アン・アギー

アン・エイジー（1959年生まれ）は、アメリカのビジュアルアーティストであり、陶器の置物、オブジェ、インスタレーション、手描きの壁紙の絵、インスタレーションアート、家庭環境、ショールームを融合した大規模な展覧会を中心に活動している。^{[1] [2] [3]}彼女の作品は、日常の物や経験、装飾芸術と実用芸術、仕事と職人技の尊厳を称え、ジェンダー、労働、美術に関する問題に、破壊的かつフェミニスト的なスタンスで取り組んでいる。^{[4] [5] [6] [7]}エイジーの作品は、陶芸や工芸と家庭生活に関する考察が二流の地位への降格から「本格的な」芸術として認識されるまでに上昇した、アメリカ美術の数十年にわたる変化に適合している。^{[8] [9] [10]}彼女が初めて批評家の注目を集めたのは、1994年にニューミュージアムでマーシャ・タッカーが企画した、影響力があり賛否両論の「バッド・ガールズ」展^{[11]で、そこで彼女は機能的で手作りの陶器のバスルームを、古典的な}デルフト焼きの青と白のスタイルで展示した。^{[12] [13] [14]}アート・イン・アメリカの評論家リリー・ウェイは、エイギーの後期の作品を「彫刻、絵画、オブジェ、そしてキッチュな土産物が混ざり合った、いたずら好きで素晴らしく不幸な産物」と評している。^[1]

エイジーはグッゲンハイム・フェローシップを受賞したほか、アノニマス・ワズ・ア・ウーマンやルイス・コンフォート・ティファニー財団などから賞を受けています。^{[15] [16]彼女の作品は}ブルックリン美術館、ロサンゼルス郡立美術館（LACMA）、フィラデルフィア美術館などの機関に収蔵されています。^{[17] [18] [19]}彼女はニューヨーク州ブルックリンに住み、活動しています。^[20]

エイジーは1959年にフィラデルフィアで生まれた。^[20]母親のサリー・エイジーはシラキュース大学で美術の学位を取得し、晩年に美術展に出展した。家具の配置換え、浴室の壁に花柄を描いたり、床に抽象表現主義のアクションワークを描いたりと、家を継続的なプロジェクトとして扱う彼女の姿勢はアンに大きな影響を与えた。 ^[21]エイジーはクーパー・ユニオン美術学校（BFA、1981年）とイェール美術学校（MFA、1986年）で学び、両校で絵画の賞を受賞した。^{[3] [21]}それにもかかわらず、彼女はイェールの男性中心の絵画中心の文化に息苦しさを感じていた。その文化では、絵画は他の表現形式よりも地位と真剣さが与えられていた。^{[22] [8]}彼女は1985年に粘土の感触、世界とのより深いつながり、暫定的な地位、そして女性として主張できる媒体としての可能性に惹かれて粘土で作品を制作するようになった。^{[8] [10]}

エイジーは実験と独学で陶芸を学び、助成金のおかげで窯を購入し、初の個展（シカゴのアン・ネイサン・ギャラリー、1991年）のための作品を制作することができた。^{[21] [18]}ウィスコンシン州に拠点を置く陶芸メーカー、コーラー社とメキシコのグアナファトにある配管設備工場で1991年から1993年まで研究員として働いたことが、彼女の作品作りや工芸、労働、生産に対する考え方に影響を与え、グアナファトでの手描きの陶器タイルの公共壁画や「バッド・ガールズ」ショーでの浴室のインスタレーションなど、大規模なプロジェクトに取り組むことを可能にした。^{[21] [12]}

