吉原治良

吉原治良
生まれる	( 1905-01-01 )1905年1月1日 大阪
死亡	1972年2月10日(1972-02-10)（67歳） 芦屋
知られている	絵画
動き	具体グループ

吉原 治良（よしはらじろう、1905年1月1日 - 1972年2月10日）は、日本の画家、美術教育者、学芸員、実業家。

吉原の作品は、 1950 年代のジェスチャー的な抽象画の厚塗りと、1960 年代に始まった禅画にインスピレーションを得たハードエッジの「サークル」で主に知られていますが、その作品には、デッサン、壁画、彫刻、書道、水墨画、陶芸、水彩画、舞台デザインも含まれています。

吉原は、画家、美術教育者、芸術の推進者、関西地方内外の芸術、商業、産業のネットワーク構築者として、また特に1954年に共同設立した戦後の前衛芸術集団「具体美術協会」のリーダーとして、戦後日本の芸術と文化の重要人物でした。吉原の指導の下、具体は野外展示、パフォーマンス、舞台上でのプレゼンテーション、参加型作品など、過激な実験的アプローチを模索しました。吉原の世界的な野心に後押しされ、具体は国際的にコミュニケーションし、グローバル化する芸術界に参入するための芸術戦略を開発しました。

吉原氏は芸術活動の傍ら、実家の食用油事業「吉原製油株式会社」の経営・監督にも携わっていた。

吉原は1905年に植物油卸業者の次男として大阪で生まれ、裕福で洗練された国際的な環境で育った。 ^[1]（1914年に兄が亡くなった後、彼は家業の跡継ぎとなった。^[2]

吉原は子供の頃から芸術的才能と絵画への興味を示し、独学で油絵の技術を習得した。彼は、セザンヌ、ゴッホ、ルノワールなどのポスト印象派の芸術家も推進した白樺派の文学運動のヒューマニズム的理想主義に深く感銘を受けた。[ ^{3] [4] [5]}吉原は大阪の北野中等学校に通い、関西学院大学経営学部で商学を学んだ。^{[2] [6] [7]}

1925年に結核を患った後、吉原は芦屋に移り住み、ヨーロッパの文化や芸術について吉原に教えてくれた著名な画家神山次郎^[8]や抽象芸術を推進する友人であり戦友となった長谷川三郎^[9]など、芦屋を拠点とする芸術家たちと知り合いました。吉原は後に、神山が「独創性と個性こそが最も重要だ」と自分に言ったことを回想しています。^[10]

吉原は、草園会などの画家団体の展覧会に参加し、1926年に関西学院大学画サークル「玄月会」に入会。1928年に初の油彩画の個展を開催した。

神山の仲介で、吉原は1928年に画家の東郷青児、1929年に藤田嗣治と、ヨーロッパでの1年間の滞在から帰る途中の神戸で出会った。^{[11] [12]}藤田は、吉原の作品には他の画家の影響が強すぎると指摘し、それが吉原に強い印象を与え、独創性を追求するよう促した。吉原の才能を認めた藤田は、パリで絵画を学ぶよう勧めたが、吉原は結局、父親の反対でこの計画を断念した。^{[13] [14]} 1929年、吉原は奥田千代と結婚し、4人の息子をもうけた。^[15]同年、吉原は関西学院大学大学院を中退し、家業に加わった。監査役を務め、1941年から取締役となり、1955年に吉原製油株式会社の社長に就任した。^[7]

1920年代、吉原はフランスのポスト印象派と初期の日本の近代油絵の影響を融合させた静物画などの絵画を制作した。^{[16] 1930年代初頭、彼は}ジョルジョ・デ・キリコのスタイルを反映したスタイルを採用した。1934年から、吉原は二科会（通称二科）の展覧会に作品を発表した。

