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屏風（ひょうぶ）は、日本の折りたたみ式衝立で、装飾的な絵や書が描かれており、室内を仕切ったり、プライベートな空間を囲んだりするなど、さまざまな用途に使用されます。
屏風は漢王朝時代の中国で生まれ、7世紀または8世紀（奈良時代）に日本に伝来したと考えられている。日本で現存する最古の屏風である8世紀に作られた鳥毛立女屏風は正倉院に所蔵されている。 [ 1 ]
奈良時代の屏風は、脚付きの自立した一枚板という本来の形を保っていた。8世紀には、多面体の屏風が登場し、主に重要な儀式において宮廷の調度品として用いられた。正賀、狩野、土佐、丸山、琳派などの流派は、何世代にもわたって襖絵（戸棚の扉に描かれた絵）を制作し、私邸や城を飾った。[ 2 ]奈良時代には六面体の屏風が最も一般的で、絹で覆われ、革紐または絹紐で繋がれていた。各パネルの絵は絹の錦で縁取られ、パネルは木枠で綴じられていた。
平安時代（794～1185年）、特に9世紀までには、屏風は大名邸、仏教寺院、神社の家具として欠かせないものとなった。絹の紐の代わりに、銭形と呼ばれるコイン型の金属製蝶番が導入され、屏風の連結に広く用いられるようになった。
平安時代以降、日本文化が大陸アジアの影響から独立して発展すると、屏風のデザインはそれまでの中国の影響からさらに発展し、新殿造りの建築様式における家具として用いられるようになった。
室町時代（1392年～1568年）には、屏風が広く普及し、多くの住宅、道場、商店で見られるようになった。二曲屏風が一般的で、銭形の代わりに紙製の蝶番が重ねて使われるようになったため、持ち運びが軽くなり、折りやすくなり、接合部も丈夫になった。この技法により、屏風の絵柄は縦の縁取りで途切れることなく描かれるようになり、画家たちは豪華で、しばしば単色で、日本の名所旧跡を題材とした自然や風景を描くようになった。
紙製の蝶番は非常に丈夫ではあったものの、パネルの構造はできるだけ軽量である必要があった。そこで、針葉樹の格子は、縁を削ってまっすぐで直角にし、屏風の他のパネルと同じ大きさにするために、特別な竹釘を用いて作られた。格子の表面には、太鼓の皮のように紙が1枚または複数枚張られ、屏風に後から取り付けられる絵画のための平らで丈夫な裏地となった。こうしてできた構造は軽量で耐久性があったが、それでも非常に繊細だった。絵画と錦織が取り付けられた後、屏風の外周を保護するために漆塗りの木製フレーム（通常は黒または濃い赤）が取り付けられ、漆を保護するために精巧に装飾された金属製の金具（細長い板、直角の金具、鋲など）がフレームに取り付けられた。
続く安土桃山時代（1568～1600年）から江戸時代初期（1600～1868年）にかけて、商人階級の庇護により美術工芸への関心と投資が著しく高まったことから、屏風の人気が高まりました。屏風は武士の邸宅を飾り、高い身分と富と権力を象徴しました。これにより、金箔を用いた背景や、狩野派が先駆けた自然や日常生活の情景を描いた色彩豊かな絵画など、屏風製作に劇的な変化がもたらされました。
現代では、べうぶは機械で作られることが多いが、手作りのべうぶも依然として存在し、主に伝統的な製作技術を守り続ける家族によって生産されている。
メキシコの植民地時代、メキシコの芸術は、マニラ・ガレオン船を通じてこの地域にもたらされたアジアの芸術、物品、芸術家の影響を受けた。その影響の中でも特に注目すべきは、日本の屏風である。[ 4 ]