1990年代には、エイギーはファブリック・ワークショップ・アンド・ミュージアム、ニューヨーク歴史協会、ブルックリン美術館でのフィギュアの展示や、アリーナ＆ヨシイ（ニューヨーク）ギャラリー、レナ・ブランステン（サンフランシスコ）ギャラリーでの個展を通じて名声を高めた。^{[18] [23] [24] [25]} 2000年代には、ロサンゼルス・アーカンソー州立美術館（「色と火：スタジオ陶芸の決定的瞬間 1950年から2000年」）、^[26]カトナ美術館（「粘土での会話」、2008年）、^[27] フィラデルフィア現代美術館およびウォーカー美術館（「Dirt on Delight」、2009年）、^[28]ペンシルバニア芸術アカデミー（「女性の視線」、2013年）などの主要なグループ展に選ばれた。^[29]これまでにPPOWギャラリー（ニューヨーク）、ロックスギャラリー（フィラデルフィア）、ラックスアート（カリフォルニア）などで個展を開催している。^{[30] [5] [31]}

エイジーの作品は、芸術と工芸、装飾と実用の間の区別を覆すものである。^{[7] [23] [12]}彼女は、労働、身体、そして家庭用品、雑用、環境と物語、工場労働と手工芸、工業プロセス、消費者向けパッケージなどの日常生活の側面を記念している。^{[4] [6] [7] [8]}作家やキュレーターは、彼女の作品は、17世紀のアジアの影響を受けたデルフト焼き、18世紀のマイセンの人形とフランスの織物、ロココ様式の装飾、モダニズムとポップアートの流用、工業用陶芸技術など、数世紀にわたる装飾芸術（多くの場合、博物館の研究で発見されたもの）を参考にし、回復していると示唆している。 ^{[32] [33] [10] [34] [35]}

エイジーは、これらの伝統や素材に、アーティスト、母親、主婦、プロデューサーの役割の両立、労働の分担、芸術と工芸技術の関係の概念化など、特に仕事とジェンダーの問題に関する自身の経験を取り入れた、不遜でフェミニスト的な姿勢で取り組んでいます。^{[12] [7] [2]}エイジーの主な制作分野は、陶器のインスタレーション、オブジェ、フィギュア、タブロー、手描きの「壁紙の絵」、そしてこれらの各タイプの作品を組み合わせた大規模なインスタレーションです。

レイクミシガンバスルーム（1994年）は、コーラーで制作された、贅沢に装飾された機能的なバスルーム（シンク、トイレ、ビデ、小便器、水飲み場）で、エイギーは「バッドガールズ」展を通じて初めて大きな注目を集めました。^{[36] [4] [37]}手作りの備品と壁のモザイクタイルには、デルフト焼きの青と白のスタイルで繊細に表現された華やかなパターン、図表、画像が特徴です。^{[4] [38]}このイメージは、メトロポリスが「ラブレー風の旅」と呼ぶ、都市、工場、家庭を通る水の流れを、身体、公共と個人の機能、建築と解剖学を結びつけて表現しています。^{[36] [39] [10] [38]}エイギーの初期の大規模な陶芸作品には、コーラー工場の労働者を描いた21フィート×10フィートのタイル壁画（1991-92年）や、コーラーアートセンターの委託を受けて制作したフルバスルーム「シェボイガン・メンズ・ルーム」（1998年）などがある。^{[4] [40]}

1993年にニューヨークへ移った後、エイジーは小規模な作品に目を向けた。^[3]この作品には、磁器や、鳥、花、蝶などのシノワズリ模様が施された小物のようなオブジェが含まれており、よく見ると大人のおもちゃであることがわかる。^{[32] [41] [42]}アリーナギャラリーでの個展（1995年）では、工場労働者を描いた華やかな皿や、豊かな装飾モチーフに囲まれた穏やかな郊外や工場の風景を描いたタイル壁画を通じて、日常生活、仕事、無名の職人技に敬意を表した。^{[4] [3]}

