アンセルム・ライル

アンセルム・ライル
生まれる	( 1970-02-12 )1970年2月12日（54歳） テュービンゲン、ドイツ
教育	シュトゥットガルト国立美術アカデミー
スタイル	抽象化
Webサイト	https://www.anselmreyle.com

アンゼルム・ライル（1970年生まれ）は、ベルリンを拠点とするドイツのビジュアルアーティストです。彼は、大規模な抽象画やファウンドオブジェクトの彫刻で知られています。^[1]

アンゼルム・ライレは1970年にドイツのテュービンゲンで生まれました。^{[2] [3] [4]}シュトゥットガルト国立美術アカデミーで学び、その後カールスルーエ美術アカデミーで芸術家ヘルムート・ドルナーに師事しました。^{[3] [4]}

1997年にベルリンに移り、ジョン・ボック、ディーター・デッツナー、ベルタ・フィッシャー、ミシェル・マジェルスと共同でスタジオを設立した。^[5]

1999 年から 2001 年まで、レイルはクラウス アンデルセンとダーク ベルとともに、アーティストの協同ギャラリー「アンデルセンのウォーヌング」とダーク ベルとティロ ハインツマンの「モンパルナス」で活動してきました。^[要出典]カールスルーエ国立芸術アカデミー、ベルリン^[要出典] ベルリン美術館[^要出典]、ハンブルク美術大学(HFBK ハンブルク) で客員教授を務めた後。^[要出典]ライルは、2009 年に HFBK ハンブルクの描画と絵画の教授に就任しました。^[6]

アンセルム・レイルは、初期にはランドスケープデザインと音楽に興味を持っていたが、最終的には絵画と彫刻に集中した。^[7]彼の作品の特徴は、本来の機能を取り除かれ、視覚的に変更され、再文脈化された様々なファウンドオブジェクトである。レイルは、絵画、彫刻、インスタレーションの戦略を活用し、連続的で構造化された作品群で、さまざまな媒体で作品を制作している。彼は、ショーウィンドウのディスプレイの色付きホイル、アクリルメディウムとペースト、自動車用ラッカー、都市部から集めた役に立たない日常のゴミなど、伝統的な芸術と商業環境の両方から得た多種多様な材料を使用している。^[1]これらの材料を文脈から取り除き、本来の機能を隠すことで、レイルはそれぞれの視覚的参照を保持する度合いを変化させている。この作品は、流用という公式を利用して、鑑賞者が作品内の個々の要素を識別する瞬間と、新しい文脈による疎外の期間の間を行き来できるようにしている。展覧会や作品のタイトルでさえ、歌詞など、さまざまな分野からの引用であることが多い。それらはアーティストのレパートリーのオブジェのコレクションとして機能します。

「もともと私はジェスチャー ペインティングを始めましたが、同時にさまざまな素材を試すことにも常に興味を持っていました。私にとっては、どちらの場合も、偶然が重要な役割を果たし、予期しないものを扱う必要性も重要です。過去数年で私の作品はますます概念的になり、技術的に完璧になった後、最近は芸術的実践をより自由でジェスチャー的なアプローチに再び開放し始めました。結局のところ、私の作品を決定づけるのはこの 2 つの極だと思います。」 – アンセルム ライル

アンセルム・ライルの最も有名な作品シリーズの一つに「ホイル・ペインティング」がある。これは、色付きのアクリル製ボックスにホイルを配置して設置した抽象作品として高く評価されている。そのきらめく素材感は見る者の目を魅了し、触覚を刺激するが、アクリル製ボックスは触覚体験の可能性を否定する。これらの作品のダイナミックな表面は、その物体性と空間的存在感を強調し、壊れやすい折り畳まれたホイルの形状は、その堅固な幾何学的形状と対照的である。^[1]

「ストライプ ペインティング」は、このアーティストのもう 1 つの有名なシリーズです。ここでレイルは、均一な縦縞のペイントで、美術史の決まり文句を体系的に打ち消しています。彼は、ホイルの折り目、標準化された署名として機能するペイントのしみ、または絵画面の端にカットされた最後のストライプなど、破壊的な要素を意識的に使用しています。彼は、このような単純なストライプのテーマによって、色の構成に非常に多くの、そして非常に印象的なバリエーションを作成できるという事実に魅了されており、これは、後の細いストライプを特徴とする例に見られます。レイルは、年月とともに、ホイル、鏡、特殊効果ペースト、テクスチャ ペーストをますます使用するようになり、また、スチール フレームをイメージのスタイル要素として取り入れるようになりました。

レイルは抽象表現へのこだわりを貫いているが、具象的なモチーフについても実験している。実際、2010年から2013年にかけて制作されたシリーズでは、レイルは「塗り絵」の伝統を明示的に参照することで人物の起源を遊び心たっぷりに探求し、抽象的な形が融合して実物から認識できる主題になる方法を明らかにしている。塗り絵で見られるような戦略を使用することで、主題はパズルのように単一のシリアル番号付きパーツに分解され、各番号には他のフィールドと相互作用する特定の色が割り当てられている。次に、ストライプ ペインティングやオットー フロイントリッヒ シリーズのように、鑑賞者がレイルの作品から認識できる素材や色でこれらが埋められる。この並置により、鑑賞者の触覚に直接訴える、さまざまな表面テクスチャを持つプラスチック レリーフのような印象が生み出される。

