アイリーン・コーウィン

アイリーン・コーウィン（1947年生まれ）はロサンゼルスを拠点とするアーティストで、写真、ビデオ、ミクストメディアのインスタレーションで知られています。マスメディアと美術史の言語を利用し、物語、フィクションとノンフィクション、記憶と経験の関係を探求しています。^{[1] [2] [3]} 1970年代のロサンゼルスの実験的な写真シーンやピクチャーズ・ジェネレーションのアーティストと関連のある彼女の作品は、身近な人間の状況と慎重に選ばれたジェスチャー、表情、小道具を組み合わせて、鑑賞者が暗示的で終わりのない物語を完成しなければならない謎めいたイメージを作り出しています。^{[4] [5] [6]コーウィンは、}ロサンゼルス郡立美術館（LACMA）、現代写真美術館、アーモリー芸術センター、現代美術センターなど、米国および海外で40を超える個展を開催しています。^{[7] [8] [9]}彼女の作品は、LACMA、^[10] J・ポール・ゲティ美術館、^[11] ブルックリン美術館、シカゴ美術館、^[12] サンフランシスコ近代美術館（SFMOMA）、^[13]スミソニアンアメリカ美術館など、40を超える機関のコレクションに収蔵されています。^{[14] [15]彼女は、}全米芸術基金、LACMA、ロサンゼルス市（COLA）、パブリックアートファンド（ニューヨーク）、サンダンス映画祭、USA映画祭から賞や委託を受けています。^{[9] [16] [17] [15]} ニューヨークタイムズの評論家アンディ・グランドバーグは、彼女のマルチイメージ作品は「馴染みと神秘性の間に緊張をもたらし、暗示される危険、性的陰謀、暴力の雰囲気を作り出し」、さまざまな物語を暗示する手がかりが豊富にあると書いています。^[18] ジョディ・ゼレンは、カウインは「写真、映画、ビデオの慣習を巧みに操り、真実とフィクションが融合する場所を探求しながらも結論は出さない、異なる種類の物語を語る。カウインの作品は刺激的だ」と評した。^[19]

カウインはニューヨーク州ブルックリンで生まれ、ニューヨーク州立大学ニューパルツ校（1968年理学士）に入学した。同校では、芸術家で教授のロバート・シューラーから大きな影響を受けた。^{[7] [20]彼女はシカゴの}インド工科大学デザイン研究所（1970年写真学修士）でモダニズム写真家のアーロン・シスキンとアーサー・シーゲルに師事した。 ^{[1] [21]}カウインは大学院在学中および卒業後すぐに作品を展示しており、ニューヨーク近代美術館、フィラデルフィア美術館、フォッグ美術館でのグループ展や、ニューヨークのウィトキンギャラリー（1972年）での個展などがある。^{[22] [9] 1971年から1975年まで、}ニューハンプシャー州のフランコニア大学で写真を教えた後、1975年にカリフォルニア州立大学フラートン校の教授となり、2008年に退職するまで教鞭を執った。^{[23] [24]}

カウインの作品はすぐに主要なポストモダンやフェミニズムの潮流と結び付けられ、東西両海岸で注目を集めた。^{[1] [7] [25]}彼女はロサンゼルス・クリケット・センター（1985年）、現代写真美術館（1991年）、クリーブランド美術館（1998年）で注目すべき個展を開催したほか、シンシナティのアモリー芸術センターと現代美術センター（2000年）を巡回する回顧展、OKハリスとジェイン・H・バウム（ニューヨーク市）、ロイ・ボイド・ギャラリー（サンタモニカ）などでギャラリーショーを開催した。^[9]彼女の作品は、ホイットニー・ビエンナーレ（1983年）、^{[26] [27]}巡回展「カリフォルニアの写真 1945-1980」（SFMOMA、1984-1986年）^[28]および「Defining Eye: Women Photographers of the Twentieth Century」（セントルイス美術館、1997年）^[29]三人展「Narrative Interventions in Photography」（ゲッティ美術館、2011年）^[30]および回顧展「Under the Big Black Sun: California Art 1974-1981」（ロサンゼルス現代美術館、 2011年）にも展示された。^[31]