1936年頃、吉原はヨーロッパやイギリスの抽象画家たちに触発され、有機的かつ幾何学的な抽象表現の視覚言語の実験を始めた。^[17] 1938年、抽象表現やシュルレアリスムを追求していた二科の他の前衛画家たちとともに、吉原は九室会を設立し、独自の展覧会を開催した。^{[18] [19]} 1930年代後半、日本政府がアジアでの戦争努力を強化し、反共産主義、反自由主義の抑圧策が芸術家にも影響を与えたため、九室会は1943年にすべての活動を停止した。^[20] 1944年、結核の再発により兵役を免れた吉原は、兵庫県大蔵町に疎開した。^[21]

第二次世界大戦後、吉原はただちに関西地方をはじめとした地域の芸術界や文化生活の再建に取り組みました。また、1946年頃からポスター、商品やウィンドウディスプレイ、壁画のデザインを手掛けたほか、オペレッタ、ダンス、野外コンサート、演劇、ファッションショーなどの舞台装置も手掛けました。^[22]

吉原は1945年の二科の再建に積極的に関わった。哲学者飯島務が率いる天石会の会合に出席し、汎美術協会、1947年の日本前衛美術家クラブ、1948年の芦屋市美術協会（地元のサロンである芦屋市展を主催した地元の統括団体）、1953年の日本抽象美術クラブとアートクラブなどの芸術家グループの共同設立者となった。

彼は教育活動にも参加し、自宅や1949年から1958年まで大阪市立美術研究所（市立美術館付属美術学校）で若い芸術家を指導した。美術界の確立したメンバーとして、彼は童美展（当初は児童創作美術展）や美術教育展（美術教育展）などの子供や学生の美術展の審査員を務め、また児童詩誌「キリン」に協力した。^{[23] [24]}

1952年、吉原は植木茂、須田庸太、中村誠などの芸術家とともに現代美術懇談会（通称現美）を設立した。これは関西を拠点とする芸術家、評論家、学者、専門家が学際的なテーマ別討論会や合同展を行うための学際的なフォーラムであった。参加者には、画家、彫刻家、工業・製品・ファッションデザイナー、写真家、そして特に書道、陶芸、生け花などの伝統芸術の前衛芸術家がおり、墨人会、走泥社、四耕会、小原流、草月流、未生流の会員が含まれていた。 [ 25 ]彼らは強い世界的な^志と現代抽象芸術への熱意を共有していた。さらに、吉原は墨人会や小原派の座談会に参加し、彼らの出版物（『墨美』を含む）に文章やイラストを寄稿し、ピエール・スーラージュ、ジャクソン・ポロックなどの欧米の抽象画家たちとの芸術交流の恩恵を受けた。^[26]

1954年、吉原は弟子や現美の若手参加者（正延正敏、嶋本昭三、上前智勇、山崎鶴子、吉田俊雄、その息子の吉原道雄、吉原秀雄）とともに具体美術協会を設立した。具体の設立は、1954年12月の父の死後、吉原が吉原製油所の専務取締役に就任したのと同時期であった。1955年1月に創刊された『具体』の名を冠した機関誌は、1965年までの14号にわたり団体の活動を記録し、九室会の出版物に対する彼の熱望を復活させ、雑誌を通じて国際的なネットワークを構築するという墨人会の戦略を模倣した。^[26]その後の数か月で、団体は大きな変化を遂げた。創立メンバーの半数以上が脱退したが、その中には吉原が展覧会よりも雑誌を優先したことに不満を抱いた者もいた。^[27]しかし、吉原の招きに応じて具体は新メンバーも獲得した。その中には、金山明、村上三郎、田中敦子、白髪一雄などがあり、彼らは小さな芸術家グループ「ゼロ会」に所属し、新制作協会にも所属していた。吉原とこのグループはまた、元永定正、鷲見康夫、浮田洋三を勧誘し、彼らも1955年後半に入会した。