屏風という言葉は、メキシコスペイン語ではbiomboとして取り入れられた。[ 4 ]これらの屏風に描かれた場面は、テノチティトランの征服など、歴史的なものが多かった。[ 4 ]その他には、イスタカルコ村の出来事を描いた屏風のように、日常生活を描いたものもあった。[ 4 ]
屏風は19世紀後半からヨーロッパやアメリカで人気のあったジャポニズムの輸入品だった。フランスの画家オディロン・ルドンはブルゴーニュのドメシー・シュル・ル・ヴォール城のために屏風の芸術に影響を受けた一連のパネルを制作した。 [ 5 ]
20世紀後半で最も偉大な日本画家は加山又造（かやま 又造、1927年 - 2004年）である。彼は30年間で100点近い屏風を描き、そのうちのいくつかは東京国立近代美術館に所蔵されている。[ 6 ]
【戦後】日本画の慣習は非難され、日本の伝統芸術のあらゆる側面が深刻な形で否定されつつあった。西洋のリアリズム、モダニズム、自動的な自由抽象が日本で支持を集め、自由抽象は人気絶頂期を迎えていた……。この時期、若かった私は、ある意味では単純に、日本画、特に屏風絵の秘められた輝かしい可能性を信じるようになった。 [ 7 ]
又蔵の死後、屏風を描く画家はごく少数となった。現代の画家の多くは、屏風の形式を彷彿とさせる作品を制作し続けており、複数のパネルを横一列に並べて、非常に幅の広い絵画を作り出している。国際的な美術商取引が盛んな現代において、これは主に取り扱いと輸送の容易さを目的としたものであり、最終的にはこれらの作品は壁に平らに展示される。
佐藤健太郎（1990年生まれ）は、多摩美術大学の修士課程プロジェクトで、6枚のパネルからなる2面屏風（各屏風6枚）という異色の作品を制作した。佐藤は伝統的な屏風の形式を捨て、襖（室内の仕切りとして使われる引き戸）によく似た個々のパネルを用いた。佐藤と長谷川幾与（1984年生まれ）はともに、鉱物顔料を用いて和紙に大型の絵を描き、それを幅1メートル（3フィート3インチ）以下の4枚または6枚のパネルに貼り付けている。[ 8 ] [ 9 ]
アラン・ウェスト（ 1962年生まれ）は、1989年から1992年まで東京藝術大学で加山又造に師事し、掛け軸、扇子、屏風などを制作している。
3次元の表面を持つ絵画形式は、私が目指していたような奥行きを生み出すのに理想的だと分かりました。絵画の中の世界は、絵画の表面の境界を超えて続いているように見えます。精緻で反射性のある金属表面により、作品は鑑賞者の角度や光の変化に応じて変化しているように見えます。[絵画]は、鑑賞者を絵画の中に引き込む大型作品です。視界を満たす絵画。作品の中に生命の気配を感じる絵画です。[ 10 ]
ウエスト氏は、日本全国のホテル、オフィス、コンサートホールなどで見られる多くの屏風の制作を依頼されている。
ウエストと同様だがヨーロッパを拠点とするベンジャミン・ゴードン（ 1968年生まれ）は、日本のジャンルに焦点を当てたアメリカ人画家である。彼の主題と表現方法は日本画の精神を捉えているが、日本画の画家とは異なり、ゴードンは油絵具を使用し、半透明の色を何層にも重ねて描いている。ゴードンの屏風は、黒い外枠がないことで特徴づけられる。代わりに、彼は屏風の表裏両方に型破りな布地を使用し、絵画の主題に解説や意味の層を加えている。[ 11 ]
ゴードンと菊田一郎（ 1961年生まれ）は、屏風作家の中でも異彩を放つ存在である。両作家とも画家であると同時に職人でもある（通常、これらの役割は画家と職人の2人で担われる）。彼らは伝統的な手法で木枠（または日本語で「骸骨」）を製作する。菊田の屏風は、やんばる（菊田の故郷である沖縄本島北部の森林地帯）の鳥や動物を題材としていること、そして屏風の裏紙にシダの葉の木版画が印刷されていることで、すぐにそれとわかる。[ 12 ]