バーバラ・タケナガ

2000年代初頭、竹永は抽象表現に専念し、一定の形式に基づいて控えめなスケールのバリエーションを制作した。中心から少しずれた焦点から放射状に広がる、または渦巻く求心性または遠心性のパターンが、夜空や天体の形を想起させる全面フィールドを形成する（例：『夜景』、2001年）。^{[ 9 ] [ 2 ] [ 31 ]}ニューヨーク・タイムズの評論家ケン・ジョンソンは、これらの絵画を「視覚的に魅力的で、銀河や精神的な光の中心を光速で旅しているような、群がる宇宙的な感覚を超越的に示唆している」と評した。^{[ 9 ]} 2001年後半の作品は、母親の死後、悲しみの影の中で制作された。彼女は両親の記憶を、幽玄な作品「静江」と「俊雄」に永遠に刻み込んだ。それらは、星雲のような青い背景に同心円状の点と螺旋が明るく放射状に広がる星座であり、死と視覚的な陶酔の両方を伝えている。^{[ 23 ] [ 9 ]}

『アート・イン・アメリカ』のロバート・クシュナーなどの批評家は、マッケンジー・ファイン・アートでの展覧会（2003年、2005年）で竹永の表現語彙が拡大したことを指摘し、彼女が自ら課した厳しい制約の中で、驚くほどダイナミックな構成が生まれたと述べている。^{[ 31 ] [ 3 ] [ 4 ]}『波』 （2002年）の羽毛のような渦巻きは、装飾的な異文化のイメージと科学的なイメージの両方を想起させる、華麗で自律的なシステムの研究を示唆している。後の作品は、鮮やかな細胞や泡の形（『ルバズ』）、球根状の螺旋状の微生物（『タラゼド #1』​​）、宝石をちりばめた曼荼羅やペイズリー模様（『ゴールド + レッド』）に似ている。^{[ 3 ] [ 4 ] [ 23 ]}その後の作品では、彼女は喪失感を喚起する控えめな色彩（灰色、白、黒、淡い緑とターコイズ、金属的な金と銀）や、曖昧で異世界的な環境を示唆する形態（Ghost Triptych 2007–8）、分子構造やヒトデやタコの吸盤状の腹側（Ozma、2009）、オプ・アートに近いブラックホールの三次元地形図のような曲がった歪んだ格子や格子模様（Angel (pink)、2008、Zardo、2009）を探求した。^{[ 32 ] [ 6 ] [ 23 ]}

2010年、竹永は作品に2つの大きな変化をもたらした。水平線と空間分割の両方の役割を果たす平面的な線状要素を取り入れ始め、また、コントロールをいくらか手放し、偶然の要素やより自由なパターン（静止した点の渦、波打つ星座、爆発する渦巻き）がより大胆な構図の中に現れるようにした。^{[ 33 ] [ 21 ] [ 26 ]}批評家は、通常は安定化要素である水平線が、彼女の典型的な秩序だった作品を崩し、想像上の風景や水域、銀河領域を暗示するより広い絵画的範囲が展開することを可能にしたと指摘している。^{[ 1 ] [ 33 ] [ 34 ]}

変化は、竹永の中西部での生い立ちを反映した絵画に最初に現れた。^{[ 30 ] [ 24 ]}灰色と青を基調としたネブラスカ絵画EL1（2010年）とホワイトアウト（2011年）は、広大な空に消えゆく果てしない冬の野原を暗示し、より色彩豊かなスパークラー（レッドライン）（2010年）とレッドファネル（2013年）は、花火、カーニバルの光、竜巻を暗示している。^{[ 30 ] [ 24 ] [ 2 ]}彼女は、パノラマ三連作『Rise/Fall』と『Forte』（2011年）、『Diptych (Ikat)』（2012年）、そして後に『Nebraska』（2015年、MASS MoCA）で、野心的なスケールの水平方向の作品への関心を再び示しました。『Nebraska』は、遠くの青空の下の雪に覆われた畝のある畑を思わせる、めまいがするような手描きの壁紙のパターンを繰り返した110フィートの壁画です。^{[ 33 ] [ 12 ] [ 23 ]}ジョン・ヤウは、この作品（例えば『 Ronin』 、2011年）に、異質なシステムが互いの領域に侵入しているような不協和音と不安定さを指摘しています。彼はこれを彼女のより自由なアプローチと（光の角度によって変化する）非現実的なメタリックペイントの使用によるものとし、無関心な宇宙の認識として解釈される集合的で不安を掻き立てる効果を指摘している。^{[ 33 ]}しかし、 Art in Americaのキャロル・ディールは、視覚的な過剰さと厳格さの間の作品の宙吊りの中に、容易に理解できる以上の秩序の感覚を見出し、その神秘的な性質をゴッホの「星月夜」と比較している。^{[ 1 ]}

竹永は後期の作品で、より広い空間を認め、下地の滴り、水たまり、飛び散りを構成要素として露出させている（例えば、提灯のような「緑の光」、2013年）。^{[ 23 ] [ 14 ]}また、連想の範囲を広げ続け、オーロラ、流星群（「夜の絵画（JFM）」、2016年）、晶洞、フラクタルなどを取り入れている。ケン・ジョンソンは、これらの作品を「科学者の技術的に補助された目」よりも「ヒッピーの夢想家の恍惚とした、おそらく薬物によって助けられた知覚」を通して見たものだと評している。^{[ 35 ] [ 36 ] [ 37 ]}

DC ムーア ギャラリーで開催された「Outset」（2018 年）と「Manifold」（2019 年）の展覧会に出品された竹永の絵画は、黒、虹色の白、銀灰色、青といった簡素で瞑想的な色彩パレットを用い、画像に穴のような大きな暗い形（例：Aeaea、Hello）を特徴とする大胆で変化に富んだ図と地の関係性を採用している。^{[ 38 ] [ 39 ] [ 40 ]}それらの神秘的な形態は、日本の古典美術、科学的なイメージ、20 世紀半ばの抽象画など、幅広いものから着想を得ており、彼女のフィールド、アスファルト、地平線を後にし、爆発、宇宙旅行、漂流する陸塊、微生物学といった、より対立的で激動的な参照へと移行し、絶え間ない圧力と容赦ない変化の世界を喚起する。^{[ 10 ] [ 8 ] [ 41 ]}広大な5枚組の「Manifold 5」などの作品では、日本の屏風やその他の東洋の資料から取られた抽象的なシルエットのイメージ（川、雲、ローブ、象、奉納ろうそく、間欠泉の形）が使われており、それらはパターンや暗い背景として機能し、ポジティブな形とネガティブスペースの間を行き来している。^{[ 8 ] [ 10 ] [ 41 ]}対照的な「Serrulata」（翻訳すると「桜の木」）では、パターン、注ぎ込み、墨のような斑点、濃い青、黒、灰色の滴りなど、複数のプロセスが重ね合わされ、押し合わされて、貝殻のようなピンク色の背景にパターンが作られ、桜の花や、破壊、分散、衰退、無常といったテーマが示唆されている。^{[ 10 ] [ 8 ]}