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アーノルド・ジマーマン（1954-2021）、別名アーニー・ジマーマンは、アメリカの彫刻家であり陶芸家である。[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ]彼の作品は、記念碑的なものからミニチュアまで、抽象的なものから具象的なものまで幅広く、トーテム的な器の形、卓上彫刻や人物像、壁画、部屋サイズのインスタレーションなどを含む。[ 4 ] [ 5 ] [ 6 ] [ 7 ]彼は、20世紀のアメリカ陶芸における数十年にわたる変化の一翼を担い、その間、アーティストたちは粘土の機能や工芸との同一視に挑戦し、感情表現、社会批評、具象、物語といった美術の領域に取り組んだ。[ 8 ] [ 9 ] [ 10 ]ジマーマンは、粗い物質性、リズミカルな表面、ジェスチャー的な存在感、イタリア・ロマネスクの影響を特徴とする、深く彫られた建築的な彫刻で、1980年代に初めて評価を得た。[ 11 ] [ 12 ] [ 13 ] [ 14 ] 1990年代半ば、彼は具象的な作品へと移行し、批評家のドナルド・クスピットは、有限な人間と無限の物質、芸術家と創造的な作品の相互作用を考察したと述べている。「ジマーマンのあまりにも人間的な寓話には、無益さと愚かさ、そして一見無意味な理想主義と無邪気さが組み込まれている。」[ 15 ] [ 1 ]
ジマーマンの作品は、メトロポリタン美術館[ 16 ] 、ロサンゼルス郡立美術館[ 17 ] 、スミソニアン・アメリカ美術館[ 18 ]、ブルックリン美術館[ 19 ]などの公共コレクションに収蔵されている。2021年には、メトロポリタン美術館の展覧会「Shapes From Out of Nowhere」[ 10 ]で彼の作品が展示された。彼は、全米芸術基金、ルイス・コンフォート・ティファニー財団、ニューヨーク芸術財団などの団体からフェローシップや賞を受賞している[ 20 ] [ 21 ] [ 13 ]。キャリアのほとんどをニューヨーク州ブルックリンのスタジオで制作していたジマーマンは、2021年にニューヨーク州ハドソンで亡くなった[ 5 ] [ 22 ] [ 23 ]。
ジマーマンは1954年12月13日にニューヨーク州ポキプシーで生まれ、ニューヨーク州オシニングで育った。[ 22 ] [ 14 ] [ 13 ]カンザスシティ美術研究所に入学する前に、イギリスのリンカンシャーで陶芸家として見習いをし、そこで陶芸家のケン・ファーガソンに師事し、1977年に美術学士号を取得した。[ 24 ] [ 13 ]卒業前に、ジマーマンはフランスのプロヴァンス地方ラコストの石灰岩採石場で石彫を学び、その経験は彼の初期の作品に大きな影響を与えた。 [ 25 ] [ 7 ]彼はアルフレッド大学のニューヨーク州立陶芸大学で研究を続け、1979年に美術修士号を取得した。[ 7 ]
1980年代初頭、ジマーマンはニューヨーク市に移り住み、1983年にブルックリンのウィリアムズバーグにある改装された工場にスタジオを開設した。 [ 5 ] [ 22 ] [ 23 ]プロのアーティストとしての最初の10年間で、現代工芸美術館、ニューヨーク州立大学ストーニーブルック校、アメリカン・クラフト・ミュージアム、シアトル美術館、国立陶芸美術館など、主要な陶芸展に出展した。[ 11 ] [ 26 ] [ 6 ] [ 27 ]また、陶芸コレクションで有名なエバーソン美術館は、彼の記念碑的な作品5点を建物の正面玄関に飾るために選んだ。[ 28 ] [ 23 ]その時期に、彼は妻となるアン・ローゼンタールと出会った。彼女は当時、パフォーマンススペースのフランクリン・ファーネスで活動していた前衛演劇界のメンバーだった。[ 23 ]
