アニカ・イー

アニカ・イ（1971年、韓国ソウル生まれ）は、香り、料理、科学の交差点で作品を制作するコンセプチュアルアーティストです。 彼女は感覚、特に嗅覚を刺激するインスタレーションや、生物学者や化学者とのコラボレーションで知られています。^[1]イはニューヨーク市に住み、活動しています。

イさんが2歳のとき、家族は韓国からアラバマ州へ、そしてカリフォルニア州へ引っ越した。父親はプロテスタントの牧師で、母親はバイオ医療企業に勤務している。イさんは韓国系アメリカ人の家庭で育ったと述べている。^{[なぜ? ] [2]}

ハンターカレッジを卒業後、彼女はロンドンに住み、数年間フリーランスとしてファッションスタイリストやコピーライターとして働きました。30歳のとき、彼女は香水と科学への興味を探求しながら、芸術の実験を始めました。^{[1]彼女の最初の芸術作品は、}ジョシュ・クラインとジョン・サントスとともにアート集団サーキュラー・ファイルのメンバーだった2008年に制作されました。^[2]

イは、香り、触覚、そして腐敗性を、主に視覚的な芸術世界の認識論的、感覚的な用語を再構成する手段として使用している。 ^[3]

易は、天ぷらで揚げた花、石鹸で作ったキャンバス、ステンレス製のシャワーヘッド、魚油の錠剤、回収された粉ミルクで煮たテバのサンダルの破れ、細菌など、型破りで、しばしば生きていて腐りやすい素材を使うことで知られている。 2018年にアートレビューでデイヴィッド・エヴェリット・ハウは、この「不調和なメディアの組み合わせ」は「私たちのアイデンティティを構成するさまざまな産業について、優雅に寓話的に表現されている」と書いている。^[4]

イーは、こうした型破りな素材を巧みに操り、時には完全に変形させることもある。例えば、彼女は紅茶キノコを革のような素材に発酵させた。^[1] 2014年に47 Canalで行われた展覧会「離婚」のために制作した作品「verbatem? verbatom? 4」では、生きたカタツムリにオキシトシンを注入した。

イは、執筆を自身の活動の主要素として挙げている。ロス・シモニーニとのインタビューで、彼女は次のように説明している。「執筆は私の主なツールの 1 つです。執筆を通じて作品についての考えを発見することがよくあります。構文、文の構造...これらは本当に役立ちます。私は彫刻作品の背景ストーリーをたくさん書きます。まるで小説や脚本の登場人物であるかのように。この執筆を友人と共有しますが、他の誰にも見られません。私はあまり視覚的な人間ではありません。イメージで考えません。スケッチもしません。視覚的な参照資料を必要以上に使用していません。これは私にとって大きなハンディキャップです。私の執筆はスケッチのように作品のアイデアを捉えていません。だから、私は最も生産的な方法で作業していないのかもしれません。私の出発点は言葉です。」^[2]

彼女はまた、自分のプロセスは科学研究室で採用されている科学的プロセスに似ているが、その逆バージョンであると説明している。「科学者は仮説を立て、その後20年から30年をかけてそれを証明しようとしますが、アーティストはキャリアの最後まで自分の仮説が何であったかを本当に理解しません。」^[1]

2015年にニューヨークのザ・キッチンで行われた展覧会「You Can Call Me F」で、イーは100人の女性から綿棒で検体を採取し、MITの合成生物学者 タル・ダニノの協力を得て、寒天培地の 看板の中で細菌を培養した。この看板は「フェミニズムはどんな匂いがするのか？」という問いに答えるために「訪問者を襲う」ものだった。 ^[5]各女性は、口から膣まで、自分の体のどこから綿棒で検体を採取するかを選択することができた。^[6]彼女とダニノは、この作品を、彼女がMITに滞在中に主導したワークショップ「細菌の芸術と科学」を通じて発展させた。^[7]彼女はこの作品で、衛生と女性の体を取り巻く「家父長制の恐怖」を探求したかったと説明した。^[8]この展覧会で、イーは女性の体を視覚ではなく匂いの形で表現することを目指し、ニューヨーカー誌のライター、アンドレア・K・スコットが「男性のわいせつな期待」と書いたものを非難した。^[6]

