Loading article…
菅井久美 | |
|---|---|
 1962年の菅井久美 | |
| 生まれる | 1919年3月13日 神戸、日本 |
| 死亡 | 1996年5月14日 神戸、日本 |
| 教育 | 大阪芸術大学アカデミー ・ド・ラ・グランド・ショーミエール |
| 職業 | 画家、版画家 |
菅井 汲（すがい くみ、 1919年3月13日 - 1996年5月14日）は、日本の画家、版画家。前衛絵画への関心に駆られた菅井は、1952年にパリに渡り、すぐに批評家の注目を集め、パリ内外で数多くの展覧会に参加した。当初はアンフォルメルや叙情的な抽象画に近いスタイルで制作していたが、ヌーヴェル・エコール・ド・パリに所属するようになった。1960年代初頭、自動車や現代の都市生活への関心からハードエッジな抽象画スタイルを展開し、作品は劇的に変化した。菅井は特定の芸術運動やグループに正式に所属していなかったが、友人の詩人ジャン＝クラレンス・ランベールや大岡真太らと複数のプロジェクトでコラボレーションした。
バイオグラフィー
日本での幼少期とキャリア
1919年に神戸でマレー系の両親のもとに生まれた菅井の生い立ちは不安定だった。養子縁組された後、離婚した実の両親のもとに再び預けられた。[1] : 25 幼い頃に心不全で入院し、2年間寝たきりだった。14歳のとき、大阪美術学校で短期間学んだが、健康上の理由で学業を修了することはできなかった。[2]
菅井は1937年から1945年まで大阪・神戸に拠点を置く阪急電鉄の広告でキャリアをスタートさせた。[2]彼はこの仕事に無関心であったが、鉄道員として全国を旅する機会をありがたく思っていた。[1] : 26
菅井は終戦後の1947年に美術活動を開始した。[3]生計を立てるため、小学校の教科書の挿絵を描いた。日本美術院の高名な会員、中村てい以に日本画を学んだ後、前衛絵画に興味を持つようになった。[1] : 26 地元の実業家で画家の吉原治良のスタジオに通い始めた。吉原は後に影響力のあるグループ「具体」を率いることになる。吉原はこの時期の菅井の絵画に大きな影響を与えており、絵の具の物質性と抽象的で子供じみた形への共通の焦点を反映している。その形はパウル・クレー、ジョアン・ミロ、マックス・エルンストを思い起こさせる。この時期の作品のもう一つの注目すべき点は、繰り返し現れる鳥のモチーフである。[3]吉原が審査員を務めた公募展「第4回芦屋市展」で菅井の作品が賞を受賞したことは、吉原の菅井の作品に対する評価の表れである。[3]
パリへの移住と初期の絵画
ジャクソン・ポロックやアレクサンダー・カルダーの作品を発見した菅井は、アメリカで芸術活動を続けることを決意した。しかし、十分な資金がなかったため、パリまでしか行けなかった。[3] 1952年に単身パリに到着し、モンパルナス地区に居住。当初はアカデミー・ド・ラ・グランド・ショミエールに通い、エドゥアール・ゲルグに師事した。[2]
パリで制作された彼の最初の作品は具象的で、アンフォルメルの美学を反映していました。多くのキャンバスには、厚い油絵の具に幾何学的な線が刻まれ、空虚な都市の風景が描かれていました。彼はまた、遊び心を持ってその形を単純化した動物の絵も描き続けました。
美術評論家、詩人、そして菅井の友人でもあったジャン＝クラレンス・ランバートは、パリでの菅井の幼少期は孤独なものだったと回想している。フランス語をほとんど話せなかった彼は、パリに住む今井俊光、堂本尚夫、そして日系アメリカ人彫刻家田尻真吉（CoBrAの最後のメンバー）など、日本人芸術家のコミュニティに参加した。 [ 1] : 14–15
田尻は1953年に開催された美術評論家シャルル・エティエンヌのサロン・オクトーブル第2回に菅井を招待した。彼の作品は美術商ジョン・クレイブンに賞賛され、彼は菅井に自身のギャラリーとの契約とパリでの初の個展をオファーした。[1] : 16 菅井の作品は影響力のある評論家で作家のミシェル・ラゴンの注目を集め、ラゴンは2つの展覧会に彼の作品を出品し、緩やかに提携していたヌーヴェル・エコール・ド・パリにおける菅井の地位を確固たるものにした。[1] : 22
1950 年代半ば、菅井の描く人物はますます抽象的になりました。1950 年代後半から 1960 年代前半にかけて、彼はブロック状の書道的幾何学図形が中心となる、大きく色彩豊かな一連のキャンバス作品を制作しました。それらの題名は、鬼、侍、雷神など、日本の民間伝承を思い起こさせます。確実な筆致で目を惹きつける構成の単純化が進むにもかかわらず、画家は絵の具の使い方において厚みと質感を保ちました。
