岡本太郎

戦後、岡本は東京世田谷区上野毛にアトリエを設立した。1947年に美術家協会「二部会」に入会し、「二部会展」に定期的に出品するようになった。また、ヨーロッパの近代美術に関する講演も始め、近代美術に関する自身の評論も発表し始めた。^{[ 7 ]}戦後の日本におけるシュルレアリスムの研究において、岡本は10年以上パリに住んでいたため、パリからの重要な情報伝達者として評価されている。^{[ 9 ]} 1948年、岡本は美術評論家の花田清輝と共に「夜の会」を設立し、メンバーは戦後の芸術表現の理論化を試みた。この会は1949年に解散した。その後、花田と岡本は「アバンギャルド研究会」を設立し、池田達雄、山口勝弘、中原祐介といった若い芸術家や評論家を指導した。最終的にこれらのグループは若い芸術家たちに刺激を与え、彼らはそこから離脱して独自の前衛グループを結成した。^{[ 10 ]}

美術界で著名な岡本は、1950年代に東京日本橋の三越百貨店や大阪の高島屋百貨店のアートギャラリーといった名高い会場で個展を次々と開催し始めた。彼の作品は、1953年の第2回サンパウロ・ビエンナーレと1954年の第27回ヴェネツィア・ビエンナーレの日本代表作品に選ばれた。 ^{[ 11 ]}岡本は、審査も賞も授与されない読売インディペンデント展にも出品しながら、ニカのメンバーとして精力的に活動を続けた。

岡本は1950年代から晩年まで、政府庁舎、オフィスビル、地下鉄駅、美術館など、日本各地で壁画や大型彫刻の制作依頼を数多く受けた。特筆すべき作品としては、丹下健三が設計し1956年に完成した丸の内旧東京都庁舎の陶製壁画や、丹下が設計し1964年東京オリンピックのために制作した代々木国立体育館の陶製壁画5点などが挙げられる。^{[ 12 ] [ 13 ]}

1950年代、岡本は日本社会における公共知識人としての地位を確立する上で重要な美的概念をいくつか提唱した。^{[ 8 ]}まず、彼は「対極主義」の理論を構築し、 1950年の読売独立展の開会式でその宣言を読み上げた。^{[ 14 ]} 1952年、岡本は縄文時代の陶器に関する影響力のある論文を発表した。この論文は先史時代の日本との長い関わりの始まりであり、日本の美学は古代縄文時代からインスピレーションを得るべきだという彼の主張は、日本文化に対する世間の認識を変えるのに役立った。^{[ 8 ]}彼はその後も日本の伝統について執筆を続け、第二次世界大戦後の日本の伝統の再評価において活躍した主要な思想家の一人となった。^{[ 15 ]}彼は後に日本文化の本質を研究するために日本各地を旅し、『日本再発見－芸術風土記』（1962年）と『新碧日本』（1964年）を出版した。これらの著作は、彼が調査旅行中に撮影した写真が豊富に掲載されている。これらの作品は彼の民族誌的関心の延長であり、彼自身が撮影した写真は彼の観察を裏付ける強力な証拠となった。

岡本は1959年と1966年に日本各地を旅する中で沖縄を訪れた。彼はそこで、より素朴で土着的な生活の名残を感じ、感銘を受けた。1961年には、旅で撮影した多くの写真を掲載した『忘れられた日本：沖縄文化論』を出版し、毎日出版文化賞を受賞した。^{[ 16 ]}岡本の写真の多くは、木村伊兵衛や道門健など、他の日本人写真家が既に撮影した沖縄の題材を再訪している。^{[ 17 ]}岡本の沖縄への関心は、急速に近代化が進む日本本土とは対照的に、沖縄を伝統の宝庫として捉えようとする、現代日本人の大きな関心の一部と見なすことができる。^{[ 18 ]}

1967年、岡本太郎はメキシコを訪れ、そこで大規模な壁画制作に取り組み、日本のテレビ向けに「新世界：岡本太郎がラテンアメリカを探訪」という番組を撮影した。^{[ 19 ]}岡本はメキシコの絵画に深く感銘を受け、それを日本の美術界の注目を西洋諸国から遠ざける道筋と捉えた。彼は日本とメキシコの美術界の連携によって、西洋とは異なる新しい近代美術の美学を創り出すことを構想し、日本の縄文文化とメキシコのコロンブス以前の美術との類似性を見出していた。メキシコ美術への言及は、その後の彼の作品にも現れることになる。^{[ 20 ]}