イーは、グッゲンハイム美術館が2年ごとに開催するヒューゴ・ボス賞の2016年受賞者です。^[9] 2017年、イーは「嗅覚に対する社会政治的関心」を探求する展覧会「Life Is Cheap」でグッゲンハイム美術館にデビューしました。 ^[10]

この展示の入り口で、来場者はアーティストがアリとアジア系アメリカ人女性のハイブリッドな香りとしてデザインし、Immigrant Caucusと名付けたアロマに遭遇した。^[11]中央のギャラリースペースには、互いに向き合った2つの作品があり、それぞれ異なる内部の生物圏を持っていた。温度調節された空間に囲まれた作品の1つであるForce Majeureは、マンハッタンのチャイナタウンとコリアタウンから採取されたバクテリアが成長する寒天で覆われたプレキシガラスのタイルを特徴としている。もう1つの作品Lifestyle Warsには、回路基板に似た構造物の上にアリのコロニーがあり、社会の組織とテクノロジーとこの秩序の関係を参照している。^[12]

グッゲンハイムが制作したビデオの中で、イーは「私たちは清潔さに過度に執着している社会を相手にしています。それが私がバクテリアを素材として扱う理由の一部です。特に西洋では、私たちはバクテリアの刺激臭に対して病的な恐怖を抱いています。私は、私たちの周りで増殖しているあらゆる細菌やバクテリアに対する人々の不安を、ある種の視覚化で表現しているのです」と説明している。^[13]

2017年のホイットニー・ビエンナーレには、イーの22分間の3Dビデオ「The Flavor Genome」が含まれていた。これは、ブラジルのアマゾンで特別な植物を探す化学者を追ったものだ。^[11]物語の中で、この植物は薬効があると考えられており、製薬業界にとって魅力的である。^[14]この映画は、バイオエンジニアリングから帝国主義まで幅広いテーマを扱っている。

2019年のヴェネツィア・ビエンナーレでのグループ展「May You Live in Interesting Times」にイーが出品した作品は、2つの彫刻インスタレーション作品だった。「Biologizing the Machine (tentacular trouble)」は、乾燥した昆布を細長く伸ばして作った繭のような照明付きの鞘の集まりで、中にはアニマトロニクスの蛾が入っていて、鞘の壁に映る蛾の影が蛾のひらひらとした存在を表している。^[15]鞘の下には、湾曲したコンクリートの土台があり、各ペンダント彫刻の足元にあるクレーターの中に、泡立つ池がある。表面は月面の風景、あるいは別の天体の風景を思い起こさせ、厳しい環境にもかかわらず、生物学者が極限環境生物と呼ぶ生命の進化を示唆している。

イーのビエンナーレ出品作品のもうひとつの要素は「機械の生物学的研究（未知の地）」と題され、イタリアのベニス周辺の泥を使って、アーティストが「ウィノグラツキーパネル」と呼ぶものを制作した。このアクリルフレームには、炭酸カルシウム、硫酸カルシウム、卵黄、セルロースを混ぜた土を入れ、ウィノグラツキー柱を作った。この柱では、土壌サンプル内のバクテリアが好気性層と嫌気性層のカラフルなグラデーションに分かれる。その結果は、人類が持つ多くのヘルパー種の助けを借りて制作された抽象画に似ており、それ自体がイーの作品に大きく登場する。

