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ジョー・レイ（1944年生まれ）は、ロサンゼルスを拠点とするアメリカ人アーティストです。[ 1 ] [ 2 ]彼の作品は抽象と具象の間を行き来し、絵画、彫刻、パフォーマンスアート、写真などの媒体を用いています。[ 3 ] [ 4 ] [ 5 ]彼は1960年代初頭にキャリアをスタートさせ、ライト・アンド・スペース運動[ 6 ] [ 7 ] 、ラリー・ベルなどの初期の鋳造樹脂彫刻家[ 8 ] [ 2 ] 、そして1970年代に影響力を持ったアフリカ系アメリカ人の集団であるスタジオZなど、ロサンゼルスのいくつかの著名な芸術コミュニティに所属していました。スタジオZの創設メンバーには、デビッド・ハモンズ、センガ・ネングディ、ヒューストン・コンウィルなどのアーティストがいました。[ 9 ] [ 10 ] [ 11 ]批評家のキャサリン・ワグリーは、レイを「特定の素材や戦略よりも、あらゆる種類の光と空間（宇宙的、精神的、霊的、地理的）を理解することに遥かに熱心だった芸術家」と評した。彼女や他の人々は、この傾向が彼の評価が過小評価される原因になったと示唆している。[ 6 ] [ 12 ] [ 2 ]
レイは、ロサンゼルス現代美術館(MOCA)、ロサンゼルス郡立美術館(LACMA)、サンフランシスコ近代美術館(SFMOMA) 、ヒューストン現代美術館、ロサンゼルスのアフリカ系アメリカ人美術館など、さまざまな場所で作品を展示してきました。[ 13 ] [ 14 ] [ 15 ] [ 16 ] [ 17 ]彼の作品は、LACMA とノーラ・エクルズ・ハリソン美術館のパブリック コレクションに属しています。[ 18 ] [ 19 ] [ 20 ]
レイは1944年にルイジアナ州アレクサンドリアで生まれた。[ 4 ]高校で工業用金属加工、美術、音楽のコースを受講した後、サウスウェスタン・ルイジアナ大学で美術を学んだ。同大学は以前は人種隔離されていたが、レイは黒人学生のごく少数の一人だった。[ 2 ] [ 21 ] 1963年、彼はバスでロサンゼルスへ行き、すぐに多様でまだ定義されていないアートシーンに加わった。[ 5 ] [ 6 ] [ 2 ]彼は米軍に徴兵され、ワッツ暴動の2週間後の1965年にベトナムに派遣された。[ 2 ] [ 21 ] 1967年にベトナムから帰国すると、レイはロサンゼルスのライマート・パーク地区に定住した。そこは歴史的および現代的なアフリカ系アメリカ人文化の中心地として発展しつつあり、彼はラリー・ベル、ダグ・エッジ、テリー・オシェアなどとともに樹脂ベースの彫刻の実験を始めた。[ 1 ] [ 6 ] [ 2 ]
レイは1969年の第4回ワッツ・サマー・フェスティバル美術展で初めて作品を発表し、その後、SFMOMA、オークランド美術館、ロングビーチ美術館、LACMA（「24人の若手ロサンゼルス・アーティスト」、1971年、「現代美術評議会の10年間の収蔵品」、1973年）でのグループ展を通じて評価を得た。[ 8 ] [ 22 ] 1970年にLACMAから若手才能賞を受賞した後、[ 15 ] [ 19 ]新設のカリフォルニア芸術大学の第一期生として入学し、ジョン・バルデッサリ、アラン・カプロー、ナム・ジュン・パイクに師事した。[ 1 ] [ 2 ]在学中、彼はパフォーマンス、写真、ビデオアートの実験を行い、1973年の第1期生として美術学士号を取得して卒業した。[ 23 ] [ 5 ] [ 24 ] 1978年から1980年の間、彼はヴィヤ・セルミンス、ロバート・アーウィンらとともに、MOCAロサンゼルス・アーティスト諮問委員会の創設メンバー15人のうちの1人であった。[ 2 ]
レイは後年のキャリアで、LACMAの展覧会「Made In California: Art, Image and Identity (1900–2000)」[ 15 ] 、アッサンブラージュ・アートの調査「LA Object & David Hammons Body Prints」（2007年、ティルトン・ギャラリー、ニューヨーク、ロバーツ＆ティルトン、ロサンゼルス）[ 25 ] [ 26 ]、「The Artist's Museum」（MOCA LA、2010年）[ 13 ] 、ニューオーリンズのProspect.3などに出品した。[ 27 ] 2017年には、ロサンゼルスのダイアン・ローゼンスタイン・ギャラリーで、彼の50年にわたる作品の調査「Complexion Constellation」が開催された。[ 3 ] [ 1 ]
