マックスウェル・スティーブンス

マックスウェル・スティーブンス（1971年6月29日生まれ）は、アメリカの現代美術家であり、写実的なイメージに鮮やかで活気のある抽象表現を重ねた多層的な絵画やドローイングで最もよく知られています。彼の絵画やドローイングは、人間の状態の多くの共通した側面を扱っています。彼はニューヨーク市に住み、活動しています。^[1]

マックスウェル・スティーブンスは1971年にサウスカロライナ州チャールストンで生まれた。^[2] 彼は太平洋岸北西部で育ち、12歳の時に家族で南東部、フロリダ州中央部大西洋岸沖の島に戻った。スティーブンスはアトランタ芸術大学（現SCADアトランタ）に通い、1993年に美術学士号を取得し、セントルイスのワシントン大学大学院で美術学修士号を取得した。^{[3]その後まもなく、セントルイスの}ダウンタウンにある当時は廃墟となっていた1905年築のエルダーシャツ工場の倉庫の最上階に大きなスタジオを構え、その後6年間そこに住み続けた。そこで彼は、彼の特徴である絵画スタイルを確立し始めた。^[4]

1990年代、マクスウェルはロバート・ライマンなどの現代の巨匠たちの触覚的なミニマリスト絵画、アグネス・マーティンの視覚的反復、そしてネオコンセプチュアルアーティストの戦略、特に象徴的な現代アート作品の表現を極めて還元主義的な色彩設計に凝縮したシェリー・レヴィンの「メルトダウン」シリーズの影響を受けた。^[5]しかし、これらの影響とは対照的に、マクスウェルは、誇張された程度で、認識できるほど関連するイメージを伝えることなく、鮮やかな色、手持ちの筆遣いの多様性、表面の遊び、テクスチャの直接的な経験にこだわった。^[5]

26歳のとき、マクスウェル・スティーブンスは商業ギャラリーでの初の個展をアトランタのソロモン・プロジェクトで開催し、1998年1月24日から3月7日まで開催された。^[6]展覧会は、白地に黒、黒地に白の弧の5つの作品で構成され、瞑想的かつ高度に還元主義的な方法で制作された。^{[7] [8]これらの初期のミニマリストの構成は}、エド・ルシェやブライス・マーデンなどのアーティストと比較されたが、スティーブンスは当時ロンドンで活動していたYBA（ヤング・ブリティッシュ・アーティスト）からも影響を受けていた。 ^[9]また、彫刻家ロバート・スタックハウスがキュレーションしたアーカンソー美術館の美術館調査に彼の最初の作品が展示された。 ^[10]「ブルー」と題されたこの大きな絵画は、ミクストメディアで空色に塗られた蜜蝋の表面と、鉛筆とアスファルトで描かれた手書きの断片と走り書きのサインが表面一面に散らばっているのが特徴である。^{[11] [12]} この頃、彼はエリオット・スミス・コンテンポラリー・アートで展示を始め、かつて高級車ショールームだった1,200平方フィートのスペースにオープンした一流ギャラリーとしてメディアの注目を集め、同時期にリチャード・セラのエッチングなどの有名なショーも開催された。^[13] 2000年、アート・イン・アメリカ誌に寄稿したアン・ウィルソン・ロイドは、「アーチの下のアート - セントルイスからの報告」と題した特集記事で、「マクスウェル・スティーブンスの大きく有機的な抽象画」を取り上げている。^[13]美術評論家のジェフ・ダニエルも注目し、「エリオット・スミスでは...マクスウェル・スティーブンスの『ラブズ・フロスト』は、四角い作品が未来的なプラスチックの芝のように見えるほど、油絵の具を素晴らしく厚く表現している」と書いている。 ^[14]そして、大きなキャンバスの波のような動きを称賛している。^[15]

