島本昭三

嶋本 昭三（しまもとしょうぞう、1928年1月22日 - 2013年1月25日）は日本の芸術家。^{[1] [2]} 1947年より、後の具体の指導者である吉原治良 に師事した嶋本は、1954年8月に吉原やその他15名と共に具体の主要創立メンバーとなった。 ^{[3] [4]}嶋本は指導者の吉原と親しく、初期の活動や団体運営に積極的に関わっていた。新聞紙を重ねて穴を開けたり、カンバスに絵の具の瓶を投げつけたり、映画や舞台パフォーマンスの実験、サウンドアートの作曲など、多岐にわたる技法を用いて制作した。特に革新的なパフォーマンスアートで知られた。実際、吉原がフランスの美術評論家ミシェル・タピエと会って絵画に重点を置くようになったとき、島本は吉原にこの方向を追求するよう促し続け、例えば アラン・カプローと一緒に仕事をしたいと望んだ。

具体終了後はAUというグループでのメールアート活動や、世界各地で上演した絵画パフォーマンスの継続で知られるようになったが、兵庫県西宮市で急性心不全のため死去した。^[5]

島本は1947年、19歳の時に吉原の弟子となった。^{[3] [4]}

1950年関西学院大学人文学部卒業。^{[2] [6]}

嶋本は初期の影響として南天房の書道作品を挙げ、「この巨匠に会いに行った時に一番驚いたのは、彼が非常に大きな絵筆を使い、同時代の人達よりもずっと大きな作品を描いていたことだ」と述べている。 ^[7] 1950年の初期の作品について、嶋本は「紙に矢印が一つ、カンヴァスに円が一つだけ描かれ、カンヴァスの中央に穴が空いているなど」と述べている。 ^{[8]後者は、絵画の画面に穴を開けた「穴」シリーズを指している。これらの作品は、}第二次世界大戦後の経済状況とカンヴァスを買う余裕がなかったことから生まれたものである。^[9]新聞紙を何層も貼り合わせて、嶋本は「紙膏」と名付けた新しい種類の支持体を作った。^[9]紙膏は小麦粉と水で作った糊で貼り付けられ、その上に茶色の薬莢紙を最後に貼り、白く塗られた。^[10]彼は、絵を描くときに接着剤が完全に乾いていない部分の支持体が破れてしまうことに気づきました。^[10]支持体が破れたことがきっかけで、彼は穴の開いた紙の容器を使った一連の作品を制作し、^[10] 1950年の作品「穴」のような芸術作品が生まれました。 ^[9]この作品では、白く単色の表面が、一連の激しい鉛筆のジェスチャーによって崩れかけています。^[9]同様の作品「穴」 （1954年）は、テート・モダンのコレクションに収められています。^[10]

これらの作品以前、吉原は嶋本の努力にあまり感銘を受けておらず、しばらくして彼が絵を職業として追求することを思いとどまらせた。^[11]挑戦に意欲を燃やした嶋本は、それまでに描かれたことのない絵を描くことを約束した。^[11]これにより嶋本は最初の紙の器の作品を制作し、吉原はそれを熱烈に賞賛した。^{[11]嶋本は、最初のホール作品を}吉原に見せたとき、「二人とも何か素晴らしいことを成し遂げたと感じた」と回想している。^[12]それから嶋本は部屋に閉じこもり、同じ手法でさらに作品を制作したが、嶋本によると、吉原は「それらをちらっと見て、これは以前に見たことがあると言っただけだった」という。^{[11]二人が初めて} ルーチョ・フォンターナの「ブチ」作品に出会ったとき、吉原はシリーズを続けることを思いとどまった。この作品も絵の表面を突き刺している。 [ ^10]島本によれば、これらの作品は同時期に制作され、互いのことを知らずに制作されたが、当時の美術界の偏見により、島本の作品は必然的に派生的なものとみなされるだろうと吉原は感じていた。 ^[10]アレクサンドラ・モンローが示唆するように、これらの作品は「抽象近代絵画における永続性という確立された概念に反抗し、茶道で培われた最小限で自然に風化した物への感謝である貧しさを現代日本美術の文脈に導入した」。そのため、ホールシリーズはモンローにとって「具体スタイルの始まり」を表している。 ^[13]