岡本は1970年代も旅を続け、執筆活動を行い、公共芸術作品を制作した。また、版画制作にも着手し、シルクスクリーンや銅版画の技法を試みた。

岡本氏の1970年代における最も注目すべき業績は、大阪万博（1970年）への関与であり、彼はその中心となるテーマパビリオンを設計・制作した。このパビリオンには、太陽の塔と題された巨大な彫刻、塔の内外の展示、そして2つの小さな塔が含まれていた。^{[ 21 ]}太陽の塔の独特な外観は、岡本氏のヨーロッパのシュルレアリスムのバックグラウンド、メキシコ美術への関心、縄文陶器の影響を受けている。^{[ 22 ]}このパビリオンは、万博期間中に900万人以上が訪れ、現在では万博記念公園に保存されている。^{[ 23 ]}

岡本は晩年、個展を数多く開催するようになった。1986年には、初期の絵画数点が、パリのポンピドゥー・センターで開催された日本の前衛芸術家による大規模な展覧会「Japon des Avant-Gardes 1910–1970」に出品された。^{[ 24 ]} 1991年には、彼の主要作品が川崎市に寄贈され、1996年に彼が亡くなった後、1999年に彼を記念する美術館が開館した。

岡本氏の戦前の絵画はごくわずかしか残っていないが、パリでの初期のキャリアでは抽象画に興味を持ち、アブストラクション・クレアシオン・グループで数多くの作品を発表した。しかし、時が経つにつれ、純粋な抽象画の限界に不満を抱くようになり、絵画に具象的なイメージをより多く取り入れるようになった。抽象と具象を融合させた『傷ついた腕』の完成は、岡本氏にアブストラクション・クレアシオン・グループを離れ、他の絵画様式を探求すべきだと確信させた。『傷ついた腕』は、腕、肩、髪、鮮やかな赤いリボンの表現を通して少女を描いているように見えるが、不気味なことに人間の頭や胴体は一切含まれておらず、腕自体も抽象的な肉の縞模様とバブルガムピンクの色調で予想を裏切る。この作品はパリのシュルレアリストたちに称賛されたが、岡本氏はグループへの参加を辞退した。^{[ 25 ]}

岡本氏の戦後の絵画は、壁画や公共彫刻と同様に、抽象主義やシュルレアリスムの影響を受け続けているが、彼のポラリズム理論や先史時代の芸術の発見からも影響を受けている。彼の最も有名な絵画の1つである『ジャングルの法則』（1950年）は、巨大なジッパー型の背骨を持つ怪物のような赤い魚のような生き物が人間の姿を貪り食っている様子を描いている。^{[ 26 ]}鮮やかな原色で描かれた小さな人間や動物の形が、光り輝く緑のジャングルの中を漂う中央の生き物を取り囲んでいる。この作品の重要な特徴の多く、つまり抽象主義とシュールな人型形態の融合、鮮やかな色彩、平面的な画面は、彼のその後のキャリアを通して彼の絵画に引き継がれた。

岡本は1967年のメキシコ旅行中に、1968年のオリンピックのために建設されていたメキシコシティのホテル・デ・メキシコ（マヌエル・スアレス・イ・スアレス設計）のために、キャンバスに油彩で5.5×30メートルの壁画「明日の神話」を描いた。^{[ 27 ]}壁画の副題は「広島と長崎」であり、それに応じて、赤く燃える骸骨から尖った白い突起が噴出する核破壊の風景が描かれている。周囲のイメージは、第五福竜丸事件のような核災害の出来事を暗示している。^{[ 28 ]}ホテルは完成しなかったため、壁画は設置も展示もされなかった。メキシコで30年間行方不明になった後、2008年11月17日に、壁画は東京の渋谷駅の新しい恒久的な場所で公開された。^{[ 29 ]}

