カンディダ・アルバレス

1980年代、アルバレスは主に、都市での経験とプエルトリコの伝統を題材にした具象絵画を制作し、肖像画、風景画、文字、個人的な図像を融合させた。^{[ 22 ] [ 33 ] [ 34 ] [ 17 ]}彼女はしばしば家族を描いた。「彼は夢を見るのが好きだった」 （1985年）は、平面、鋭角、レリーフのイメージを組み合わせた混合様式の作品で、彼女の父親を描いた。^{[ 35 ] [ 20 ]} 3枚のパネルからなる祭壇画のような作品「座る、立つ、ひざまずく」（1986年）や「私はプエルトリコ人」（1989年）などの絵画は、役割やアイデンティティを模索する受動的、義務的、用心深い、あるいはますます力強くなる女性主人公を描いた。^{[ 31 ] [ 3 ] [ 25 ]}批評家たちは、色彩とイメージに満ちた自己と伝統的な家族生活のこれらの啓示を、内省的で、憂鬱で、感情に満ちており、マジックリアリズム、素朴派芸術、または告白詩を彷彿とさせると特徴づけた。^{[ 22 ] [ 31 ] [ 3 ]} Arts Magazine のペギー・サイファーズは、それらをマルク・シャガールとパウル・クレーの芸術になぞらえた。^{[ 34 ]}

その後の作品で、アルバレスは構造的かつ物語的な装置として機能する新しいミクストメディア素材、テクスチャ、マルチパネル形式を試した。^{[ 17 ] [ 31 ]}ブロンクス美術館（1992年）とニューブリテンアメリカ美術館（1996年）での彼女の個展では、有機的または内的な成長のテーマを喚起する、基本的な人間の形と抽象的な原始的なエネルギーのマルチイメージ絵画が展示された。^{[ 24 ] [ 36 ] [ 37 ]}ニューヨークタイムズの評論家ホランド・コッターは、「叙情的で絵画的な作品」は「暗闇から光へ、断片化から全体性へ」の進歩を描き、人間の姿と自然の力との関係についての曖昧さから力を得ていると書いた。^{[ 36 ]}パネルは連続する内部通路を暗示すると同時に、外部の準建築的な空間としても機能し、彼女が子供の頃に眺めていた14階建ての公営住宅の窓を暗示している（例：Sisters IとSisters 2、1992年；Sixteen Stories、1996 年）。^{[ 37 ] [ 18 ] [ 25 ]}この作品は、後に彼女がミニマリストの連続性とジェスチャー的抽象性に関心を抱くようになることを予見していた。^{[ 2 ]}

イェール大学在学中、アルバレスは色彩理論を学び、ミニマリストでコンセプチュアル・アーティストのソル・ルウィットとの友情の影響もあって、直感的なプロセス、パズル、ゲームを使った実験を始めた。^{[ 19 ] [ 2 ] [ 18 ]}これらの戦略は彼女の作品を抽象化へと導き、明らかに自伝的な側面を再構築しつつ、プロセスとインスピレーションの源泉への注意を維持した。^{[ 25 ] [ 18 ]}ペニーとカラフルな球体を点つなぎの図案のノードとして組み込んだ「Tossing Pennies」 （1995年）のような絵画は偶然によって決定されたものであり、同様に鮮やかでグラフィックな作品では、文字と数字を構成システムとして使用した（例：LouiseまたはJimmy、いずれも1996年）。^{[ 2 ] [ 25 ]}

2000年代、アルバレスの作品は、装飾的な視覚性と、現代的なスタイルを横断するポストモダン的な多様性を特徴としている。^{[ 38 ] [ 30 ] [ 31 ] [ 2 ]}彼女のTBA Exhibition Spaceでの展覧会（2005年）では、風変わりな落書きのようなドローイングと、おもちゃ、記念品、個人的な歴史を想起させる大きな布作品が展示された。セリア・ミア（2000～2001年）などのドローイングでは、花柄と幾何学模様、テキスト、遊び心のあるキャラクターが並置され、布作品では、黒い綿のカーテンのような正方形に黒い刺繍糸で縫い付けられた大胆な黒い形と線でそのような人物が描かれている。^{[ 38 ]}