その後18年間、具体は吉原のリーダーシップの下、型破りな屋外展示や舞台上プレゼンテーションなど、定期的に具体美術展やその他の美術展を開催した。これらの型破りな形式に適応しながら、吉原自身を含む具体メンバーは、パフォーマンス的、一時的、インタラクティブな要素を含む、過激に実験的な制作およびプレゼンテーション方法を模索した。具体の屋外展示や舞台上プレゼンテーションのために、吉原はいくつかのインタラクティブな作品やインスタレーションを提供した。グループは平等主義的な構造に基づいていたが、吉原は事実上のリーダーでありスポークスマンでもあった。1956年、日本におけるアンフォルメル絵画の誇大宣伝に応えて、吉原はグループの「具体芸術宣言」を執筆し^[28]、プロジェクト、具体の展覧会に含まれる作品、およびそれらの発表方法について最終決定を下した。^[29]吉原は指導にあたり、長年かけて収集した約6,500点の美術関連出版物^[30]の膨大な蔵書を参照し、外国語の美術カタログや雑誌も数多く取り上げた。しかし、彼の判断は美術に関する深く広範な理論的知識に基づいていたものの、過度に知的で説明的な美術へのアプローチは避けていた。吉原の指導は、作品が提示されたときに「はい」か「いいえ」で終わることが多かった。^[31]また、彼はメンバーに他のアーティストの真似をせず、常に「これまでにない作品を作る」ように促した。^{[32] [33] [34]}

吉原の世界的な野望は、具体がヨーロッパのアンフォルメル絵画の推進者であったフランスの美術評論家ミシェル・タピエとの国際協力を開始したときに、より具体的な形をとった。1958年、吉原はニューヨークに行き、マーサ・ジャクソン・ギャラリーでタピエのアドバイスを受けた具体の展覧会を開催し、続いてヨーロッパを訪問した。具体の他の国際協力は、パリやトリノのギャラリーやアートスペースでの展覧会など、続いた。具体の新しい段階は、1962年にグループ独自の展示スペースであるグタイ・ピナコテカが大阪の中心部にある中之島にある吉原家が所有する倉庫にオープンしたときに始まった。^[35]ピナコテカは、世界中のアーティスト、美術評論家、キュレーターが必ず訪れる場所となった。この頃、吉原は、アンフォルメルの支配から具体を解放するために、新しいコラボレーションに従事し、新しい芸術的アプローチをもたらす新しい若いメンバーを積極的に採用するなど、具体の方向転換を開始した。^{[36] 1965年、具体はアムステルダム市立美術館で開催さ}れたNUL1965展に招待され、吉原は息子の道夫とともに参加した。

吉原は1950年代初期の日本画家として知られ、戦後初期から具体時代の作品の多くが国内外の主要な現代美術展に展示されました。例えば、1952年には パリのサロン・ド・メイやカーネギー美術館のピッツバーグ国際現代絵画彫刻展に作品が選ばれました。 1951年に大阪府文化賞を受賞した。その後、吉原の絵画は1952年以降日本国際美術展、1955年に東京国立近代美術館で開催された日米抽象美術展、 1958年と1961年にカーネギー研究所で開催されたピッツバーグ国際現代絵画彫刻展、 1961年にドイツのベルリン、エッセン、フランクフルトを巡回した現代日本絵画展などで展示された。1963年に兵庫県文化賞を受賞した。しかし、吉原は家業を営んでいたため時間が取れず、また第一世代の具体会員の批評的かつ商業的な成功と若い会員の自由さもあって、新しいオリジナル作品を制作するというプレッシャーは増していった。^[37]

1962年以降に展開した「サークル」シリーズは、 1963年に米国の数都市を巡回した「現代日本絵画・彫刻展」、1964年のグッゲンハイム国際賞、 1964年のワシントンのコーコラン美術館での「現代日本美術」展、1965年のサンフランシスコ美術館やその他の会場での「新しい日本絵画・彫刻展」、1966年から1968年にかけての日本芸術祭など、継続的な展示により、国内外で新たな評価を獲得し、 1971年の 第2回インド・トリエンナーレ世界美術展で金賞を受賞しました。