レイの1960年代と1970年代の作品は、抽象的な鋳造樹脂彫刻からドキュメンタリー風の写真やパフォーマンス関連の作品まで多岐に渡る。批評家たちは、後者の2種類の作品は、彼の非具象的な制作活動に浸透し、他の鋳造樹脂やライト・アンド・スペースのアーティストと彼を区別するアイデンティティの要素を示していると指摘している。[ 1 ] [ 28 ] [ 29 ] [ 6 ] 1970年代後半から、彼は内なる空間と外なる空間、そして人種的アイデンティティと不平等に関する問題を探求する抽象的で象徴的なミクストメディア絵画に重点を置くようになった。[ 27 ] [ 5 ]批評家のシャナ・ニス・ダンブロートは、レイの作品の明らかな折衷主義は「それでもなお、光、色彩、光学的/曖昧な現象、知覚、肖像、パフォーマンス、抽象化の社会政治的文脈の連続体上で彼のすべての作品を結びつける概念的および美的ゲシュタルトの糸を提示している」と書いている。[ 1 ]
1960年代半ば、レイは樹脂で鋳造した彫刻の探求を始めた。樹脂はアーティストにとって新しい素材であり、光とともにライト・アンド・スペース運動を特徴づけるものとなった。[ 2 ] [ 7 ] [ 5 ]レイを含むこれらの彫刻家は、この素材の科学的、技術的な側面と、固体の形をとる能力や周囲の一時的な光や動きによって動く能力など、より難解で知覚を変える特性の両方を受け入れた。[ 30 ] [ 1 ] [ 24 ]レイの初期の樹脂彫刻は半透明で、純粋な球体、半球、弧、リングといった基本的な形状を使用していた。[ 30 ] [ 5 ] [ 6 ]彼はそれらに顔料を加えた。ある場合はキャンディー色の色合い（「2つの弧と半球」 、1969年）を、またある場合は「新しい目」 （1969年）のように黒と白の明度を使用した。[ 3 ] [ 30 ]後者の作品は、彼をライト・アンド・スペースのアーティストたちと結びつけ、また、人種問題を暗示する白黒のチューブによって、フリーウェイ10号線の南にある、ライマート・パーク、アロンゾ・デイビスとデール・ブロックマン・デイビスのブロックマン・ギャラリー、ギャラリー32を中心とした、アフリカ系アメリカ人のオルタナティブなアート界とも結びつけた。[ 30 ] [ 9 ] [ 31 ] [ 26 ]
レイの樹脂作品は、科学と精神、陶酔的な知覚、個々の人間の身体とそのシステム、そして宇宙に対する彼の関心を伝えている。[ 16 ] [ 4 ]後期の作品である「リングと球体」（1980～83年）は、綿密な職人技の作品であり、7つの濃い色の不透明なリングと球体が並んで配置され、幅広いメタファーを喚起すると評されている。[ 30 ] [ 20 ]キュレーターのエド・シャッドは、この彫刻は「原子核の微小な世界から人間の心臓の構造を経て星や太陽系のパターンに至るまで、人間主義的な線を描いている」と書き、7つのペアがその数の「神秘的で数秘術的な意味」と結びつき、謎めいたエッジを加えていると述べている。[ 30 ]
キュレーターたちは、レイの1970年代の写真作品を、日常の都市生活や、人々と周囲の環境との間の時に不安定な関係を記録することに惹かれたアーティストたちの作品群の中に位置づけている。[ 23 ] 1970年、彼は故郷のルイジアナに戻り、子供たち、大人たち、ショットガンハウス、そして街路を撮影した。率直でドキュメンタリーのようなポートレート――31枚の白黒ゼラチンシルバープリント――は「無題」シリーズ（1970～72年）を構成し、近隣地域とその生活に対する彼の感情を伝えるとともに、時間と場所を超えた彼自身の軌跡の範囲を描き出している。[ 23 ] [ 1 ] [ 28 ]