セントルイス・ポスト・ディスパッチ紙の 評論家ブライアン・スミスはさらに踏み込んで、「スティーブンスの強迫観念的なマークメイキングは、テクスチャがそれ自体で形になるプロセスであり、アジアと西洋の両方の異なる伝統を物語っています。^[16]小さく、物理的に魅力的で、テクスチャが濃い油絵は、一見、芝の板のように見えます。毛足の長いカーペットの見本のようにさえ見えます。大きな作品は風景を思い起こさせ、中型の作品は拡大された微視的な世界を示しています」と述べています。著者は「その結果は、洗練された方法で知的な作品を展開している、若く、意欲的なアーティストの作品です」とまとめています。^[16]

2001年、アトランタで出会ったインテリアデザイナーの妻とヒューストンに移り住み、ヒューストンのミュージアム地区にあるメニル・コレクションから数ブロック離れた馬車小屋を借り、そこをスタジオとしても利用した。 ^[4] ヒューストンに住んでいる間も、色彩、質感、表面の探求を続け、ハイパーテクスチャー・シリーズや羊皮紙に描いた抽象的な絵を、デヴィン・ボーデン＝ハイラム・バトラー・ギャラリー、フックス・エプスタイン・ギャラリー、ニュー・ギャラリーなどの著名なギャラリーで展示した。ニュー・ギャラリーは、ニューヨークの有力なスタックス・ギャラリーとコラボレーションを始めていた。^[17]マクスウェルは、この時点でニューヨークや全米各地で著名なグループ展にも参加していた。^{[4] [18]}

2004年にニューヨークに移ってから間もなく、マクスウェル・スティーブンスはおそらく彼の芸術へのアプローチにおいて最も重要なスタイルの転換に乗り出した。^[19]彼はキャンバスに認識可能なイメージを描き始め、写真のようにリアルな人物や生き生きとしたシーンを作品に取り入れ、その後突然、これらの絵画を激しい抽象表現と直接重ね合わせた。^[20]彼が新たに発明したアプローチの可能性により、純粋な抽象表現のままであった絵画に幅広い内容と物語の状況を導入することができ、新たな主題を切り開き、芸術における表現の本質について重要な疑問を提起し、絵画的抽象表現の限界を押し広げた。^[21]

ニューヨークでの初の個展では、挑発的なヌードに抽象的な即興画を重ねた作品が展示され、2006年9月1日から10月1日までマンハッタンのチェルシー・ギャラリー地区にあるトーマス・ワーナー・ギャラリーで開催された。 ^[22]これは10年以上ぶりに人物像が作品に再登場した例であり、彼の芸術活動の発展において極めて重要なポイントとなった。^[23]カーマスートラの詩的な言語、肉体的な抱擁、露骨なセクシュアリティを基に、これらの描かれたイメージは、抽象的な線、にじみ、筆遣いによって作られた窓の中で、鮮明でグラフィック的に対立的なものとなった。^[24]時には筆遣いが鋭く、より明確な形や輪郭が描かれているが、他の時には、マクスウェルのスタイルはこれらのより柔らかい抽象的な形に落ち着いているように見える。^[21]このシリーズの初期の絵画は、これらの作品にエッジの効いた雰囲気を与えるソフトフォーカス効果で制作された。 「描かれた幻想」であるにもかかわらず、抽象（それ自体は現実であり、どういうわけかこの世のものではない自然の信号）と、それ自体とは別の意味を持つ表象的な人工記号との対比がこの緊張を高めている。^[23]この並置は普遍と特殊の間にある効果を生み出し、誰もがマクスウェルの絵画の中で何か違うものを見たり感じたりする原因となっている。^[21]

2007年頃、マクスウェル・スティーヴンスは、ニューヨークのブルックリン美術館の学芸助手、エイミー・L・ブラントと出会った。ブラントはその後ペイス・ギャラリーに移り、後にバージニア州ノーフォークのクライスラー美術館の近現代美術のマッキノン学芸員となった。 ^[25] 2人の友情は、絵画と新概念芸術の相互作用についての非常に示唆に富む会話につながり、そのいくつかは彼女の代表作『Interplay』（MIT Press）のアイデアに影響を与えた。^[25] その見返りとして、ブラントのマクスウェルの絵画やアイデアへの意見は、彼の作品が拡大し続ける中で知的な談話を提供することに役立った。この間、彼は美術商のビョルン・レスルと一緒に展示を始めた。レスルのアップタウンの展示プログラムには、ヨーゼフ・ボイス、サイ・トゥオンブリー、ドロシア・ロックバーンなど、現代美術界の重要人物が多く含まれており、アーティストに絵画やドローイングを発表する強力な文脈を与えた。^[26]彼の素描は絵画と似ており、人物や裸婦像の上に、墨や筆、テクニカルペンで描かれた複雑な書道の線が重ねられている。鉛筆、木炭、パステルで最も多く描かれ、その上に羊皮紙や透明な上質紙が重ねられ、それが地形的なインク画の基礎となる。^[27]比較的小規模な素描は、絵画制作の合間に行われた探求の機会である。