後期のキャリアでは、ジマーマンはガース・クラーク・ギャラリー、ダウム現代美術館、シェリー・リーディ現代美術館、アズレージョ美術館[ 6 ]、スナッグ・ハーバー文化センター[ 29 ] 、グリニッチ・ハウス・ポタリー[ 15 ] 、ロードアイランド・スクール・オブ・デザイン美術館（RISD）[ 30 ]などで個展を開催した[2]。また、カトナ美術館[ 31 ]、アイズリップ美術館[ 32 ] 、ノイバーガー美術館[ 9 ]、ケンパー現代美術館[ 24 ]での回顧展にも作品が掲載された。
ジマーマンの芸術は、モダニズムの抽象、具象表現、道徳的・哲学的テーマを探求する一連の作品を通して、陶芸が現代彫刻の主流へと移行する動きを体現した。[ 9 ] [ 1 ]彼は、トスカーナのロマネスク様式やマヌエル様式のポルトガルのゴシック建築から、ピーテル・ブリューゲルやオノレ・ドーミエといった人文主義の芸術家、分析的キュビスムに至るまで、幅広い美術史的源泉から影響を受けた。[ 33 ] [ 24 ] [ 30 ] [ 34 ] 1980年代、ジマーマンは、記念碑的、具象的、浮彫りの彫刻と陶器の伝統の要素を組み合わせたモノリス作品で初めて評価を得た。[ 24 ] [ 8 ] [ 25 ] 1990年代には、彼の作品はますます幻想的になり、複雑なモデリングと釉薬を人型彫刻に用い、最終的には複数の人物が登場する物語的なタブローへと発展した。[ 5 ] [ 14 ]美術史家のジュディ・コリシャンはこの彫刻をヒエロニムス・ボスとブリューゲルの作品に関連付け、「ジマーマンの誇張と奇妙さへの魅了は、人間、動物、植物の要素を絡み合わせた装飾的な芸術形式であるグロテスクと一致している…そこには、人間的な形態と、見せかけと愚かさについての教訓を伝える道徳的な内容を組み合わせた、奇形とユーモアの融合がある」と書いている。[ 9 ]広大な200点のインスタレーションであるインナーシティ（2007～10年）で、ジマーマンはこれらのタブローを都市全体と人口に作り変えた。[ 35 ] [ 36 ]
ジマーマンの初期の記念碑的な青、ピンク、緑、黄褐色の陶器作品は、誇張されたスケール、彫刻されたレリーフ、そして身体と器の二重性を伴う暗示的な具象表現を採用していた。[ 24 ] [ 8 ] [ 25 ]批評家たちは、これらの巨大な作品を男性的で力強く、表現力豊かだと評した。[ 9 ] [ 4 ] [ 25 ]ジマーマンは、厚さ3～5インチの壁またはコイルで手作りし、ゆっくりと乾燥させて焼成することで、深い彫刻を可能にした。[ 28 ] [ 12 ]ロマネスク様式の石柱や付柱に影響を受けたこれらの作品の主要な形態は、従来の器の対称的な首・肩・腹部の構造から逸脱し、誇張されたプロポーションとねじれた波打つ姿勢を用いて、不気味でユーモラスでジェンダー的だと評された方法で人間の動きを捉えている。[ 12 ] [ 25 ] [ 26 ]
ジマーマンは、絵文字のようなリズミカルな彫刻された抽象的および幾何学的な形、隆起、シンボル、曲線的なモチーフ、そして明らかな指紋、擦り傷、パドルの跡が見られる原始的な表面によって作品に活力を与えた。[ 27 ] [ 4 ] [ 25 ] [ 12 ]ニューヨーク・タイムズの評論家ヘレン・ハリソンは、この彫刻には「神秘的で威厳のある存在感があり、未知の文化によって作られた巨大な儀式用具のようで、その象徴的な印は、入門者だけが解読できる隠された意味を示しているように見える。粘土体の粗さと粗雑に形成された形の波状が、原始的な神秘感に貢献している」と書いた。[ 11 ] 1980年代後半、ジマーマンは器から、古代クレタ島、中東、マヌエル様式のポルトガルの建築様式を参照した、より具象的な彫刻された形の柱のような門やアーチの構造へと移行した（例：アーチ、1988年）。[ 4 ] [ 25 ] [ 28 ]