菅井はパリに到着してから3年後の1955年に版画の実験を始めました。その年、彼は最初のリトグラフを制作しました。これはフランスでは一般的な版画技法ですが、木版画が主流だった日本ではあまり一般的ではありませんでした。 [4] 1957年には、ジャン=クラレンス・ランベールの詩集『 La Quête sans fin』にリトグラフの挿絵を描きました。同年、彼はパリで出会った画家の川本光子と結婚しました。[1] : 22
菅井は1950年代後半に、小さな台座に乗せられ絵の具に浸されて抽象的な様相を呈する絵筆「オブジェ」など、数多くの彫刻作品も制作した。彫刻は菅井にとって大きな関心事ではなかったが、1960年代を通じて時折彫刻作品を制作し続けた。
スタイルの変遷とその後の抽象作品: 1962-1990 年代
菅井氏は、1962年が自身のキャリアにおいて転換点となった年であったと述べています。
それまでは、作品は自分の生活の一部であり、血と汗を流して描いていると思っていました。しかし、この一年で、自分の意志が自分だけに向けられていることが過剰だと感じるようになりました。冷たくドイツ的な合理主義を体験した私は、自分の作品を独立した作品としてではなく、社会と関わりを持つことのできるアンサンブルとして考えるようになりました。そして、より具体的に生活に関わりたいと思ったのです。[5]
1962 年以降、菅井の作風は劇的に変化しました。彼はアンフォルメル風の物質感を捨て、マットでくっきりとした表面を描き、最終的にアクリル絵具を採用するようになりました。1950 年代後半にキャンバスを埋め尽くしていた漠然とした書道的な記号は、はっきりと輪郭が描かれた幾何学的な形に置き換えられました。彼はまた、より記念碑的な形式での制作も始めました。
この新しい、ハードエッジな、技術的な美学の発展における重要な触媒は、1960年に彼がポルシェを購入したことでした。[2]道路標識と都市生活の視覚言語、そしてスピードのスリルと爽快感は、その後の人生で菅井にインスピレーションを与えることになりました。[6] 1964年から1968年の間に、菅井は「午後の高速道路」、「朝の高速道路」、「高速道路フェスティバル」、「太陽の高速道路」など、タイトルに「Auto」という言葉を含む約50点の作品を制作しました。
インタビューの中で、菅井は道路標識やシンボルの普遍性への関心を表明した。「高速道路では、道路標識は国籍や文化に関係なく、どんなドライバーでも一瞬で理解できる明確なメッセージを伝えます。同じように、私は最も直接的な言葉だけを使いたいと思っています。[...]これが基本的な原色を使用する理由です。」[7]画家の大佐見敬二はエッセイの中で、菅井の高速道路の美学は、アーティストがジャポニスムのステレオタイプから脱却し、独自のアイデンティティを押し付けることを可能にしたと主張した。[8]
1967年、菅井と妻は猛スピードで運転中に大きな交通事故に遭った。二人とも命は助かったが、菅井は首を骨折しパリの病院に入院した。しかし、この事故で再び旅に出ることをやめることはなく、すぐに別のポルシェを購入した。[1] : 99 スタジオに戻るのを助けるために、彼はアシスタントを雇い、1968年のヴェネツィア・ビエンナーレ日本館での展覧会の準備を手伝い始めた。[1] : 126
1969年、菅井は18年ぶりに日本に戻り、東京国立近代美術館の玄関に長さ16メートル、高さ3.6メートルの壁画を制作するよう依頼された。[1] : 128 「フェスティバル・オブ・トーキョー」と題されたこの壁画は、菅井が生涯で制作した最大の作品となった。彼が短期間日本に滞在した間に、東京と京都で2回の個展が開催されたが、これは彼にとって母国での初の個展であった。[1] : 128
1970年代以降、菅井は連作の制作を始め、1977年にはリトグラフの制作を中心に活動し始めた。[2]彼は定期的に日本に戻り、数多くの回顧展が開催された。
1981年、彼は長年の友人である詩人の大岡信と共同で作品を制作した。1983年に東京の西武美術館で開催された重要な回顧展の機会に、アーティストと詩人は再会し、イラスト入りの詩を中心に構成された長さ10メートル、高さ1.3メートルの作品を制作した。[2]
菅井は1960年代以降、定期的に国際展に出展し、数々の賞を受賞している。その中には、1961年のグレンヘン国際色彩印刷トリエンナーレでのグランプリ、1965年のクラクフ国際版画ビエンナーレでのグランプリ、1972年のノルウェー国際版画ビエンナーレでの名誉賞などがある。[2]
1996年、菅井は日本に戻り、天皇から高い文化功績のある個人に授与される紫綬褒章を受賞した。[2]同年5月14日、神戸にて死去。
コレクションと厳選された展覧会