岡本氏の太陽の塔は、大阪万博のシンボルとなった。高さ70メートルのこの人型は、コンクリートと吹き付け漆喰で作られ、2本の角状の腕、2つの円形の顔、そして最高点に取り付けられた1つの金色の金属製の顔がある。全体として、人類の過去（下部）、現在（中央部）、未来（顔）を表している。来場者は彫刻の基部から入り、原始的な生物からより複雑な生命体への生物の進化を示す彫刻の木であるいわゆる「生命の樹」の隣にあるエスカレーターで上った。そして来場者は彫刻の腕から出た。^{[ 30 ]}岡本氏がメキシコを訪れた直後に建設されたこのプロジェクトは、コロンブス以前のイメージからもインスピレーションを得ている。同時に、塔の形は縄文土偶に似ており、ピカソのキュビスムの肖像画を暗示している。^{[ 21 ]}終末論的な『明日の神話』とは異なり、このタワーは最終的にはより肯定的なメッセージを持っていた。そのイメージの多様なインスピレーションは、よりグローバルな現代美術の可能性を示唆しており、岡本は、タワーとその周辺の広場が、大破壊ではなく、人々の大集いを促進することを想像していた。^{[ 23 ]}

『明日の神話』と『太陽の塔』は、岡本氏の公共美術作品の多くに見られるイメージを特徴としている。同様のスタイルの作品としては、東京・銀座の『若時計台』（1966年）、愛知県犬山市の『若太陽の塔』（1969年）、東京・青山市の『子供の木』（1985年）などがある。

岡本氏の「対極主義」の思想は、パリ滞在中にヘーゲルの講義に出席したことから生まれた。彼は弁証法に疑問を呈し、総合の概念を拒否し、むしろテーゼとアンチテーゼ（対極）は実際には分離したままであり、統一や解決ではなく永続的な断片化をもたらすと信じていた。^{[ 31 ]}第二次世界大戦直後に提唱されたこの理論は、多くの点で日本の戦時絵画の視覚的な全体性と調和に真っ向から反対する美学であった。^{[ 32 ]}芸術への応用という点では、岡本氏は抽象絵画を総合と捉え、色彩、動き、そして様々な感覚を一つの作品に統合した。しかし、 『ジャングルの法則』（1950年）は永続的に断片化されている。個々の要素は線と色彩で明確に描写されているが、識別を拒み、互いに何のつながりもなく絵画空間に漂っている。また、平面と奥行き、明瞭さと不明瞭さ、前景と背景、具象と抽象の間に強い緊張関係が存在する。『夜明け』（1948年）と『重工業』（1949年）も、二極化の例と考えられている。^{[ 33 ]}

岡本氏の縄文理論は、20世紀の日本の美学と文化史において最も影響力のある理論的貢献の一つとなった。 ^{[ 34 ]}この理論は、 1952年に雑誌『みずえ』に掲載された彼の代表作「縄文土器論：第四次元との対話」で初めて紹介された。東京国立博物館を訪れ、先史時代の縄文土器や土器を見たことがきっかけとなり、この論文は日本の美学を根本的に見直すことを主張した。^{[ 35 ]}岡本氏は、それまでの日本の美学は、簡素で控えめで抑制され洗練された先史時代の弥生時代の土器の美学に基づいていたと考えていた。この基盤が、侘び寂びなど、多くの人が伝統的な日本の美的概念と考えるものを生み出した。^{[ 36 ] [ 37 ]}対照的に、縄文土器の力強く、粗削りで、神秘的な模様やデザインは、現代日本には欠けていたダイナミックで本物の表現を提供していた。彼は、日本の芸術家は、祖先のより「原始的な」文化からインスピレーションを得て、同じダイナミックな力と神秘性を追求することで、自らの作品に活力を与えるべきだと主張した。^{[ 38 ]}岡本氏の日本美学に対する理解は、民族誌的研究やパリでのシュルレアリスムとの出会いに大きく影響を受けていたが、民族誌的対象を異国情緒的に扱うのではなく、縄文土器を具体的に用いて、日本の前衛芸術の実践のための土着の理論的基盤を構築した。^{[ 35 ]}

岡本は先史時代の美術に興味を持っていたにもかかわらず、現代美術において過去を直接的に保存することを提唱することはなかった。1954年に出版された彼のベストセラー『今日の芸術』は、若い芸術家たちに過去のあらゆる芸術体系を激しく破壊し、西洋美術界に匹敵する日本の美術界を再構築するよう促した。^{[ 26 ]}これは縄文様式のエネルギーと表現の一形態を提唱する方法と見なすことができる。