カウインの作品は、1970年代に台頭してきた2つの運動、すなわちロサンゼルスの実験写真界（ジョン・ディヴォラ、ロバート・ハイネケン、ダリル・カランも所属）と東海岸写真世代のアーティストたちと関連づけられている。^{[7] [25]}カウインや、ジェームズ・ケースベア、シンディ・シャーマン、ローリー・シモンズ、ジェフ・ウォールなどのアーティストたちは、絵画や映画に付随する技巧と無限性を帯びた、あからさまに捏造されたイメージで、先行する写真家たちのリアリズムとドキュメンタリーの美学に挑戦した。^{[32] [3] [1]}批評家たちは、彼らの作品が後の世代のミザンセーヌ写真家に影響を与えたと示唆している。^{[2] [33]}カウインの作品は、舞台上のタブローからマルチイメージ、マルチメディアインスタレーションまでメディアや形式を探求しながらも、戦略的かつテーマ的な一貫性を保ち、オブジェクト、ジェスチャー、表現、言葉、視覚的な指示対象を組み合わせ、その関連性から恋愛関係、家族関係、社会関係、公と私、真実と虚構、表現と表現不可能なものと解釈の間の溝などを探求している。^{[5] [34] [33] [19]}

初期のキャリアにおいて、カウインは写真の慣習に抵抗し、流用したイメージや珍しい技法を自分のイメージに取り入れた。^{[1] [35]}彼女は頻繁に、自分の写真（主に家庭内の被写体）の透明フィルムに雑誌の戦争やニュースのイメージを重ねたり、一見無関係なイメージをプリントの表面に縫い付けたりして、フェミニストの懸念を反映した。^{[20] [3] [36]}彼女のガムビクロマートプリント（1972-1975）は、当時の性的解放を想起させる官能的でエロティックなイメージと対照的な、淡く色あせた色調を特徴としており、彼女は各作品の視点と解釈を、重ね合わせた個人的なシンボル、文化的モチーフ、縫い付けられた要素で増幅した。^{[5] [2] [3]}

彼女のワン・ナイト・スタンド・シリーズ（1977-1979）は、彼女の成熟した作品の概念的、物語的関心、形式的厳格さ、感情的深みを予見していた。^[5]当時のミニマリスト的かつ非演劇的な美学の平坦で飾り気のないトーンと色で撮影されたこれらの遊び心のあるまばらな構成は、性的情事の暗示を断片的に提示した。電話コードや目覚まし時計の後ろに隠された、服を脱ぐ人々のポラロイド写真、しわくちゃのシーツ、ナイトスタンド。^{[2] [5]}不在が重要なテーマであり、ポラロイドとナイトスタンド（どちらも日常の個人的な持ち物を控えめに保管し、人生で最も親密な瞬間の静かな目撃者）が主人公の代わりを務めた。^{[2] [5]}同時期に制作された「レディ・キラー」シリーズも同様に不在を探求したが、より直接的で攻撃的なトーンと美学を特徴としていた。^[34]

1980年代、カウインは、より完成度の高い映画的なシーンでフィクションとノンフィクションを曖昧にし続けた。この手法は、現在ではミザンセーヌ撮影とも呼ばれている。ストーリーボード、脚本、俳優の演出、舞台装置、フレーミングなどを含む監督モードを取り入れた。^{[2] [5] [37]}アイコンタクト、視線の方向、身振り、表情、小道具を注意深くコントロールしながら、彼女は「セット」を感情的なシンボルや要素で囲み、複数の矛盾した解釈を生み出し、ロマンス、放棄、危険、腐敗、救済などの時代を超えたテーマをほのめかした。^{[5] [38] [39]}