吉原は1972年2月10日、くも膜下出血のため芦屋で亡くなった。^[7]彼の死後、具体は1972年3月に解散した。吉原は死後、旭日小綬章を授与された。^[7]

1920年代から1930年代初頭にかけての吉原の絵画は、ヨーロッパのバロック静物画や風景画、ポスト印象派の絵画、高橋由一などの日本の油彩画家からインスピレーションを得た静物画で構成されていました。^[16] 1930年頃、彼の絵画はしばしば海洋のモチーフを描き、ジョルジョ・デ・キリコの形而上学的絵画を彷彿とさせる視覚言語を採用しました。その後数年間、吉原はシュルレアリスムのスタイルを展開し、抽象化への移行を予兆する、崩壊し歪んだ風景画を描きました。

1934年頃、吉原は有機的に幾何学的な抽象絵画（長方形のフィールドと生物的形態の配置）を作り始め、コラージュやモンタージュなどの技法を試した。1930年代後半の吉原の作品は、幅広いスタイルを示している。1936年から1938年の間に制作された抽象絵画のいくつかは、1930年代のハンス・エルニ、ナウム・ガボ、ジャン・エリオン、アーサー・ジャクソン、フェルナン・レジェ、ベン・ニコルソンなど、吉原がヨーロッパの出版物で見たと思われる、ヨーロッパやイギリスの抽象画家たちの作品に様式的に言及している。^[38]彼はシュルレアリスム的なコラージュも作った。彼が九室会展で発表した作品は、抽象画のキャンバスに油絵の具を塗り広げた層で構成されており、戦後の抽象画のキャンバスを予見しながら、異なるテクスチャーや、それを塗る道具や方法を実験していた。

1930年代後半、日本政府はアジアでの戦争努力を強化し、愛国的な作品を提出するよう芸術家への圧力を強めた。前衛芸術家、特にシュルレアリスムに従事していた芸術家たちは、これらの抑圧的な措置に脅かされた。兵役を免れて疎開した吉原は、戦争画を提出するという国家の要求に苦しみながら^[39]、ひっそりとシュルレアリスム的な風景画や風俗画を制作した^{[40] 。}

第二次世界大戦の終戦後、吉原はぼやけた人間の顔、身体、鳥を描いた絵画を制作した。これらの絵画では、前景と背景が互いに溶け合い、その多くは厳格なグリッド線で区切られていた。1948年頃になると、人間の身体と顔はますます歪んで断片化され、幾何学的な形になり、吉原が背景を黒の単色面に縮小したことで、古風な印象を与えるようになった。

1950 年以降、吉原は表面の質感に関して、この古風で砂っぽい記号のようなイメージを追求し続け、今度はモチーフの輪郭線を厚い絵の具の層に刻み込んでいった。さらに抽象化へと進み、吉原はモノクロームの不透明な背景に幾何学的な古風な記号のような図形を描いた絵画を制作し、後には線と平面が相互に移行する純粋に抽象的な構成へと移行した。

この時期の抽象表現の探求において、吉原は、西宮の海成寺で見た20世紀の禅僧、中原南天坊の作品をはじめとする非具象的な児童画、禅の書道や絵画の表現力、 ^[41]や、1950年代初期の前衛書家、森田子龍や井上有一、そしてアメリカの抽象画家たちとの交流からインスピレーションを得ていた。^{[42] [43]}吉原の線への関心の高まりは、 1950年に東京で開催された現代美術展（ハンス・アルトゥングやピエール・スーラージュなどのヨーロッパの抽象画家たちの最近の作品が展示されていた）への訪問、^{[44]書家たちとの交流、そしてアメリカの抽象表現主義絵画、とりわけ}ジャクソン・ポロックの作品への関心とも関係している。 1951年から1952年にかけて第3回読売アンデパンダン展でポロックの絵画が日本で初めて原画で展示されたとき、東京の批評家によって形成された主流の見解に反して、ポロックと米国美術の新しさと独創性を認め賞賛した最初の、そして数少ない発言者の一人が吉原であった。^{[45] [46]}書道とポロックに触発されながらも、吉原は書道というジャンルの制約、例えば書かれた文字の読みやすさなど、あるいはポロックの作品の研究を通してキャンバス画の限界など、遭遇した限界を克服する独自の方法を模索した。^[47]

