チョン・サンファ

鄭相和（チョン・サンファ、韓国語：  정상화、漢字： 鄭相和、1932年生まれ）は、韓国のミニマリスト、単色画のアーティストである。^{[1] [2] [3] 1956年に}ソウル国立大学美術学部で美術学士号を取得した後、1970年代後半から1980年代前半にかけて日本とフランスで独自のグリッド状の絵画スタイルを展開した。^[4]戦後韓国のアーティストの世代出身のチョンの絵画の還元主義的なプロセスは、キャンバスに絵の具を何度も塗ったり剥がしたりすることで構成されている。^[5]

チョン・サンファは1932年、韓国の慶尚北道盈徳郡に生まれた。1956年にソウル国立大学美術学部で絵画の学士号を取得した。^{[6] [7]大学では具象}画や表現画を描くことに集中していたが、徐々に「非典型的なアンフォルメル絵画の実験」に移行していった。^[8] 1950年代の韓国のアートシーンで、チョン・サンファはキャンバスと絵の具の物質性に魅了され、「アンフォルメル運動の旋風」の中でまるで立体作品を彫刻するかのように絵画に取り組んでいった。^[9]

鄭尚和は、1958年の現代美術家協会（현대미술가협회）のグループ展、1962年のアクチュエル・グループ（악튀엘 ）展、1963年の文化自由会議（CCF、세계문화자유회의）展に参加し、徐々にモノクローム、ミニマリズム、アンフォルメルに取り組むようになりました。^{[10] [6]}卒業後、 1967年に1年間パリで研修し、1969年から1976年まで神戸で、その後1977年から1992年まで再びパリで制作活動を行った^。[11] 1965年の第4回パリ・ビエンナーレ、 1967年と1973年の第10回および第12回サンパウロ・ビエンナーレに参加した。 ^[12]

チョンは朝鮮戦争（1950-1953）を生き抜き、戦後世代の韓国アーティストの一人となった。戦争で経験したイデオロギー対立と恐ろしい暴力から生じる喪失、不安、恐怖という共通の現代感情を表現するために、チョンは当初は大胆な色彩と粗い素材を使用していたが、1970年代の神戸時代に徐々にモノクローム作品に移行し、その後70年代後半から80年代前半にかけて有名なグリッド構造を開発した。^{[13] [14]} 1960年代の作品はグリッドを描き、四角形を色で塗りつぶすという手法で制作されたが、1970年代の作品では空間を「取り除き」、そして「埋める」という新しい手法が採用された。^{[15] [16]}

1967年に1年間パリで活動した後、妻が病気になったため、故郷に近い神戸に移った。そこで、紙、版画、デコラージュ、フロッタージュなど、さまざまな技法や媒体を試し、独自の視覚的語彙を生み出した。^[17]鄭尚和は、具体のアーティストと交流しながら、1970年代を通して自分のスタイルを構築し、洗練させ続けた。 ^[18]義母の励ましにより、鄭は妻の死後も1992年までパリで絵を描き続け、その後韓国に戻り、京畿道驪州市にスタジオを構えた。[ 19 ^]

チョン・サンファの作品のアイデンティティは、彼の方法論に最も顕著に表れている。^{[15] [20]}「区切られた表面の上に無限に足したり引いたりするプロセス」のパターンは、キャンバスの空間に飽和した平面と奥行きを形成するシステムである。^{[16] [12]}チョンのグリッドワークは、内部空間と外部空間を接続する中間面として説明されている。2つの空間を隔てる物理的で固い障壁ではなく、チョンの「空けて埋める」方法は、それらを共存し相互作用する意識の領域として見る方法である。^{[12] [11]}この技法は、「絵画」というよりも彫刻や陶芸に近く、粘土の層を切り取り、その部分に白いスリップを挿入してパターンを形成する陶芸のサンガムインレイ技法（상감기법）に匹敵する。 ^{[21] [22]}

チョン・サンファの芸術活動の技術的な要素は骨が折れるもので、「素材との出会いの記録」と解釈されている。^{[23]彼はまず、}カオリンと木工用ボンドの混合物で1.5～5.0 mmの絵画表面の層を形成し、その上に緩めたキャンバスを繰り返し折り曲げて「亀裂」を彫り込む。^{[24] [25]}その後、キャンバスを木枠に再び取り付け、個々の正方形を切り取って複数の層の絵の具で埋め戻すことで表面をモジュール化し、望ましい質感と深みが得られるまで続ける。^{[24] [26]}チョン・サンファは、手作業が彼の方法論の不可欠な部分を形成していると述べている。彼は弟子やアシスタントを雇わず、ほとんどの作品が大型であるため、完成までに1年以上かかる作品も多い。^[27]彼は、自分の作品は決して自発的に作られたものではないと説明している。むしろ、それらは、無数のピクセルの形で集まった時間的感覚、本能的な思考、心理的労働の意図的な蓄積と注意深い調整である。^[28]

1973年以降、神戸での作品は完全な抽象化の形をとるようになり、鮮やかな色彩をモノクロームに置き換えた。^[9]チョン・サンファのモノクロームは、しかしながら、同じ色の無数のバリエーションから成り立っている。彼の作品のほとんどは、白や青の繊細な色合いで構成されている。彼によれば、青は爽やかで、微妙で神秘的な色合いの変化を表現できるのに対し、白は存在感が強く、作品の内容や過程を効果的かつ透明に表現できるという。^{[27] [29]} 2つの作品に同じ色はなく、チョンは、ピクセル化されたキャンバスの個々の表面とカオリンのさまざまな深さに染み込むアクリル絵の具の層を厳密に制御して、独特の色彩配列を形成している。^{[30] [31]}

チョン・サンファのグリッド構造は、1970年代後半にパリで2度目の居住をしたときまでにほぼ完成しており、「剥がして埋める」という手法は成熟して洗練されたものとなっていった。^[17]彼は、パリで培った芸術的実践とスタイルの特徴を、キャリアの大半を通じて、そして韓国に帰国した後も維持した。^[17]

チョンは、ロサンゼルスのBlum & Poe Galleryで開催された「From All Sides: Tansaekhwa on Abstraction」（2015年）をはじめ、国内外で展覧会を開催している。^{[32] [33] [34] [35] [36]} 2015年、チョン・サンファの絵画はFrieze New York Art Fairに展示された。^[37]ギャラリー・ヒュンダイ（갤러리현대、ソウル、韓国）は、1983年以来、9回の個展を含む25回以上のチョンの展覧会を企画してきた。 ^{[38] [39] [40] [41] [42] 1996年以来、チョンは驪州市の人里離れた}スタジオで制作を続けている。チョン・サンファの作品は、サムスンリウム美術館、ソウル美術館、東京国立近代美術館、静岡県立美術館、福岡アジア美術館など、多くの権威ある美術館の永久コレクションに収められている。 ^{[43]他の多くの}単色画家と同様に、チョン・サンファは特に2010年代から大きな商業的成功を収めており、彼の作品は記録的な価格で販売またはオークションにかけられることが多い。^{[44] [45]}

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