COVID-19パンデミックの間、イーのスタジオは多くの技術専門家と共同で、テート・モダンのタービン・ホールの巨大な空間を「エアロビー」で埋め尽くすという野心的なプロジェクトを立ち上げた。エアロビーとは、人工知能によって動きを誘導されるドローンのような飛行船のことである。イーはホールの洞窟のような空間を一種の水族館と構想し、そこに生息する2種類の機械生物を作った。異種ゼリーは触手を持ち、浮力と機動力に優れ、異物に興味を示す。もう1つの形態の生物はプラヌラで、アメーバや原生生物に似ており、その動きは想像上の水環境の底近くを浮遊することに限られている。これらの形態は繊毛を想起させるための小さな毛のような突起で覆われている。事前に決められた一連のパラメータの範囲内で、好気性生物は自らが設計した動きに従ってホール内を動き回り、時折メンテナンスエリアに巣を作ってバッテリーを充電し、その後アーティストが環境として考案した生物圏に再び加わった。^[16]

イ氏はコロンビア大学やMITなどの大学の研究者と非常に緊密に連携している。^[1]特にMIT在籍中はMITのポストドクター研究員タル・ダニノ氏と緊密に連携し、2人は共同で新しい生物学的材料を開発した。 ^[7]

多くのインタビューで、イーは、自分の香りの作品は男性の視線を中心にデザインされた視覚中心の作品に対するフェミニスト的な反応だと考えていると説明している。^[17]また、彼女は感覚のジェンダー階層についても言及し、嗅覚の再評価を主張している。^[1]独学で香水の鑑定家になった彼女は、香水を美容業界に追いやられないように高めようとしている。^[18]

評論家のジェーン・ヨン・キムは、2015年にザ・キッチンで行われた彼女のショーについて書いている。そのショーには、100人以上の女性から採取した頬の綿棒から採取した有機物を展示した作品が含まれていた。キムは、これらの細菌は、女性の体が感染症を引き起こす可能性からいかに脅威となり得るかを表していると説明している。^[17]

ニューヨークの出版物は、彼女の作品をヨーゼフ・ボイス、マシュー・バーニー、ロバート・ゴーバー、ダレン・ベイダーの作品と比較している。^{[1] [19]}彼女が展示で用いる戦略には、マルセル・デュシャンを彷彿とさせると評されるニューヨーカーの作家『You Can Call Me F』などがある。^[6]学者のキャロライン・A・ジョーンズは、イーの作品を説明するのに「バイオフィクション」という言葉を使用している。^[1] 彼女は自分の作品を「感覚の生政治」を探求するものと表現している。^[12]

• 2011年：『すみません、あなたのネックレスが漏れています』 グリーンギャラリー、ミルウォーキー^[18]
• 2011年：SOUS-VIDE、 47 Canal、ニューヨーク^[4]
• 2013年：『Denial』、ラース・フリードリヒ、ベルリン^[20]
• 2014年：離婚、 47キャナル、ニューヨーク^[21]
• 2014年：死、クリーブランド美術館、オハイオ州クリーブランド^[22]
• 2015年：6,070,430Kのデジタルスピット、リストビジュアルアーツセンター、マサチューセッツ州ケンブリッジ^[23]
• 2015: 7,070,430K のデジタルスピット、 バーゼル美術館、スイス^[24]
• 2016:ジャングルストライプ、フリデリシアヌム、カッセル^[25]
• 2017年：ライフ・イズ・チープ、 2016年ヒューゴ・ボス賞、ソロモン・R・グッゲンハイム美術館、ニューヨーク^[12]
• 2021年：In Love With The World、ヒュンダイ・コミッション、タービン・ホール、テート・モダン、ロンドン^[16]
• 2022年：メタスポア、ピレリ・ハンガービコッカ、ミラノ^[26]
• 2024年：もう一つの進化が存在するが、それはこの進化である、リウム、サムスン美術館^[27]

