に、アッカーマンの視覚言語は簡単に分類したり要約したりすることを拒む。彼女はプロット展開ではなく、映画的な構文を通して物語を作り出す。[ 32 ]
多くの監督が、アッカーマンの演出スタイルが自分たちの作品に影響を与えたと述べている。[ 18 ]ケリー・ライカート、ガス・ヴァン・サント、ソフィア・コッポラは、リアルタイム撮影の探求をアッカーマンへのオマージュとして挙げている。[ 18 ]アーティストのタシタ・ディーンは、アーティストのアマドゥールとの対談で、ジャンヌ・ディールマンを「絶対的な傑作」と呼び、アッカーマンの作品に対する相互の敬意と、彼女の作品が美術史に与えた影響について語った。[ 35 ]
アッカーマンは母親と非常に親密な関係を築いており、それは彼女のいくつかの映画にも描かれている。『ニュース・フロム・ホーム』（1976年）では、アッカーマンの母親が日常の家族の活動を記した手紙が映画全体を通して流れる。[ 36 ] 2015年の映画『ノー・ホーム・ムービー』は母娘の関係を中心に描いており、主に母親のキッチンを舞台としており、2014年に母親が亡くなる数ヶ月前に撮影された。[ 22 ]この映画は輪廻転生の問題を探求しており、[ 22 ]映画の最後のショットは母親のアパートのメメント・モリとして機能している。 [ 36 ]
アッカーマンは、母親が自身の作品の中心にいることを認め、母親の死後、方向性を見失ったと告白した。母親のイメージは、アッカーマンのすべての映画に見られ、母親へのオマージュであり、母親のイメージと声を再構築しようとする試みである。自伝的書籍『ブリュッセルの家族』では、アッカーマン自身が母親の声と自分の声を交互に用いて物語を語っている。[ 36 ]
アッカーマンは2015年10月5日、パリで65歳で自殺した。彼女の最後の映画はドキュメンタリー『ノー・ホーム・ムービー』で、母親の死の直前に母親と交わした一連の会話を記録したものである。この映画について彼女は「もし自分がこれをやるつもりだと知っていたら、あえてやろうとは思わなかっただろう」と語っている。[ 37 ]
アッカーマンの妹によると、彼女はうつ病で入院した後、亡くなる10日前にパリの自宅に戻っていたという。[ 1 ]
{{cite web}}: CS1 maint: 数値名: 著者リスト (リンク){{cite book}}: CS1メンテナンス: パブリッシャーの場所 (リンク){{cite book}}: CS1メンテナンス: パブリッシャーの場所 (リンク)
ウィキメディア・コモンズにあるシャンタル・アケルマン関連のメディア