2015年、彼は日本生まれのミニマリストアーティストである宮本和子に招待され、ローワーイーストサイドのギャラリーワントゥエンティエイトでのグループ展に参加した。^[28]マンハッタンで最も長く営業しているローワーイーストサイドのギャラリーであるこのギャラリーは、女性が経営する施設として、また、ジャン＝ミシェル・バスキアやトーマス・ノズコウスキーからデイヴィッド・ハモンズやエヴァ・ルウィットまで、長年にわたり多くの国際的な新進アーティストや中堅・大手アーティストの作品を展示してきた実験的なプログラムで重要である。 ^{[28]その後、「ハイパーカリグラフィック」と題された影響力のあるグループ展が続き、これはニューヨーク}近代美術館のドローイングとペインティング速報でキュレーターのおすすめとして取り上げられ、ソル・ルウィットの壁画と宮本自身の作品が展示された。^[29]ソル・ルウィットの親しい協力者、アシスタント、友人であり、ニューヨークのミニマルおよびポストミニマルアートシーンの主要人物であった宮本は、^[30]マクスウェル・スティーブンスを招き、ワントエンティエイトでの画期的な3つの展覧会の最初の個展を開催した。^[23] マクスウェルがこの時期に制作した多くのドローイングや絵画は、その後、東京からダラス、ニューヨークまで、国際的に展示されている。^[31]

その後数年間、アーティストは心理的に魅力的な日常生活のシーンをさらに取り入れ始め、現代の肖像画や繊細に描かれた現代の室内装飾の文脈の中で、絵画的抽象とフォトリアリズムの限界を試しました。^[32]これらの重ね塗りされた家庭内のシーンが展示されるとすぐに、絵画展はすぐに批評家の注目を集めました。^[23] 2016年のサマーテーブルペインティングについて、アーティストは次のように述べています。

「私は、私たちの心理的、感情的な経験の主な場としての家庭の領域、そして私たちが歴史的に、過ぎ去る瞬間ごとにどのように異なって存在するかに興味があります。私は抽象化と表現イメージの断片化を利用して、これを喚起しようとしています。」^[32]

この新しい時期は、ますます描写的になっていった写実主義的な絵画の上に、大きな抽象画が直接重ねられていることで明確に判別でき、各シリーズは春、夏、秋、冬の季節を、非常に個人的な、しばしば自伝的なテーマを中心に関連付けている。^{[2] [33]} NYArts Magazine は、Maxwell Stevens: Thesis, Antithesis & Synthesis と題するエッセイで、「これらの鮮やかな厚いインパストによるジェスチャーは、常に上向きの動きで成長し、唐突な表現となり、即座に感情を込めながら鑑賞者の心に届き、キャンバスをはるかに超えた空間にまで届く」と述べている。^[23]キャンバスの表面張力を劇的に高めることで、その下で個別に見える筆遣いの混沌とし​​た雲から、統一された平らで硬い鏡面の弓状の張力まで、アーティストはキャンバスを鑑賞者が最もアクセスしやすいものにしている。^[34] 美術評論家のアレハンドロ・パルドは、ミーア誌に寄稿し、これらの絵画を次のように要約している。「あなたが見ている表面は、外の空間と内の空間を分離する境界であると同時に、開いて統合する門にもなる。」^[35]

• WikiArt の Maxwell Stevens アートワーク
• Kunstmatrix の Maxwell Stevens
• 公式ウェブサイト