1954年、嶋本は村松宏が立ち上げ、吉原の影響を強く受けた「現代美術懇談会」のアーティストを展示する「第2回現美展」に参加した。^[3]このグループは、美術界のあらゆるレベルでヒエラルキーを再考しようとした。^[3]神戸の朝日ビルギャラリーで開催されたこの展覧会には、後に吉原とともに具体を設立することになる関西を拠点とする多くの若いアーティストが集まった。^{[6] [3]}嶋本は、「具体」という日本語の翻訳名を提案した人物である。[ 5 ^{] [14] [10]この名前について、嶋本は「自分たちの気持ち}を間接的または抽象的に示したくなかった」と説明している。^[8]また、初期メンバーの一部が脱退した後、ゼロ会のメンバーである白髪一雄、村上三郎、田中敦子、金山明に具体への参加を呼びかけたのは嶋本である。^{[8] [15]}島本の家はグループの最初の本部となり、最初の具体雑誌が発行された場所となった。^[3]

島本は、雑誌『具体』に発表した文章を通じても具体に貢献した。絵画に対するこの姿勢は、1957年の「絵筆の表現の理念」にも表れており、その中で彼は「まず絵の具を絵筆から解放することだと私は信じている」と書いている。^[16]さらに彼は、「マチエールのない色は存在し得ない」という認識を主張し、したがってアーティストは「絵の具の質感を生かし、生き生きとした感覚を与える」方法で描くべきだと主張している。^[16]ある論文「マンボと絵画」では、観客の参加を創造的に取り入れることで「芸術エリートによって確立された価値観」^[17]を破壊することを主張した。^[18]芸術「エリート」に対抗して、島本は「キャンバス上でマンボを踊って描いた絵画を傑作と見なすのは、エリート主義者にとって決して不当なことだろう」と書いている。^[19]

1955年7月、嶋本は芦屋市で開催された「真夏の太陽に挑む現代美術実験野外展」の一環として、作品「ここを歩いてください」を制作した。^[20]この作品は、まっすぐな道に並べられた2組の細い木の板で構成されていた。片方は歩いても安定しているが、もう一方は壊れた綱橋のように不安定だった。^[20]この展覧会で嶋本は、小さな穴が開けられた巨大な金属板も展示した。これは以前の「穴」シリーズの発展形だが、今度は鑑賞者の空間への関与に介入する手段としてのものだった。^{[21] [6]}板は片面が白、もう片面が青で塗装され、夜間には背後からランプで照らされた。^[6] 「ここを歩いてください」は1993年のヴェネツィア・ビエンナーレの際に複製され展示された。^[11]

島本が対立した芸術に対するエリート主義的態度の一側面は、芸術的天才と意図性という神話であり、彼はそれに対して偶然の、偶発的なマーク形成を利用した。「私は、2階からボールを​​誤って落とし、ペンキの缶を倒してこぼした絵の具で優れた絵画が作れると思う…その行為には余分な行動や野心はない。」^[19]アーティストや作品の従来の価値評価に対するこの拒絶は、彼が次のように書いていることにも読み取れる。「抑えきれない興奮が表現され、それが直接的な表現を通じて過去と結びついているとき、芸術の価値はアーティストにも作品にもない。それは創造する意志にある。」^[22]美術史家ジョーン・キーが指摘するように、具体初期の島本の活動は、アクション・ペインティングや「ハプニング」として簡単に分類できるものではない、グループの「特異な表現」を示している。^[23]

