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日本画（にほんが）は、絹や紙に鉱物顔料、場合によっては墨、その他の有機顔料を用いて描く日本の絵画様式です。この用語は、明治時代（1868～1912年）に、洋画（ようが）と呼ばれる西洋絵画と区別するために作られました。この用語は「日本風の絵」と訳されます。 [ 1 ]
狭義には、明治維新から第二次世界大戦終結までの77年間に、油絵ではなく、書道や手描きなどの日本の伝統的な技法や様式に基づいて発展した絵画を指す。対照的に、油絵は「洋画」と呼ばれた。
より広い意味では、この用語は明治維新以前や第二次世界大戦後に制作された作品にも拡張できる。そのような場合、この用語は、中国起源でありながら主題や様式において日本的な特徴を持つ作品を指すのか、それとも油絵技法が伝来する以前に日本で制作された素描全般を指すのか、という点でしばしば曖昧さを伴う。
前者の明治時代の日本画は、岡倉天心とアーネスト・フェノロサが、西洋の新しい絵画様式である洋画の台頭に対応して、伝統的な日本画を復興しようとしたことから始まった。狩野派の画家である橋本雅峰は、この復興運動の実践的な側面を創始した。彼は単に伝統的な技法を用いて日本画を描いたのではなく、洋画の遠近法を取り入れることで伝統的な日本画に革命を起こし、後の日本画運動の方向性を定めた。東京美術学校（現在の東京藝術大学）の初代教授として、横山大観、下村観山、菱田春草、河合玉堂など、後に日本画の巨匠とみなされる多くの画家を育成した。[ 2 ] [ 3 ]
この用語は1880年代にはすでに使用されており、江戸時代末期の文脈に関する議論は、フォックスウェルのモノグラフ「近代化：日本画」にたどられている。[ 4 ]それ以前、近世初期以降、絵画は流派によって分類されていた。例えば、狩野派、円山四条派、土佐派の大和絵などである。 [ 5 ]
東京美術学校が設立された1887年頃、美術団体が結成され、展覧会を開催し始めた。それらを通じて、芸術家たちは互いに影響を与え合い、それまでの流派は融合し、混ざり合った。西洋絵画の影響も加わり、今日の日本画が出現し発展した。[ 6 ]
日本画は明治時代以降、幾多の発展段階を経てきた。伝統的な絵画をより近代的な日本様式へと発展させることで、伝統絵画を活性化させようとする動きは、塩川文林、河野梅嶺、富岡鉄斎、そして美術評論家の岡倉天心 やアーネスト・フェノロサといった多くの画家・教育者によって大きく推進された。彼らは、明治時代の日本が西洋文化に傾倒する風潮に対抗するため、日本人に対し、日本固有の伝統芸術の重要性と美しさを強調しようと試みた。特に「近代日本美術の父」と呼ばれる天心は、伝統芸術の保存と、西洋絵画との融合を提唱した。そのため、日本画は単に古い絵画の伝統を継承しただけのものではなかった。さらに、狩野派、琳派、円山応鏡といった複数の伝統的な流派の様式や技法が融合されたのである。
東アジア絵画の伝統における線描の重要性から脱却しようとする試みとして、遠近法や陰影といった西洋絵画の技法が取り入れられた。こうした融合の傾向から、日本画と洋画の技法や素材を明確に区別することはますます困難になっている。
アーティストの天明屋久志（1966年生まれ）は、2001年に「ネオ日本画」と呼ばれる新しい芸術概念を提唱した。
日本画は世界中にファンがおり、日本国外に拠点を置く著名な日本画家としては、千住博、アメリカ人の藤村誠、カナダ人の田野辺美幸などが挙げられる。
現代日本画は、1995年から2015年までニューヨークのディロンギャラリーの主力でした。[ 7 ] 1985年から1993年の「戦後日本画の黄金時代」は、日本画の訓練を基礎として世界的なアーティストを輩出しました。村上隆、千住博、斎藤紀彦、陳文光、岡村啓三郎、藤村誠は皆、東京藝術大学の著名な博士課程の出身です。ごく最近では、ポーラ美術館が藤村誠、李禹煥、加山又造、三瀬夏之助を含む画期的な展覧会「新日本絵画：革命的日本画」を内郎博之がキュレーションして開催しました。
藤村氏の著書『芸術とは：光への旅』（イェール大学出版局、2025年）は、日本画の歴史や素材に焦点を当て、新たな視点から日本画を紹介している。また、スミソニアン国立アジア美術館に所蔵されている17世紀の代表作、俵屋宗達の「松島波図」についての記述や考察は、この傑作に関する初の英語文献として注目されている。
日本画は、通常、和紙または絵皮に筆を用いて描かれます。絵は単色または多色で描かれます。単色の場合、通常は魚の骨や動物の皮から作られた糊と煤を混ぜた墨が使用されます。多色の場合、顔料は鉱物、貝殻、珊瑚、さらには孔雀石、藍銅鉱、辰砂などの半貴石といった天然素材から作られます。原材料は、細かいものから砂粒状のものまで16段階の粒度に粉末化されます。これらの粉末顔料の結合剤として、にかわと呼ばれる膠溶液が使用されます。どちらの場合も水が使用されるため、日本画は実際には水性媒体です。胡粉（牡蠣、アサリ、ホタテの殻を乾燥させて作られた炭酸カルシウムの粉末）は、日本画で使用される重要な材料です。様々な種類の胡粉は、下地、下塗り、そして繊細な白色のトップカラーとして利用される。
日本画は当初、掛け軸、絵巻物、襖、屏風などに用いられるために制作されていました。しかし現在では、ほとんどが額装に適した木製パネルに張られた紙に描かれています。日本画はガラスで覆う必要はなく、数千年にわたって保存可能です。[ 8 ]
単色日本画では、墨の濃淡を濃淡に変えることで、ほぼ白から灰色、黒、そして時には緑がかった色調まで、木々、水、山、葉などを表現する様々な陰影を生み出す技法が用いられます。多色日本画では、輪郭線の有無が非常に重視され、鳥や植物の描写には通常輪郭線は用いられません。コントラスト効果を出すために、水彩絵具や顔料の重ね塗りが用いられることもあり、さらに稀に金箔や銀箔が絵に取り入れられることもあります。
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