彼女の広く知られたファミリー・ドキュメンタリー・シリーズ（1980-1983）は、批評家がメロドラマとコンセプチュアル・アートの間の境界領域に位置づけた、意識的に演出された家庭内の場面を取り上げている。^{[39] [38] [40]}カウインの自宅で撮影され、彼女自身と双子の妹を含む家族が出演したこれらの場面は、家族の親密さと緊張（夫婦、親、兄弟、仕事）だけでなく、自発的なドキュメンタリーという幻想を微妙に覆す作為的な感覚も呼び起こした。^{[4] [2] [5]}いくつかの作品で、カウインは、白黒の背景画像と双子という二重の装置を使用して、記憶、歴史、幽霊のような自分、もう一人の自分、そして女性のアイデンティティの課題を複数の視点から示唆した。^[2]このシリーズの画像は、独立した多層的な作品として機能し、全体としては、現代のアメリカの家族生活、社会構築の網、そして個人的な瞬間を病的な自意識過剰な「パフォーマンス」に歪めてしまう可能性のあるメディアによる公と私との曖昧化についての解説として機能する。^{[5] [3] [39]}

1980年代後半、コーウィンは、より広く響き渡り、舞台装置をほとんど使用しないイメージへと移行し、『ニューヨーク・タイムズ』紙はそれをロバート・ウィルソンやピーター・セラーズの様式化された演劇作品に例えた。^[40]墨のような黒い背景から浮かび上がるモデルや原型的で象徴的な身振りを用いて、彼女はフィルム・ノワール（トレンチコートを着た男性、セクシーな赤いドレスを着た女性、うねるカーテン、影のある背景）の言語とルネッサンスのタブロー・ヴィヴァン（活劇）の絵画を交互に利用した。^{[41] [38] [42] [43] [4]}フィルム・ノワール風のイメージは、性的緊張、のぞき見、男性の絆と競争の儀式といった省略された物語やテーマを呼び起こす。^{[4] [43] [35]}マグリットや『ヴィーナスの鏡』 （1988年）などの作品は、女性の客体化や宗教的な物語などの美術史の慣習を呼び起こし、挑戦し、手の込んだ舞台装置や時代衣装を避け、微妙な表現、劇的な身振り、認識可能なポーズを採用しています。^{[44] [4]}

1990年代、カウインは、画像とその登場人物や小道具の相互関係に基づいた緩やかで非時系列的な物語を示唆する、複数の画像を使った作品やインスタレーション（多くの場合、写真とビデオの静止画を混ぜる）を制作し始めた。^{[35] [45] [34]}この作品には、ニューヨークのペンシルバニア駅のために委託された1990年の公共インスタレーション、^{[18] [17]聖書の物語を} フィルム・ノワール風にアレンジした『ロトの妻』 （1991年） 、憂鬱な6枚の画像で構成された『実話に基づく』（1993年）、そして実際の、あるいは推測される結合（家庭内暴力の兆候を含む）の情熱と崩壊を、小さな画像/記憶の集まりに抽出した不吉な『泣くべきものをあなたに』（1996年）などがある。^{[5] [38] [46]}作家たちは作品の簡素化されたビジュアルを「感情の強さにおいてほとんど書道的」と評し、^[45]カウインの交互に現れる暗闇とイメージの使用が映画、のぞき見の罪深い快楽、記憶、無意識を想起させると指摘した。^[5]

後期の作品でも、カウインは物語、身振り、表現、象徴的対象と事実、フィクション、真実との関係を考察し続けており、言語や社会政治的問題に重点が置かれている。^{[19] [47]}インスタレーション「I See What You're Saying」（2002/2011）は、物語、真実、嘘について、改変された本と目と口のクローズアップ（見る、話すことの象徴）を並置した画像と二連画で探求し、テキストからより曖昧な人間の身振りや表現へと移行する物語を示唆している。[ ^{6] [30]} ロサンゼルス国際空港（LAX）の2つの公共の、場所をテーマにした作品の1つ「Blow Me a Kiss」（2013）は、キスを吹きかける顔のビデオパネル4枚で構成されており、ロサンゼルスタイムズ紙は「催眠術的」と評した。^{[48] [49]}