島本は、絵画的な独創性を表現する手段として型破りな材料や手法を試すというこの試みを、初期の具体作品にも引き継いでいた。 1956年7月の具体野外展で、島本はアセチレン燃焼で大砲を作り、そこから赤いビニールシートに絵の具を発射して「大砲作品」を制作した。^{[15] [8]}このパフォーマンスにはBGMが添えられていた。^[6]同年10月、島本は「物体を割る」を制作し、絵の具を詰めたガラス瓶を、キャンバスを張ったままの自分の下で砕いた。^[24]島本が「ボトルクラッシュ」と呼んだこの絵画手法は、彼の特徴的なパフォーマンス手法となった。^[21]ロレンゾ・マンゴーとのインタビューで、島本は大砲の使用と「ボトルクラッシュ」手法につながった初期の実験のきっかけについて語っている。白髪一雄や村上三郎の活動に求められる運動能力とは対照的に、「彼らより体力的に劣る僕は、絵の具の入った瓶を投げたり、大砲で爆発させたりすることを考えた」と島本は言う。^[25]当初は、メディアが型破りな制作過程は取り上げても、完成した作品にはあまり関心を示さないことに不満を感じていたが、「設定を変えるアイデアを提案したり、その時々の行動をとったりして、違った考え方をするようになった」^[25]。さらに、「だから、自分の作品とイベントの関係は、ジャーナリストから教わったと言える」と述べている。^[25]

絵画との能動的な関係をめぐるこの考えは、1957年5月に大阪のサンケイホールで開催された具体美術展「舞台上の具体美術」の舞台にも持ち込まれた。^{[26] [15]}真っ暗な舞台から始まり、光で照らされたガラス球が天井から降ろされた。島本はそれを棒で叩き割って消した。^{[21] [9]}その後、2本の大きな白いガラス管が降ろされ、それを叩くと4000個のピンポン玉が飛び出した。^[21]これらの作品で、島本は破壊のプロセスを用いた芸術制作行為に関心を抱いていた。^[27]島本はこのイベントで映画と電子音楽の実験も行った。^[15]この音楽は、手描きのアニメーションをフィルムに二重投影した一枚のスクリーン上の作品「世界中のどこにも存在しない映画」（1957年）の伴奏として作られた。^{[28] [11]}資金不足のため、島本は教師として働いていた中学生の生徒に映画館の仕事で廃棄されたフィルムを持ってこさせた。^{[28] [11]}そして、彼はそのフィルムを酢で洗い、そのフレームに簡単なアニメーションを描いた。^{[28] [11]}伴奏音楽を作るために、島本は当時市場に登場したばかりのテープレコーダーを使うことにした。^{[28] [11]}結果は「具体音楽」の翻訳であるミュージック・コンクレートに似たものだった。 ^{[28]しかし、島本は}ミュージック・コンクレートの構造を嫌い、日常的な音を使って構造化されていない音楽を作ろうとした。^[28]これらには、蛇口から流れる水の音、椅子を引き出す音、小さなものを叩く音などが含まれていた。^{[11] [28]注目度の低さと}ジョン・ケージの特権的な前例との比較に落胆した島本は落胆し、フィルムとオーディオは40年以上もの間倉庫に放置されていました。^[28]それらはその後分割され、パリのポンピドゥー・センターと芦屋市美術博物館のコレクションに収蔵されています。^{[28] [11]}

島本は、大阪の具体ギャラリー兼センターであるグタイ・ピンコテカで個展を開いた最初のアーティストでもあった。^[29]この展覧会は1962年10月1日から10日まで開催された。^{[29]展覧会のために}吉原が書いたテキストでは、島本が芸術にもたらした革新的な貢献について述べており、「ただ単にほうきを使って大きな白いキャンバスの表面に黄色い絵の具を広げただけの巨大な作品で、今でも傑作だと思っている」と述べている。 ^{[29]また、島本が学生時代に作った「ほとんどカミソリの刃だけで作られた彫刻」や「万華鏡のような投影」、そして}東京で開催された第2回具体展に出品された「トンネルのように巻き上げられた作品で、内側からしか見えない」作品についても触れている。^[29]

ミシェル・タピエは、1957年に『美術手帖』に初掲載された「日本への最初の旅を振り返る」という文章の中で、具体グループから嶋本を、吉原、白髪一雄、田中敦子とともに「最も確立された国際的アーティストと並んで登場すべき4人のアーティスト」として挙げている。^[30]嶋本は、タピエがグループの方向性にそれほど大きな影響を与えていなかったら、具体はもっと独創的で実験的なものになっていただろうという信念を表明した。 ^{[15]彼は、}吉原の死去によりグループが正式に解散する1年前の1971年まで具体のメンバーであり続けた。^{[31] [32]}嶋本の脱退は、アジア初の万国博覧会であり、日本の現代美術にとって画期的なイベントであった万国博覧会への具体の参加をめぐるグループ内の財政をめぐる意見の相違から生じた。^[33]