具体の初期の頃と重なる1955年から1960年代初頭、しばしばアンフォルメルの時代と言われる時期^{[48] [49]}には、吉原は絵具の物質性への探求を深め、動的なジェスチャーの痕跡を残しながら油絵具を何層にも重ね塗りする絵画を制作した。これらの作品は、具体の実験的な展覧会やミシェル・タピエとのコラボレーションなど、具体の活動との相乗効果から生まれたものである。

絵画以外にも、吉原は具体の屋外展示や舞台ショーのために、ランプのついた柱の「光の芸術」 （1956年）、来場者が自由に落書きできるボード「楽描き盤」（1956年）、迷路のようなウォークイン・インスタレーション「室」（1956年）など、参加型の立体作品やインスタレーションも手がけた。

1962年頃、吉原は禅画の円相と1960年代のハードエッジペインティングの両方にインスピレーションを得て、単色の背景に単一の円を描いた一連の絵画に取り組み始めた。彼は禅僧南天坊の力強い書と、禅における悟りを象徴する円である南天坊自身の円相の創作に感銘を受けた。しかし、円相が紙に墨で一筆で描かれるのに対し、吉原の円は油絵具やアクリル絵具で描かれている。富井玲子が示唆するように、「この意図的な操作により、東洋でも西洋でもない形式が生まれ、彼がポロックや南天坊に非常に感銘を受けた書のジェスチャーと、彼の形式主義の最高の部分を引き出したミニマリズムが昇華された」。^[50]これらの新しい円絵画は最終的に吉原の新たな成功につながりました。絵画は1964年のグッゲンハイム国際賞に選ばれ、1971年には「白の円と黒の円」と「白の円と黒の円」で第2回インドトリエンナーレ世界芸術展の金メダルを受賞しました。

吉原は生涯を通じて絵画制作以外にも学際的なコラボレーションに取り組んでいた。芸術家としてのキャリアの初めから、詩の雑誌や児童書に挿絵を寄稿していた。第二次世界大戦後、彼は壁画、ポスター、広告、製品デザイン、ショーウィンドウのディスプレイ、関西地方のオペレッタ、ダンス公演、演劇、コンサート、ファッションショーの舞台デザインを手がけた。その中には緞帳や、1952年から1954年にかけてのファッションデザイナー田中千代の舞台デザイン、1962年から死去するまでのフェスティバル能の舞台デザインも含まれていた。^{[44] [51]}吉原は執筆活動も多作で、新聞や美術雑誌に評論や記事を寄稿していた。

吉原は、芸術家として、また新しい実験芸術の推進者として、戦後の日本美術の方向性を大きく形作りました。芸術家として、彼は幅広い様式の段階を経て発展した膨大な作品を残しました。日本と西洋の芸術に対する吉原の深い実践的かつ理論的な知識に基づいて、彼の作品は日本の伝統芸術と近代絵画、そして最新の世界的な芸術の発展の両方に取り組んでおり、新しい芸術を絶えず追求することで、それらの境界と限界を克服しようとしました。

吉原は、児童美術展や児童書・児童雑誌への関わりを通じて、戦後の日本における児童美術の再評価と、広く普及していた訓練的なアプローチとは対照的に、根本的に自由な表現的創造性を育むリベラルアート教育のアプローチのより広範な認識・受容に貢献した。^[52]