• 2010年：「179 Canal / Anyways」、ホワイトコラムス、ニューヨーク、ニューヨーク^[28]
• 2011年：「内側/外側：記念碑の装飾」リンデン彫刻庭園、ミルウォーキー、ウィスコンシン州^[29]
• 2011年：「振り返って」、第6回ホワイトコラムス年鑑、ホワイトコラムス、ニューヨーク、ニューヨーク^[30]
• 2012年：「A Disagreeable Object」、ニューヨーク彫刻センター、ニューヨーク^[31]
• 2012: 「THE LOG-O-RITHMIC」、ベルガモ現代美術館、ベルガモ、イタリア^[32]
• 2013: 「物事の終わり」、バーゼル美術館— ゲーゲンヴァルト、バーゼル、スイス^[33]
• 2013年：「その間…突然そしてその後」、リヨン・ビエンナーレ12、リヨン、フランス
• 2013年：「テクノロジーへの愛」、フロリダ州マイアミ現代美術館^[34]
• 2014年：「大加速」台北ビエンナーレ、台北市立美術館、台湾^[35]
• 2015: 「インヒューマン」フリデリシアヌム、カッセル^[36]
• 2015年：「NO MAN'S LAND: ルーベル家コレクションの女性アーティスト」ルーベル美術館、マイアミ、フロリダ州^[37]
• 2016年：「第8の気候（芸術は何をするの？）」第11回光州ビエンナーレ、韓国光州^[38]
• 2016年：「NO MAN'S LAND: ルーベル家コレクションの女性アーティスト」国立女性美術館、ワシントンD.C. ^[37]
• 2016: 「Overpop」Yuz Museum、上海、中国^[39]
• 2017年：ホイットニー・ビエンナーレ、ホイットニー美術館、ニューヨーク、ニューヨーク^[14]
• 2017年：「An Inventory of Shimmers」、リストビジュアルアーツセンター、マサチューセッツ州ケンブリッジ^[40]
• 2017年：「形の夢」パレ・ド・トーキョー、パリ、フランス^[41]
• 2017年：「トリガー：道具と武器としてのジェンダー」 、ニューミュージアム、ニューヨーク、ニューヨーク^[42]
• 2018年：「インターネット時代のアート、1989年から現在まで」、マサチューセッツ州ボストン現代美術館^[43]
• 2018年：「世界と調和する」ルイ・ヴィトン財団、パリ、フランス^[44]
• 2018年：「人種的想像研究所：白人について」ザ・キッチン、ニューヨーク、ニューヨーク^[45]
• 2019年：「興味深い時代に生きられますように」、ヴェネツィア・ビエンナーレ2019、ヴェネツィア、イタリア^[46]
• 2019年：「ニュー・オーダー：21世紀の芸術とテクノロジー」ニューヨーク近代美術館、ニューヨーク^[47]
• 2019年：「The Body Electric」、ウォーカーアートセンター、ミネアポリス、ミネソタ州^[48]
• 2019: 「未来の生産: ポストサイバーフェミニズムに関する展覧会」、ミグロス博物館、チューリッヒ、スイス^[49]
• 2020年：「精神的な傷：アートとトラウマについて」、ウェアハウス、ラチョフスキー・コレクション、ダラス、テキサス州^[50]
• 2021年：「大惨事と復興」国立現代美術館、ソウル、韓国^[51]
• 2022年：「共生者：現代アーティストと生物圏」リストビジュアルアーツセンター、マサチューセッツ州ケンブリッジ^[52]

• 2011年：ルイス・コンフォート・ティファニー財団賞^[53]
• 2014-2015: MIT芸術科学技術センター客員アーティスト^[2]
• 2016年：ヒューゴ・ボス賞^[12]

• 2015年：アニカ・イー：6,070,430Kのデジタルスピット（マサチューセッツ州ケンブリッジ：MITリストビジュアルアーツセンター）。^[54]
• 2021年：アニカ・イー：In Love With The World（ロンドン：テート）。
• 2022年：アニカ・イー：Metaspore（ミラノ：ピレリ・ハンガービコッカ）。

• 2014年『孤独なサムライ』^[55]

• 「対談：アニカ・イーとオリヴィエ・ベルグルエン」、ブルックリン・レール紙のオリヴィエ・ベルグルエンとのインタビュー
• 「バーチャルスタジオ訪問：クラウス・ビーゼンバッハとアニカ・イーの対談」YouTube 動画