嶋本は1967年にAU（Artist Union、後にArt Unidentified）のディレクターに就任した。^{[8] [25] [34]}嶋本が指摘するように、「名門大学で学び、基礎的な技術を学んだアーティストはグループから離れていく傾向があり、一方で教育を受けていないアーティストや身体や精神に障害を持つアーティストがメンバーになった」。^[25]彼は、彼らの型破りな視点が、アートを「最も一般的な芸術的感覚を超えて進化させ」、「新しい活力を生み出す」原因であると述べています。^{[25]嶋本は、具体と}レイ・ジョンソンとの書簡を通じてメールアートについてすでに知っていたものの、AUに参加しているときにメールアートへの興味が深まりました。これは、多くのメールアートが制作されたオルタナティブスペース、ウエスタンフロントに関わっていたテキサスのビデオアーティスト、バイロン・ブラックに日本で会ったことに起因していると考えられています。^[34]島本氏のメールアート活動には、平仮名の「あ」の形に切った厚紙など、アーティストや一般の人々に送る不規則な形のカードが数多く含まれていた。これは島本氏の著作を特集した雑誌の表紙に掲載された。^[35]

日本の郵便システムを使った彼の実験に応えて、人々は切手を貼って郵便で送るという奇妙な品物を送り始めた。^[35]その中には、干しイカ、ハガキよりも小さい物に郵便タグを貼った米粒、サンダルを含む部品が送られてきて後で組み立て直さなければならなかったサンダル用の木製キャビネットなどがあった。^[35]

1976年、島本は室生川の河川敷に新聞紙1万枚の道を作った。^{[6]また、カナダの}アルバータ州で開催された「世界シンポジウム招待展」にも新聞紙1万枚を出展した。^[6]

1986年、イタリアのメールアーティスト、グリエルモ・アキッレ・カルヴェリーニの来日を機に、嶋本は頭を剃った。^[6]この時から、嶋本は訪問したアーティストたちに、自分の禿げ頭を絵画の平面として扱うよう依頼するようになった。その後、嶋本は頭にメッセージや絵を載せたり、スライドや映画を映し出す面として使われるようになった。^{[4] [36]}

嶋本は、その生涯を通じて、子どもの芸術にも取り組んでいた。 1949年に始まった芦屋での毎年恒例の子どもの絵画展について、嶋本は「終戦直後、具体の会員は新しい手法で数々の作品を制作した。それはすべて子どもたちとこの展覧会のおかげであると言っても過言ではない」と書いている。^[37]子どもの創造性が嶋本自身の制作に与えた影響は、彼が考える介入思考の不在に見て取れる。ピカソが路上に落ちていたテラコッタパイプを芸術的に組み合わせるビデオについて、嶋本は「子どものように自然体で、ためらうことなく楽しんでいた」と述べている。^[38]彼はこれを、過度に合理的で目的論的な思考慣習が支配する社会における無用なものの重要性と結び付けている。^[38]あるいは、ロマーノ・ガスパロッティが表現したように、「a) 文化的パターンや既存の形式にまだ左右されていない表現形式、b) 分割されない全体として理解される世界への全体的な注意、したがって、分離、分割、解剖しかできない技術的・科学的メンタリティに典型的な過剰分析的な態度とは対照的である」^{[39] 。}芸術における素材へのこの直接的な関わりの重要性は、島本が実践で追求した種類の方法にも当てはまる。