吉原が共同で立ち上げ、関わったプロジェクトは、関西の芸術文化を活性化させる強力な要因となった。例えば、現美は参加した有名アーティストや新進アーティストに芸術の限界を押し広げるインスピレーションを与えた。また、子どもたちの自由な創作活動の場を提供し続けている「童美展」や、関西各地の先駆的なアーティストたちの重要な場となった芦屋市美術協会の「芦屋市展」など、長く続く影響力のあるイベントとなった取り組みもある。

最も影響力のある業績は、吉原が芸術的直感、組織力、戦略力で18年間率いて維持し、日本だけでなく世界の美術史に残る存在となった「具体」である。吉原は芸術的才能のある新メンバーを積極的に発掘し、メンバーによる過激で実験的な作品を促進し奨励した。それは、1960年代から70年代にかけてのヨーロッパやアメリカのアーティストが後に採用、または並行したアプローチを予見するものだった。「国際的な共通点」^[53]を達成する、つまり世界中の同時代人から国際的に認知されるという世界的な野心に突き動かされた吉原は、芸術的、コミュニケーション的、宣伝的な戦略を活用し奨励し、具体が戦後日本の美術団体の中で最も国際的に知られるグループの一つとなるよう尽力した。タピエやアンフォルメルとの密接な協力関係や、あからさまに社会政治的批判的な発言を控えていることなどについて批判されたにもかかわらず、吉原は、日本の美術団体として世界的な芸術言説に直接かつ積極的に関与した、日本美術史上前例のない具体美術の確立に大きく貢献した。

• 吉原治良と具体のその後 /吉原治良と「具体」の今日の様相、展示。 cat.、兵庫県立近代美術館、神戸：兵庫県立近代美術館、1979。
• 吉原治良展: 没後20年 /吉原治良、展示。 cat.、芦屋市立美術・歴史博物館、芦屋：芦屋市美術・歴史博物館、1992年。
• アレクサンドラ・マンロー、「真夏の太陽に挑む：具体グループ」、1945年以降の日本の美術：空への叫び、同編、展覧会カタログ、横浜美術館、ソロモン・R・グッゲンハイム美術館、サンフランシスコ近代美術館、ニューヨーク：ハリー・N・エイブラムス、1994年、83～124頁。
• 発見!吉原治良の世界 : 清らかな詩心をつまずく造形の軌跡 /吉原治良 1905–1972、展示。 cat.、ATCミュージアム、大阪、大阪：大阪市立近代美術館（企画室）、1998年。
• ラッケン、マイケル、「吉原治郎: l'envers de l'épopée」、in:具体、展示。カタログ、ジュ・ド・ポーム、パリ、パリ: Éditions du Jeu de Paume、国立美術館、1999 年、17 ～ 23 ページ。
• 吉原治良研究論集（吉原治良研究）編。吉原治郎研究会、芦屋：吉原治郎研究会、2002年。
• 吉原治良展/ 吉原治良: 100周年記念回顧展 、カタログ、ATCミュージアム、大阪。愛知県美術館、名古屋、東京国立近代美術館;宮城県美術館（仙台）東京：朝日新聞社、2005年。
• 「吉原治良」、ベネジット芸術家辞典、オックスフォード大学出版局。2021年6月4日閲覧。
• マンロー、アレクサンドラ、「すべての風景：グタイの世界」、展覧会カタログ。『グタイ：すばらしい遊び場』、展覧会カタログ、ソロモン・R・グッゲンハイム美術館、ニューヨーク：ソロモン・R・グッゲンハイム美術館、2013年、21～43頁。
• 未知の表現を求めて:吉原治良の挑戦 / 吉原治良: Leader of Gutai – Seeking for the New 展。 cat.、芦屋市美術・歴史博物館、芦屋：芦屋市美術・歴史博物館、2015.

• 「具体の先駆者 吉原治良展：その生涯と作品」、アートリップミュージアム、大阪中之島美術館