エイジーは「Quotidian」（1996年、吉井画廊）という展覧会で、陶器の置物という古い表現方法を新たな用途に転用した。彼女はそれを手描きの壁紙と組み合わせ、この組み合わせをその後20年間追求した。^{[43] [44] [29]}置物のジャンルは、17世紀イタリアの習慣に端を発し、砂糖で作られた比喩的なタブローで裕福な砂漠のテーブルを飾った。それがロココのコンメディア・デラルテやマイセンの磁器の置物へと進化した。^{[6] [3] [10]}エイジーは、注意深く観察された、明らかに現代的で生き生きとしたマンハッタンの住人の手彫りの像とそれらを寄せ集めた。 ^{[6] [45] [44]}作家のモーリーン・シャーロックは、この展覧会を「街頭に立つ大勢の女性たちの独特な言い回しと繊細な服装の優しいカタログ」と呼び、日常生活の部分的な勝利、日々の闘い、そして創意工夫を表現している。^[6]ドミニク・ナハスは、それぞれの人物が「表現の個性に対するほとんどボードレール的な関心」をもって独自の世界を示していると書き、ジョン・スローンやジョージ・ベローズの観察力のあるアッシュカン派の絵画と比較している。^[41]エイジーの人物像はブルックリン美術館やその他の展覧会に選ばれ^{[23] [45] 、1999年には}ニューヨーク・タイムズ・マガジンの6ページの特集/ファッション特集のために委託された。 ^{[3] [37]}

エイジーは次に、人形を複数の人物による物語的なタブローの中に配置した。その表情豊かな姿勢、身振り、顔の特徴は、一般的な通過儀礼、肉体労働、家庭内の場面を表現していた。^{[37] [46] [21]} 2001年にPPOWで行われた個展では、出産に焦点を当てた彫刻のタブロー５点が発表された。その中には、出産クラス（Birth Class）があり、カラフルな服を着て、少し浮かれた妊婦とパートナーが、カップルと助産師のデモンストレーションを見ている様子が描かれている。 ^{[37] [29]} キッチンでのボクシング（2005年）は、特注の12フィートのテーブルの上に置かれたシュールなピンク色の風景画で、ボクシングをする女性、ドン・ジョヴァンニを真似する男性、アクロバット、子供に本を読んであげる父親など、家庭内の遊びや変身のファンタジーを演じている、細心の注意を払って塗装されたテラコッタの人形が置かれている。^{[46] [27]}

2000年代後半、エイジーの陶芸作品は、意図的な不完全さを通して機能性をもてあそぶ、空想的な小像、ロココ調の彫像、皿、大皿、花瓶、流し台などの家庭用品へとますます変化していった。^{[1] [12]} アートフォーラムは、花瓶の濃密で装飾的な層状のイメージを、シュルレアリスムの「無意識と日常の屈折」と比較している。^[5]リリー・ウェイは、小像を「素朴で生き生きとした、皮肉と間抜けな甘さの両方を兼ね備えた、現代版のコンメディア・デラルテのタイプ」と表現している。^[1]この作品は、多くの場合、白一色で、明るい手描きの壁紙を背景にシルエットのように見えるが、「エイジー・マニュファクチャリング・カンパニー」の支援の下で頻繁に生産され、複製されている（コーラー社の製品に見られるようなスタンプも付いている）。^{[12] [1] [47]}家庭産業というコンセプトは、エイギーを労働者、店長、オーナー、店主の役割に置き、階級、労働と工芸の尊厳、フェミニズム、資本主義、現代の家族生活に触れる会話を始める。^{[10] [12]} 2018年に彼女は、イタリアの陶器製ハンドウォーマーをベースにした200個以上の小さな靴のような抽象的な形のシリーズ「ハンドウォーマー」をブティックのようなディスプレイで展示した。^{[47] [48] [49]}

エイジーのその後の展覧会やインスタレーションでは、タイの桑紙に手描きやステンシルで描かれた大規模な「壁紙画」を背景に、陶器の置物、家庭用品、家具など、多様な展示が行われている。^{[50] [1] [51] [2]}伝統的な壁紙のデザインのように高価な素材を模倣するのではなく、エイジーの壁紙は、ウォーホルの初期の作品やマティスやロイ・リキテンスタインのインテリアのように、日常の空間や身近で模様が豊かな市販品を興味深い対象として称賛している。^{[6] [23] [50]}それらは、仕事、家庭生活、性別や階級、物質文化、博物館の展示について鋭くコメントしていることが多い。^{[5] [8] [20]}