1990年代は、ジマーマンにとって形式的な実験がより活発になった10年間であり、それはフィギュア、卓上作品、噴水やタイル作品、そして複数の人物が登場するタブローにまで及んだ。彼は旅行から大きな影響を受け、ポルトガルのサンタナタイル工房での滞在制作では、エキゾチックまたはグロテスクな植物、生き物、海洋モチーフを特徴とするアズレージョ装飾の伝統を探求した。 [ 6 ] [ 29 ] [ 4 ] [ 9 ]そこでの彼の作品は、色彩豊かで細長く平らなトーテムのシリーズを生み出し、その奇抜なイメージは、基本的なモチーフや職人の紋章などの凝縮されたシンボルを取り入れ、幻想的な人物や紋章を様々に示唆していた。[ 6 ] [ 29 ] [ 9 ]
これらの具象的なアプローチは、台座から卓上サイズの彫刻のシリーズの基礎を築き、批評家たちはそれを「機械と肉体の奇妙な分裂」[ 3 ]と評し、記念碑的な彫刻と後の物語的な作品をつなぐものとなった。[ 9 ] [ 37 ]それらは、繊細な色彩、厚く這うような釉薬の層、そして操作された粘土の絡み合いを用いて、親密さ、個性、そして脆弱で有機的な即時性を伝え、彼の過去の作品の生々しく、ヘラクレス的で共同的な性質とは対照的であった。[ 4 ] [ 3 ] [ 38 ]ヴィーナス Iやヴェイパー(いずれも 1992 年)のような作品は、ぎこちない身体性と機械的な目的の要素 (車輪、鎖、車軸、噴水) を組み合わせ、不安を掻き立てるハイブリッドな存在感を生み出した。[ 3 ] [ 39 ] American Ceramics の評論家 Judy Clowes は、それらを「静かにうねり、滲み出ているように見える、途方もない力と謎めいた物体…そのわずかに脅威的な奇妙さは、腫瘍の成長と暴走した機械への恐怖を同時に呼び起こす」と評した。[ 3 ]土色の滲み出る球体の柱がキノコ状の球体と投射物によって締め付けられている ( Marváo II ) と評論家の Vanessa Lynn は、この作品は、阻害された、あるいは利用された創造的エネルギーを探求していると示唆した ( Pé de Marváoのうねり、勝利を収めた直線状のチューブのように)。[ 4 ]
1990年代半ば、ジマーマンはトーテム的な作品から、比喩的な塩焼き磁器作品へと移行し、性的悪ふざけや暴力に身をくねらせる不定形のポリープのような人物像を描いた、造形的な人物像の伝統に則った作品を制作した（例： 1996年の「フェリー」や「愚者の楽園」）。[ 32 ] [ 22 ] [ 7 ]これらの複数の人物像を描いた作品は、幅12フィートの釉薬のかかっていないテラコッタ作品「愚者の議会パート2」（1999年）へと発展した。これは、原始的な頭部で覆われ、管状の手足や蔓で繋がれた半抽象的な垂直形態の不気味な合唱であり、偽善と恥辱に「燃える」赤い粘土の人物像は、見せかけ、無害さ、そして奇妙さを伝えることを意図していた。[ 9 ] [ 34 ] [ 14 ]その後の複数人物を描いた作品は、より具象的で神話的な性質を帯び、不安定に見える、あるいは虚空に漂い落ちそうな建造物や記念碑を建設するのに忙しい、小さく脆弱な人々を描写した（例：ヘルズ・ゲート、2002年；バベルの上の愚者の船、2003年）。[ 15 ] [ 40 ] [ 1 ]ドナルド・クスピットは、それらを愚かさ、野心、不条理の寓話であると同時に創造過程のメタファーであると考えていたが、[ 15 ] [ 1 ]アメリカン・クラフトのエレン・ポール・デンカーは、それらは愚かさではなく、日常生活と普通の仕事の尊厳への関心を表現していると主張した。[ 40 ]
