ルーカス・ライナー

ルーカス・ジョセフ・ライナー（1960年8月17日生まれ）は、アメリカの画家、版画家、写真家、映画製作者です。^{[2] [3] [4]}彼は、具象、物語、象徴、抽象の要素を混ぜ合わせた絵画シリーズで最もよく知られています。その作品は、有機的な成長と都市生活の衝突、花火の大気効果、精神的なテーマなどの主題を探求しています。^{[5] [6] [7]}彼の作品は、ロサンゼルス郡立美術館、サンタバーバラ美術館、ミュンヘン国立グラフィック美術館などのコレクションに属しています。^{[8] [9] [10]}また、彼の絵画、デッサン、写真のモノグラフであるLos Angeles Trees （2008年）は、ロサンゼルスタイムズの「2008年のお気に入りの本」の1つに選ばれました。 ^{[3] [11]}同紙の評論家デイヴィッド・ペイゲルは、ライナーの「木々が死にそうなほど切り詰められた絵には、サーカスの奇人のような哀愁と、生き残りを賭ける人々の頑固さが表れている」と書いている。^[12]ライナーは米国、ドイツ、イタリア、メキシコで作品を発表しており、^{[13] [14] [15]}ロサンゼルス市立美術館やエスタンパ博物館などの施設でも展示を行っている。^{[16] [17]}ライナーはロサンゼルスとベルリンを拠点とし、モード・ウィンチェスターと結婚している。^{[6] [18]}

ライナーは、1960年8月17日にカリフォルニア州ロサンゼルスで、俳優、コメディアン、監督、作家のカール・ライナーとビジュアルアーティスト、パフォーマーのエステル（旧姓ルボスト）ライナーの3番目の子供として、ルーカス・ジョセフ・ライナーとして生まれました。^{[10] [19] [20]}

ライナーは芸術への興味を母親の影響だと考えている。母親は二人とも画家のマーティン・ルブナーに師事していた。^{[21] [22]} 1978年から1986年の間、ライナーはニューヨークのパーソンズ美術大学とニュースクール・フォー・ソーシャル・リサーチ、ロサンゼルスのオーティス美術大学、パリのパーソンズ美術大学に通った。^{[10] 1990年代初頭にはニューヨーク（}ドローイングセンター、グランドサロン）とロサンゼルス（マニー・シルバーマン）でグループ展に出展し始め、その後ベネット・ロバーツ（1995年、ロサンゼルス）で初の個展を開催した。^{[23] [24] [25] [13]}

その後、ロサンゼルスのロバーツ＆ティルトンやカール・バーグ・プロジェクト、^{[5] [6]、}ドイツのギャラリー・ビーダーマンやギャラリー・ペーター・バウエムラー、^[10]、イタリアのギャラリー・トラゲットやクラウディア・ジャン・フェラーリ・アルテ・コンテンポラネア、^{[15] [26]などで個展を開催したほか、} LAルーバー、CSUラックマンギャラリー、エドワード・セラ・アート+アーキテクチャー、ブリッジ・プロジェクトなどでグループ展を開催した。 ^{[12] [27] [28] [7]}

ライナーに影響を与えた人物には、マーク・ロスコ、ロバート・ライマン、フィリップ・ガストンなどの巨匠画家や現代美術作家が含まれる。作家のフレッド・デューイは、ライナーの作品とジョルジョ・モランディの作品との間に関連性を指摘している。 ^{[21] [11] [29]}ライナーの初期の作品は主に抽象的であるが（色彩、表面、テキストの断片を通じて物理的世界を参照している）、内容の削減と反応としての具象化において、コンセプチュアリズムとミニマリズムの影響を受けている。 ^{[2] [30] [29]} 2000年以降の作品には、都市の風景や自然現象を参照するなど、具象的な要素が導入されている。^{[5] [6] [11]}