エイジーは、1996年の「Quotidian」展で初めて壁紙の絵を発表した。安価な布地や家庭用品のラベルの一部を再利用し、長い巻物に花のようなモチーフを丹念に描いた（例えば、Jello Yellow Calico、1995年）。^{[6] [23] [33]繰り返しと断片化において、彼女の壁紙の絵は大量生産とモダニズムのコラージュを連想させるが、モーリーン・シャーロックが「}フラットブッシュのファンキーで、国産のアメリカンポップ」と呼ぶ手描きの技法で、その両方を覆している。^{[6] [23] [41]}

ロックギャラリーで開催されたエイジーの「パターンのルール」（2010年）と「キッチンシンク」（2012年）の展覧会は、どちらもエイジーの自宅の部屋の景色を描いた鮮やかな色の「壁紙」と、スチール製の骨組みに取り付けられた手作りの空想的なボウルや皿、花瓶、人形、オブジェクトの展示を組み合わせており、ブルックリンのアパートを家庭と生産の両方の場として巧妙に再現していることを示唆している。^{[50] [1] [5] [12]} アートフォーラムは後者のショーを「内なる自己の抑圧と社会的自己のパッケージングへの探求」であり、「暗黙の恐怖とタブー」を露呈するものだと説明している。^[5]

インスタレーション作品「スーパー・インポジション」（2010年）では、エイジーはフィラデルフィア美術館のジョージアン様式のランズダウン・ルームのステンシルと模様を複製し、それを素朴なコロニアル・ミルバッハ・キッチンの壁に掛け、部屋の家具の上に自分の花瓶を飾った。^{[18] [8]}「プレイング・ハウス」（2012年、ブルックリン美術館）では、同様に手でステンシルした壁紙を使って、19世紀の家庭用書斎と応接室をエイジー・マニュファクチャリングのショールームに改造した。^{[12] [52]}

「Domestic Translations」（PPOW、2015年）は、おそらく彼女の最も幅広いインスタレーションを表しており、鮮やかなインテリアと抽象的な壁紙の絵、ネックレスとしても使える磁器のペニス香水瓶、改良された磁器のミシガン湖のバスルーム（III）、円筒とカップで切り取られた交差する平面の抽象的な石器の彫刻の塔、そして旅行のレンズを通した流用などを提供した。^{[2] [53] [20]} ニューヨーカーはそれを「完全に魅力的だが詰め込みすぎたショー」と呼び、「その過剰な演出はフェミニスト的なニュアンスを持っている。すべてを持っている肖像画と考えてください」と付け加えた。^[53]

エイジーは、ジョン・S・グッゲンハイム・フェローシップ（2011年）、アノニマス・ワズ・ア・ウーマン（2012年）、ルイス・コンフォート・ティファニー財団（1997年）、ニューヨーク芸術財団（1997年）、全米芸術基金（1993年、1992年、1989年）、ウィスコンシン芸術委員会（1992年）、エンパイア・ステート・クラフト・アライアンス（1990年）からの助成金、コーラー芸術センター・フェローシップ（1991～92年）などを受賞している。^{[18] [16] [54] [40]}

彼女の作品は、ブルックリン美術館^[17]、 LACMA、フィラデルフィア美術館^[19]、ニューヨーク歴史協会^[55] 、チャゼン美術館^[56] 、ヘンリー美術館^[57]、コーラー芸術センター^{[40]、ノースマイアミ現代美術館[58]、セックス博物館、ペンシルバニア美術アカデミー[59]、ロードアイランド・スクール・オブ・デザイン博物館[60]} などに^収蔵 され^ている。^[ 18 ^]

• アン・エイジー・スタジオ
• アン・エイジー、グッゲンハイム・フェローシップの略歴
• アン・エイジー、メトロポリタン美術館、アーティスト・プロジェクト