そのシリーズと同時期に、レイは共同でパフォーマンスアートプロジェクトも行っていた。ユーモラスなシナリオや舞台上のライブイベントで、写真やビデオで記録されることが多かった。例えば、人間洗車では、彼と友人たちが大きなふにゃふにゃのブラシの格好をして白い泡で全身を覆った。また、音楽コンサート中に天井の落とし戸からロープでステージに降りるというパフォーマンスもあった。[ 6 ] [ 2 ] 1971年、レイ、テリー・オシェア、ダグ・エッジは、ウォルター・ホップスとロバート・アーウィンが支援する、アーティスト主導で社会的なプロジェクトであるマーケットストリートプログラム（1971～73年）の記念すべき第1回展に出展した。[ 8 ] [ 32 ] [ 33 ]個々の樹脂彫刻を発表するのではなく、彼らはトリオとして、現代アーティストに関するダンディ、アウトサイダー、リバタリアン、ロマンチストといった一般的な決まり文句を探求するコンセプトと写真で実験することを選び、その結果を「ファンタジーショー」と名付けた。[ 8 ] [ 32 ] [ 33 ]彼らのイメージには、ブニュエル風の安っぽい3人用のブラックタイの晩餐会、男らしさをパロディ化した、だらしないシャツを着ていないバイカーのシナリオ、そしてレイと3人の女性とのポーカーゲームが含まれており、これは1963年にデュシャンがパサデナ美術館でチェスをしている自身の有名な写真を参照している。[ 8 ] [ 33 ] [ 3 ] [ 1 ]
1970年代後半、レイは樹脂の現象学的性質に興味を持ち、夜空を考察するようになった。夜空の性質、すなわち色の遠大な深さ、空間の屈折、暗い空気、白い光は、科学、想像力、感情表現を同様に組み合わせたものであった。[ 1 ]彼はこれらの関心を「星雲絵画」で探求した。これは、アクリル絵具、スプレーペイント、混合メディアを用いた一連の天体風景であり、2020年代まで制作を続けている。[ 1 ] [ 6 ]彼の初期の星雲絵画は、色彩豊かなジェスチャーと雰囲気を、制作の文脈を反映した的確な用語の慎重な使用と組み合わせたものであった。例えば、絵画「宇宙にて」（1980年）には、「人種」と「肌の色星座」と読める幽玄なテキストが記されている。[ 1 ] [ 6 ]批評家たちは、彼の後期の「ネビュラ」作品を、より鮮やかで催眠的な作品であり、「ポスト印象派とアクション主義的な抽象表現の特性、文字通りの星雲的抽象表現の感情的な寓話、宇宙旅行科学の宇宙的な傾向を融合させたもの」だと評している（例：Flaming Star Nebula #1、2017年；Red Yellow Black White and Burnt Sienna、2020年）。[ 1 ] [ 6 ]
1990年代、レイは、イメージをシンボルや形式的要素として流動的に使用することで、アイデンティティ、人種的正義、包摂の問題を探求するアッサンブラージュ絵画を制作し、否定的なステレオタイプや人種差別的な蔑称を覆した。[ 5 ] [ 27 ]ロドニー・キングの警察による残虐行為事件と無罪判決によって引き起こされたロサンゼルス暴動の1年後、彼は作品「US」と「Blue Spade」（いずれも1993年）を含むシリーズを完成させた。前者の作品のタイトルは、アメリカ合衆国と、「私たち対彼ら」のように包括的にも分裂的にも機能しうる代名詞「私たち」の矛盾の両方を指している。[ 18 ] [ 4 ]このシリーズでは、自由と平等、抑圧と抗議のシンボルが並置されている。ガゼルの仮面はアフリカ大陸を象徴している。西アフリカ系ディアスポラにとって重要な意味を持つガーナの織物であるケンテ布を、アメリカ国旗の伝統的な青い部分の代わりに使用。コンクリートから生えているように見える花。汚れた都市の歩道、怒り、または抽象表現主義を示唆する黒い塗料の飛沫。白く塗られた鞭、血のように赤い十字架、人種差別的な侮蔑語、カードゲーム、道具を連想させるスペードの形。[ 18 ] [ 4 ] [ 5 ]
2014年、このシリーズはマイケル・ブラウン射殺事件の直後にニューオーリンズのProspect.3で発表されました。ニューオーリンズ・タイムズ＝ピカユーン紙のレビューで、ダグ・マッカッシュは「2014年秋にレイの絵画に出会い、その背景を読んだことは、芸術が瞬間、あるいは複数の瞬間を記録する力を持っていることを強調する、身の毛もよだつような経験だった」と書いています。[ 4 ]