菅井の作品は、メトロポリタン美術館、グッゲンハイム美術館、ボストン美術館、カーネギー美術館、シカゴ美術館、ブルックリン美術館、ロサンゼルスカウンティ美術館、サンフランシスコ近代美術館、ウォーカーアートセンター、ヴィクトリア＆アルバート博物館、ポンピドゥー・センター、オスロ国立博物館、ボイマンス＝ファン・ベーニンゲン美術館、ノイエ・ナショナルギャラリー、ヨーテボリ美術館、東京国立近代美術館、ブリヂストン美術館、国立国際美術館、京都国立近代美術館、富山近代美術館、横浜美術館、兵庫県立美術館、静岡県立美術館など、数多くの国際機関に収蔵されています。
主な個展
- 1954年: ギャラリー・クレイヴン、パリ
- 1959、1960、1961、1962、1964 : クッツギャラリー、ニューヨーク
- 1960: レバークーゼン市立美術館
- 1967年：オスロ国立美術館
- 1969年: 京都国立美術館
- 1976: メゾン・ド・ラ・カルチャー、オルレアン
- 1977年：大阪・梅田美術館
- 1983年：回顧展 1952-1983、西武美術館、東京
- 1988年: ギャラリー・ブルスベルク、ベルリン
- 1990: ギャラリー・アルキュリアル、パリ
- 1992年：倉敷大原美術館
- 1997年：版画巡回展（1955年～1995年）：高松、浜松、町田、天童、加賀、芦屋
- 1999:菅井久美「les plus grands tableaux de ses dernières années」パリ日本文化会館（フランス語：Maison de la culture du Japon à Paris）、パリ、フランス
- 2000年：菅井久美、東京現代美術館
- 2019:菅井久美展 永遠の挑戦者、海の森美術館、広島
主なグループ展
- 1953: 10月、ギャラリー・クレイヴン、パリ
- 1955年、1958年、1961年、1964年: カーネギー国際博覧会、ピッツバーグ
- 1959年と1964年:ドクメンタカッセル、西ドイツ
- 1959 年と 1965 年:サンパウロ ビエナール
- 1962年:エコール・ド・パリ、テート・ギャラリー、ロンドン
- 1964年：10年間の絵画と彫刻、テートギャラリー、ロンドン
- 1966年：日本の新しい絵画と彫刻、ニューヨーク近代美術館
- 1967年：モントリオール国際博覧会フランス館に参加
- 1968年：フランスの絵画 1900-1967年、ワシントンDCナショナルギャラリー
- 1969年：現代美術展 東西対話、東京国立近代美術館
- 1970年:大阪万博参加
- 1979年：現代美術・戦後美術、鎌倉近代美術館
- 1986: 「前衛的な日本」、ポンピドゥー・センター、パリ
- 2022: Modernités cosmiques、ヴァスレリー財団、エクス アン プロヴァンス
参考文献
- ^ abcdefghijk Jean-Clarence Lambert、Sugaï、パリ、Editions Cercle d'art、1990 年。
- ^ abcdefgh 菅井久美 : Les plus grands tableaux de ses dernières années、exh.カタログ、パリ、パリ日本文化館、1999 年、p. 35.
- ^ abcd 菅井汲、展覧会カタログ、東京、東京都現代美術館、2000年、30頁。
- ^ 滝沢教司「ル・ジャポンとパリ・ド・クミ・スガイ」、原勝夫編、スガイ ：カタログ・レゾネ・ドゥ・ルーヴル・グレーヴ、静岡、ART DUNE、1996、p. 14.
- ^ 菅井久美は、中島徳博「À la recherche d'unevision」、原勝夫編、Sugaï : Catalogue raisonné de l'oeuvre gravé、静岡、ART DUNE、1996、p.で引用。 17.
- ^ Germain Viatte、「Départ et retour - une identité plurielle」、Kumi Sugaï : Les plus grands tableaux de ses dernières années、 exh.カタログ、パリ、パリ日本文化館、1999 年、p. 15.
- ^ ミリアム・スマジャとのインタビュー、「菅井久美：虚空を描く」、ユネスコ・クーリエ、 49、第5号、1996年、29ページ。
- ^ 大佐見啓司、『日本をめぐるロマンス』、原勝男編、Sugaï : Catalogue raisonné de l'œuvre gravé、静岡、ART DUNE、1996、p. 310-312、p. 312.
外部リンク
ウィキメディア・コモンズの菅井久美に関連するメディア