アルバレスのその後の展覧会「Mambomountain」（ハイドパーク・アートセンター、2012年）、「Here」（シカゴ文化センター、2017年）、「Estoy Bien」（モニーク・メロッシュ・ギャラリー、2020年）、「Palimpsest」（GAVLAKロサンゼルス、2021年）は、絵画に重点を置いたものとなっている。^{[ 39 ] [ 3 ] [ 26 ] [ 40 ]} mary in the sky with diamonds（2005年）、arroz amargo（2010年）、hi ho silver （2008年）などの記念碑的な作品では、テクスチャ、アイデア、ポップカルチャーの断片が詰まった、変化に富んだレイヤード表面を作り出した。^{[ 2 ] [ 30 ] [ 41 ]} New Cityは、後者の絵画の波打つような形、うねる線、テキストの断片を「ミキサーで細かく刻まれた漫画」に例えた。^{[ 31 ]}「Here」回顧展では、40年にわたる約60点の作品が展示された。展覧会は時系列にとらわれず、つながりを生み出すように構成され、コム デ ギャルソンとのコラボレーションで使用された作品から派生した「カモフラージュ」の幅木モールディングが全体に施され、統一感を生み出した。^{[ 25 ]}新作には、内側と外側、感じることと見ることの間の微妙な遊び（例：夕日を見ながら村上春樹を聴く、2016年）や、モダニズムのグリッドの厳格さと権威に対する気まぐれな挑戦が含まれていた。^{[ 2 ] [ 3 ]}後者の例としては、予測可能な市松模様、何気なく曲がりくねった網目、金色のグリッター、スクリプトテキストを組み合わせた「Remembering Sol LeWitt 」（2016年）や、展示スペースのタイル張りの床をベースにした、後退し、わずかに傾いた彩度の高い平行四辺形のパターンで空間的に方向感覚を失わせる「Rainbows on my Studio Floor」（2016年）などがある。^{[ 2 ] [ 31 ] [ 3 ] [ 25 ]}

「Estoy Bien」（「私は大丈夫」）展では、複数の視覚的表現を用い、喪失（彼女の父親の最近の死）、季節のサイクル、気候変動の影響、特にハリケーン・マリアによるプエルトリコの壊滅的な被害を題材とした、両面の大型「エア・ペインティング」が展示された。^{[ 41 ] [ 29 ]}絵画は半透明のPVCメッシュ素材で作られ、自立式のアルミフレームから吊り下げられていた。彼女はスタジオでの制作活動でデジタル加工した画像をメッシュにコラージュして印刷し、ラテックスインク、グリッター、絵の具をジェスチャー的に塗布して修正し、幾何学的で迷彩のような形のフィールドを描いた（例：Here to There、2018年）。^{[ 26 ] [ 1 ]}

展覧会のタイトル作品である「Estoy Bien」は、サンゴ、アクアブルー、白の絵の具の抽象的な飛沫が特徴的な、鮮やかなパステルカラーの作品で、エル・ムセオ・デル・バリオが史上最大規模で開催する現代ラテン系アーティスト作品の初の全国調査「Estamos Bien — La Trienal 20/21」の名称とテーマのインスピレーションとなった。^{[ 42 ] [ 28 ] [ 43 ]}ニューヨーク・タイムズの評論家ホランド・コッターは、アルバレスのタイトルを複雑で「皮肉が込められており、回復力と苦味の両方を示唆する言葉」と評した。^{[ 44 ]}美術館はこれを「反抗的な回復力の宣言であり、挑発であり、皮肉と肯定的なトーンが混ざり合っている」と評した。^{[ 45 ]}アルバレスも参加したこの展覧会は、42人のアーティストやコレクティブの作品を通して、権力システムに立ち向かい、アイデンティティ、構造的人種差別、移民、避難、気候変動、生態学的正義を検証した。^{[ 46 ] [ 47 ] [ 45 ]}

「パリンプセスト」絵画（2021年）では、アルバレスは「エア・ペインティング」と同様の手法を用い、ドローイングをスキャンして印刷し（この場合は片面キャンバスに）、その後、透明なレイヤーを連続的に重ねて最初のイメージを消し去り、混ざり合うことで、複雑な動作と時間の記録を作り出した。^{[ 40 ]}

エル・ムセオ・デル・バリオは、2025年4月24日から2025年8月3日まで、カンディダ・アルバレス：サークル、ポイント、フープ^{[ 48 ] [ 49 ]}展で彼女の作品を展示した。この展覧会では、絵画や彫刻を含む彼女の50年にわたるキャリアからの作品が展示された。