『It Goes Without Saying』（1996年）や『It's So Good to See You』 （1999年）に始まるカウインのビデオ作品の多くは、^[50]逆説的に、静止、暗示、ありふれた親密な身振りや表現を優先して、メディアの最も有用な物語の手段である動きを制限している。^{[51] [34] [2] [19]} 『I give you my word』（2003年米国映画祭最優秀実験映画賞受賞）では、2人の人物が同時に分割画面で同じ出来事を語る様子を映し出し、記憶と主観性について探究している。^[9]緊密に構成された迫力ある『Your Whole Body is a Target』（2006年）では、身振り、自己保存、恐怖、共同空間の流用を探り、カウインが受けた自己防衛のレッスンを印象派的に描写し、力を得た者と力を奪われた者、攻撃者と防御者の役割を演じている。^{[52] [53] [54]}彼女のショー「Do Nothing Until You Hear From Me」（2018年）のビデオは、現実の不安と構築、移民などの社会政治的な問題を探求した曖昧でサスペンスに満ちた矛盾したイメージを提示した。^[47]

カウインの63フィートの写真公共壁画「Shelf Life」（2018年、ロサンゼルス国際空港）は、オブジェクトに焦点を当てており、慎重に選ばれた本、写真、記念品が入った棚の画像をフィルムフレームのように連続して表示しています。テキスト、タイトル、オブジェクトの相互作用は、アイデンティティ、市民権、旅行、場所、普遍的なつながりなど、現代の社会的テーマに関する物語を示唆しています。^{[55] [ 56]}カウインの他の委託公共作品には、LACMAの「Made in California」ショー（2000年）とMAK芸術建築センターの「How Many Billboards?」ショー（2010年）の看板があります。 [57] ^[58]ロサンゼルスMTAの最初のメトロレールライトボックスプロジェクト（2001年）のインスタレーション、およびシステムのマーティンルーサーキングジュニア駅（将来）の14シーケンスのインスタレーションがあります。^{[59] [60] [15]}

カウインの作品は、ロサンゼルス・アーカンソー州立美術館^{[10] [61]}ジェイ・ポール・ゲティ美術館^[11]ブルックリン美術館、シカゴ美術館^[12]サンフランシスコ現代美術館^{[13]スミソニアン博物館[14]} デンバー美術館、ハマー美術館、現代写真美術館^[8] ヒューストン美術館、近代美術館、カナダ国立美術館、シアトル美術館^[62]東京都写真美術館など40を超える美術館や機関の永久コレクションに収蔵されているほか、多くの個人コレクションにも収蔵されている。彼女の作品は、数多くの美術史書^{[63] [64] [29]}モノグラフ^{[65] [66]}やカタログ^{[67] [31]に掲載されており、その中には}『写真の歴史：概要』（1999年）^[37] 『写真における女性の歴史』（1994年）^[68]『新アメリカ写真』 （1985年） ^[69]がある。

カウインは、ロサンゼルス世界空港（2019〜2020年、2017〜2018年、2013年）、ロサンゼルス都市圏交通局（ロサンゼルス、2015〜2020年）、サンタモニカ市（2014〜2015年、2012年）、カリフォルニアコミュニティ財団（2012年）、文化イノベーションセンター（2011年）、サンダンス映画祭（2002年）、カリフォルニア芸術評議会（2001年）、LACMA（2000年）、ロサンゼルス市（1997年）、アートマターズ（1994年）、ニューヨークパブリックアートファンド（1990年）、全米芸術基金（1990年、1982年、1979年、1974年）などから賞、助成金、委託を受けています。^{[58] [16] [70] [17] [9]}

• アイリーン・コーウィン公式サイト
• アイリーン・コーウィン文書、1961-2015、スミソニアン・アメリカン・アート・アーカイブ
• アイリーン・コーウィン、現代写真美術館のプロフィール
• アイリーン・コーウィンのシリーズ「I See What You're Saying」
• アイリーン・コーウィン、あなたの言っていることはわかります（思考の流れ）、2001年、LAメトロ
• アイリーン・コーウィン氏との対談（ゲッティ）