具体後の嶋本の活動は、世界平和運動への情熱によって特徴づけられるが、これは1986年のバーン・ポーターの訪問に一部触発されたものである。 [ ^{25 ]} マンハッタン計画に参加し、日本への原爆投下後は質素で償いの生活を送った原子物理学者のポーターは、後に嶋本をノーベル平和賞に推薦することになる。^[25] 1999年に制作した作品「平和の証」では、嶋本は新西宮ヨットハーバーでガラス瓶の絵の具をコンクリート板に落とし、空中に浮かせた。この作品は、日本に平和が続くという条件で、100年間毎年継続されることになっており、嶋本のガラス瓶技法を用いて、新しいアーティストや一般の人々が絵の具を描き加える予定である。^{[4] [36]}同様に、2006年にはナポリのダンテ広場で「平和のための武器」のパフォーマンスを行った。^[21]このパフォーマンスでは、広場に巨大なキャンバスが設置され、中央にグランドピアノが置かれた。^[21]島本は白いキャンバスの筒を通って広場に入り、一種の誕生を暗示した。^[21]クレーンでハーネスから吊り下げられた島本は、「色のついた絵の具で満たされた多数のプラスチックカップでできた奇妙な球体」をキャンバスと下のピアノに落とした。[ ^21]パフォーマンス中、シャルルマーニュ・パレスチナは絵画エリアの横に置かれた別のピアノを弾いた。^[21]島本は平和を人生の「テーマ」と呼んでいる。^[25]

嶋本の絵画パフォーマンスは、2008年にジェノバのドゥカーレ宮殿、カプリ島のチェルトーザ、プンタ・カンパネッラで行われたパフォーマンスを含め、その後も様々な形で続けられた。^{[21]嶋本の作品は、}ロンドンとリバプールのテート・ギャラリーやテート・モダン、日本の神戸にある兵庫県立美術館などの美術館に収蔵されている。ニューヨーク・タイムズの美術評論家ロバータ・スミス[1]は、嶋本を1950年代の戦後国際アートシーンで最も大胆で独立した実験主義者の一人と評した。1997年には、ベルギーのハッセルトにあるギ・ブルー視覚芸術センターの「Eメール・アート・アーカイブ」で開催された個展「嶋本昭三の具体とAU」で、嶋本のメール・アート作品が展示された。^[40] 1954年に日本近代美術協会で協会賞を受賞し、1957年に同協会の会員となった。^[2] 1969年、第9回現代日本美術展で公募賞、1999年に紺綬褒章、2000年に兵庫県文化賞を受賞した。^[2]

• 吉原治郎;島本正三。 ミシェル・タピエ;具体美術協会。具体 [=具体] (具体美術協会、西宮市 : Gutai Bijuku Kyokai, 1955–1965) [日本語: 連載: 定期刊行物] OCLC 53194339 [Worldcat 「その他のタイトル」情報: 具体美術展、アヴァンチュール アンフォルメル、国際美術協会新しい時代、アメリカ、日本、ヨーロッパ、国際スカイフェスティバル、大阪、1960年]

• テート・コレクション、英国 島本に関する情報とテート・コレクションの作品画像
• 島本に関する情報が掲載されているグータジグループのフランス語ページ
• 美術評論家ロバータ・スミスによるニューヨーク・タイムズの記事「アートの視点：アートが舞台となり、アーティストが俳優になったとき」（1998 年 4 月 5 日）。スミスは島本を国際アート界で最も大胆な実験家の一人として挙げている。
• 嶋本昭三の希少作品がアート・パリ2016に展示 アート・パリ2016（ABC-ARTEギャラリー、ジェノバ、イタリア）で嶋本昭三の希少な作品を展示

「第二次世界大戦の終結後に起こった安堵、自由、絶望の高揚感に突き動かされてか、世界中の芸術家たちは、絵画や彫刻を制作する新しい肉体的、時には暴力的でカタルシス的な手法を試していた。また、創造的であると同時に破壊的でもある、いわゆるイベントや行動、パフォーマンスを演出する芸術家もいた...

「これらの芸術家の中には、間違いなくポロックの例に影響を受けた者もいた...しかし、同じ年には独自の実験も行われた。例えば、ルーチョ・フォンタナはアルゼンチン（またはイタリア）で、ナイフで絵の描かれたキャンバスに何度も穴を開けたり切り裂いたりして絵を描いた。そして日本では、嶋本昭三が何層もの和紙に身を投げることで、絵画という神聖な平面を象徴的に貫き、その出来事の痕跡（ギザギザの紙片に囲まれた穴）を芸術作品として残した。」

• 島本省三：公式サイト
• 島本に関する Askart.com のページ（作品のカラー画像を含む）
• 芦屋1956はイタリア、レッジョ・エミリアで計画された最後の芸術パフォーマンスで、2011年9月。美術評論家兼キュレーターのアラン・チビロ博士によるビデオ