ライナーのベネット・ロバーツでの個展デビューは、日常の経験を色彩のフィールドのような抽象表現に凝縮した絵画を特集したもので、アート・イン・アメリカ誌は、それらをロサンゼルスの文化的風景から抽出した「コアサンプル」に例え、「感情、詩、そしてざらざらとしたルポタージュに共鳴する」（例えば、デッド・ドッグとサンク・ゴッド・ローズ、どちらも1995年）と評した。^{[2] [13] [25]}彼は、街頭の風景の色彩、言葉の断片、商業的な看板をコード化して記録した「フィールドスタディ」からそのような作品を作り始め、それをチャートのような幾何学的な絵画に翻訳した。^[2] LAウィークリーの批評家ピーター・フランクは、浮遊する薄い色の四角形は「俗語の俳句と非常に控えめなミニマリズムを融合させた」ものであり、「聞こえるほど神秘的ではなく、感動的な」結果を生み出していると書いた。^[13]

その後の展覧会では、ライナーはより抽象的な構図へと移行した。^{[31] [30]}展覧会「ミルク、小便、血、錆、汚れ」（1996年）は、色彩面の探求と、タイトルの物質に関する集合的な概念を参照する皮肉な、あるいは痛烈な碑文を組み合わせた5つの大きな絵画で構成されていた。^[31]「花から始めて」（グリフィン現代美術展、1998年）は、物質性と軽い叙情性、卑屈さと超越性の対立の上に構築された絵画を特集した（例えば、ロープトリックとチキンフラワー）。レビューによると、それらはガストンの不協和な色彩と粗雑に定義された形状、およびアントニ・タピエスの焦げた傷ついた表面を思い起こさせるという。^{[30] [32]} 1990年代後半、ライナーは都市の標識をより多く小さな絵画（例えば、La Petite Beauty and Grace 、1999年）に取り入れ、リチャード・ディーベンコーン、ヴィヤ・セルミンス、エド・ルシェの美的影響を示しました。彼らはライナーと共に「Urban Hymns」（ラックマンギャラリー、2000年）という展覧会に登場しました。^{[27] [29]}

2001年にミシガンを訪れ、制約のない森林を観察した後、ライナーはロサンゼルスの街路樹、主に外来種の木々を描き始めた。その奇妙な形は、現代文明の時に残酷な介入と機能的制約から生まれたものだった。^{[3] [29] [10]}彼は2003年にロバーツ＆ティルトンでその成果を初めて展示した。それは、周囲から切り離され、繊細な色彩のミニマルな抽象表現主義の背景に置かれた、緩く描かれた切り取られた木のてっぺんの親密な絵画だった。^{[33] [5] [34]}ピーター・フランクはライナーの絵画技法をバルビゾン・リアリズムに例えたが、雲、髪の毛、竜巻、地図、絵画といった「木ではないもの」に似た主題の、より深く形而上学的な瞑想を指摘した。^{[5] [34]}

評論家の中には、肖像画の個性、性格、物語を喚起させる木の絵画の細部の描写と個性について言及する者もいる（2007年にカール・バーグ・プロジェクトの「肖像」展にライナーが出品されたことでその証拠である）。^{[35] [34] [36]}ペトラ・ギロイ・ヒルツは、曲がっていたり、交通量やトラックの轢きで剪定されていたり、看板や標識、クリスマスの飾りや落書きが見えないように奇妙に刈り込まれていたりしている木々は、それぞれが「文明による自然の飼い慣らし、都市環境での生存」に関する物語を物語っていると書いている。^[11]シルヴィア・シーヒトルなど他の評論家は、ライナーの濃密な筆致は粘り強い生命力の感覚を表現しており、外部の社会的制約と内部の無限のエネルギーの間の緊張の寓話であると示唆している。絵画の物質的制限への彼の取り組みは、自由と超越への欲求に関するテーマを示唆している。^{[26] [29] [3]}米国、ドイツ、イタリア、ラトビアでのより幅広い形式の展覧会に加えて、ライナーの樹木の絵画、デッサン、映画のスチール写真は、モノグラフ「ロサンゼルスの木々」（2008年）に掲載されました。^{[11] [15] [37] [3]}