ジマーマンの人間の労働と野心への関心は、おそらく「インナー・シティ」（2005～2009年）で最も完全に実現された。これは、建築家ティアゴ・モンテペガドがリスボン電気博物館（2007年）、プリンセスホフ陶器博物館（2008年、オランダ）、RISD美術館（2009年）にサイトスペシフィック・インスタレーションとして設計した、ジマーマンの200点以上の彫刻を含む共同作品である。[ 35 ] [ 30 ] [ 7 ]手作業で綿密に観察された粘土の作品は、マンハッタンのようなグリッド状に配置されたリリパット人の職人、物体（道具、I形鋼、はしご）、建築要素（煙突、階段、橋、建物、歩道）の広がりと、映画のスチール写真や夢のイメージのように機能する、事故、挫折、意思疎通の誤り、労働とレクリエーションのシナリオを描いている。[ 36 ] [ 35 ] [ 7 ]批評家たちは、これらのインスタレーションは、現代の破壊と拡張の無謀さと畏怖、個性、そして現代の都市や構造の制約との間の緊張を探求しており、同時に精神のメタファーを示唆していると指摘した。[ 35 ] [ 7 ]彼らは、作品のテーマをバルザックの『人間喜劇』、フリッツ・ラングの都市ディストピア『メトロポリス』 、大恐慌時代のハリウッド映画、そしてブリューゲル、ボッシュ、ジェームズ・アンソール、フィリップ・ガストンによる「人間の労働の重厚な叙情性」を捉えた芸術になぞらえた。[ 30 ] [ 7 ]
2014年、ジマーマンはニューヨーク市を離れ、ハドソンに最先端のスタジオを建設した。そこで彼は彫刻庭園と、娘の名前を冠したギャラリー「イジーの部屋」も作った。この時期、彼は古典的な人物彫刻を探求し、庭園のために、初期の記念碑的な器を形式的に想起させる、個性的な屋外プランターシリーズを制作した。[ 23 ]
ジマーマンの作品は、アルフレッド陶芸美術館[ 41 ]、ブルックリン美術館[ 19 ]、チャゼン美術館[ 42 ]、ダウム現代美術館[ 43 ]、デトロイト美術館[ 44 ] 、エバーソン美術館[ 45 ] 、フロスト美術館[ 46 ] 、ホノルル美術館[ 47 ] 、プリンセスホフ陶芸美術館、ロサンゼルス郡立美術館[ 17]、メトロポリタン美術館[ 16 ] 、ミルウォーキー美術館、ミント美術館、美術工芸博物館[ 48 ] 、装飾美術館（モントリオール） 、アズレージョ美術館、フィラデルフィア美術館[ 49 ]、スミソニアンアメリカ美術館[ 18 ]、イエローストーン美術館などの公共コレクションに収蔵されている。 [ 14 ] [ 6 ]
ジマーマンは、ルイス・コンフォート・ティファニー財団（2005年）[ 21 ]、ニューヨーク芸術財団（1999年、1991年、1987年）、全米芸術基金（1990年、1986年、1982年）[ 20 ]、コネチカット州芸術委員会（1981年）[ 27 ] [ 13 ]からフェローシップを受けた。彼は、エッシェンバッハ磁器（ドイツ、2014～17年）[ 50 ] 、世界陶磁器博覧会財団（韓国、2005年）、信楽陶芸文化公園（日本、2000年）、アーツ・インターナショナル／リラ・ウォレス・リーダーズ・ダイジェスト基金（ポルトガル、1992年）、コーラー芸術産業プログラム（1991年、1989年）[ 14 ] [ 29 ]からアーティスト・イン・レジデンスの称号を授与された。