2000年代、ライナーは花火の一時的な余韻を描いた一連の大型絵画を同時並行で制作した。^{[6] [10] [38]}彼の「レデントーレ」シリーズは、拡散する光の中ですぐに消えていく不定形で影のような煙の塊を照らす花火の残光を捉えている。^{[6] [39]}彼はワックスと油でそれらを描き、ワックスが顔料を乾燥させて傷跡が残り、さまざまな光沢を持つざらざらとした質感の通路を作り出し、その形と目に見える消しゴムが時間の経過を伝えている。^{[6] [39]} モダン・ペインターズは、彼のはかないものを捉えようとする試みを「信じられないほど優しくロマンチックなジェスチャー」であり、「存在の中心にある大きな神秘的な空虚」を想起させると評した。^[6]

2008年の母親の死をきっかけに、ライナーは「十字架の道行き」シリーズ（2008-18年）を制作し始めた。これはワシントンDCの聖オーガスティン聖公会教会からの委託を受けて始めたプロジェクトである。^{[10] [40]}当初のプロジェクトには水彩画の研究と15点のドライポイントのエッチングが含まれ、最終的には15点の大きな、色彩の異なるミクストメディアのキャンバスにまとめられた。^{[7] [10]}これらは十字架の道行き（イエスが刑罰から死と救済へと至る伝統的な信仰の物語）を様々な種類と位置の木を通して表現している。イエスの苦しみの木を救済の木とするキリスト教の観念を取り入れたこの作品は、共感と苦しみ、喪失、超越についての熟考のための現代的で非所属の視覚的空間を創り出そうとしている。^{[7] [11] [10]}ライナーは2017年から2019年にかけて、スタジオの窓から見えるベルリンの重苦しい灰色の空の微妙な変化にインスピレーションを得て、同様に瞑想的なシリーズ「Himmelsleiter」（「天国への梯子」）を開発しました（例：Exile、2017年）。この作品は、彼の花火シリーズの物質性と表面、内面と観察された世界についての考察を思い起こさせます。^[18]

ライナーのロサンゼルスの木々を撮影したカラー写真は、Pocket Utopia（ブルックリン、2007年）とDinter Fine Art（ニューヨーク、2009年）での個展、ドイツとニューヨークでのグループ展で展示された。^[41]映画監督としては、長編と短編の両方の映画を監督し、映画祭やギャラリーで国際的に上映された。^{[42] [43]}短編映画には、 『Trees of Los Angeles』（2005年）、『Signs of Los Angeles』（1999年）、『Waking Up』（1998年）、『Balancing Act』（1996年）などがある。^[42]長編映画には、ロサンゼルスのカフェを舞台にしたボヘミアン風のアンサンブル作品と評される『The Gold Cup』 （1999年）、 ^{[4] [44]}タイムトラベルコメディで1970年代のパロディ『The Spirit of '76』 （1990年）があり、デビッド・キャシディとオリビア・ダボが主演した。^{[45] [46]}

ライナーの作品は、ロサンゼルス郡立美術館、サンタバーバラ美術館、アメリカ大使館（ラトビア、リガ）、Colección Jumex、Diözesanmuseum Freising（ドイツ）、Staatliche Graphische Sammlung München、ウェスト・コレクションなどの私的および公的コレクションに収蔵されている。^{[8] [9] [10] [47]}彼は2020年にCatena Artistorumでアーティスト・レジデンシーを受け、FarmlabやローマのAmerican Academyなど、米国とヨーロッパの機関で客員アーティストを務めている。^{[48] [49]}

• 公式サイト
• ルーカス・ライナーによるエコー/ロケート、ビデオ
• ルーカス・ライナー アーティストページ、ギャラリー・ボーン
• ルーカス・ライナー アーティストページ、ブリッジプロジェクト
• ルーカス・ライナー、キュレーター
• ステーション：アーティストとの対話、ルーカス・ライナー
• ロサンゼルスの木々（映画）、ルーカス・ライナー