アンセルム・ライルの有名な彫刻シリーズは、いわゆる「アフリカ彫刻」である。これらの作品群の元々の形とタイトルは、観光市場や、アフリカ彫刻の決まり文句として売られている、しばしばソープストーンで作られたキッチュな蚤の市の手工芸品から借りてきたものである。低いマカッサルの木製台座に置かれた彼の作品「ハーモニー」（2007年）は、彼の母親がアフリカを訪れた際に購入した小さなソープストーンの彫刻に基づいている。^[7]チープで模倣的ではあるが、その形式的な概念は、ハンス・アルプ、アレクサンダー・アルキペンコ、ヘンリー・ムーアのような現代美術の著名な抽象彫刻家を思い起こさせる。これらのアフリカの小物品に対するヨーロッパ彫刻の明確な影響は、現代の造形芸術の原型と思われるこの作品に現れている。ライルは、オリジナルの発見物を拡大してからブロンズに鋳造し、クロムメッキとラッカー塗装するという伝統的な技法を使用している。このプロセスにより、伝統的な手彫りの技法と高度な技術によるブロンズ作品の対比により、緊張感に満ちた作品が生まれます。この意図的なパラドックスを伝えるには、レイルが作品の制作と変形に使用した技法を鑑賞者が事前に知っておくことが不可欠です。

珍しい素材や物理的な変更を使用することで知られるレイルの作品は、アンフォルメル、キュビズム、オプ・アート、ミニマリズム、ポップ・アートなど、20世紀初頭の抽象芸術の歴史的流派に根ざしている。レイルはオブジェ・トゥルーヴェの伝統の中で作品を作ることが多いが、ルイーズ・ローラーやエレイン・スターテヴァントなどの作品のように盗用に頼ることはない。その代わりに、レイルは、さまざまな伝統を予想外の形で崩壊させ、混ぜ合わせることで、ポストモダン市場における過剰の役割に疑問を投げかける、洗練された美的語彙を使用している。実際、歴史的な言語を活用すると同時に、新しい産業慣行や大量生産方法の進化する語彙を開発することで、彼はさまざまな「近代性の袋小路」について考えることができるのだ。^[8]

ライルの高​​光沢効果とマーチャンダイジングの世界から取られた装飾的な素材への関心は、キッチュに対する彼の批評、そして彼が「ずっと苦痛を伴う綱渡り」と表現したものの枠組みとなっている。^[9]この批評は、「ハイアート」と「ローカルチャー」という規範的なカテゴリーの違いを率直に扱い、これらの両極端がどこで融合するのかを問うている。貴重な素材とゴミを並置し、制作をアウトソーシングすることで、ライルは私たちの時代の証人として機能し、私たちの消費文化の支配的な価値観について熟考を促す作品を作ることができる。しかし、ブルジョア的理想に対する批判にもかかわらず、この作品は純粋な道徳的訴求力を持つ単純な代替案を提示しているわけではなく、時には皮肉なトーンを維持することを主張している。連続作品を制作することで、ライルは単一パネル絵画の優位性に挑戦することができる。

彼の作品における、崇高な抽象の理想と、挑発的にも見える装飾的な視覚的方向性との間の矛盾は、相反する緊張感を生み出し、この空間において形態と主題が乖離していく。この作品のコンセプトの自発性とダイナミックな生命力は、専門企業と共同でアーティストが使用する多くの洗練された技術的プロセスの助けを借りてのみ達成可能な複雑な技術的変換とは対照的である。彼の芸術的プロセスのアウトソーシングは、アーティストが2001年以来チームを雇用しているスタジオ構造にも見られる。スタジオでの作業に加えて、珍しい素材での実験に対するライルの関心は、テュービンゲン美術館（2009年）での展覧会「Acid Mothers Temple」や、ベルギーのドント・ダーネンス美術館での「Elemental Threshold」（2010年）などのサイトスペシフィックなインスタレーションにも表れている。 2017年、ベルリンのケーニッヒ・ギャラリーで個展「Eight Miles High」を開催した際、ライルはフェアで工芸品として見かけるような金属製の幾何学的な風鈴からインスピレーションを得た吊り下げ彫刻3点を発表しました。

レイルの最近の作品では、彼はさらに直感的かつ官能的な方向に傾いているようで、彼独特の形式的な語彙を展開し、見つけた物を使っています。ここでは、2016年に制作を始めた陶芸が重要な役割を果たしています。印象的な色彩と表面が覆われたこれらの彫刻は、1970年代に登場し、その後まもなくキッチュとして蚤の市に並ぶことになった派手なファット ラバの花瓶からインスピレーションを得ています。レイルはこの様式的な現象をモチーフにして、形状や釉薬を徹底的に実験し、大きなサイズの花瓶のような彫刻群を開発しています。彼にとって、自然素材の粘土を扱う際には、偶然性をより密接に統合することが重要でした。文字通り、オーブンから何が出てくるかはわかりません。ランダムな欠陥は、しばしば美的に興味深いものです。レイルは意図的にジェスチャーを多用します。彼は、欠陥が生じるよう自発的にプロセスに介入し、そのような欠陥を引き起こす必要条件さえも作り出します。こうして、美的ジェスチャーと解釈の余地を開くことができます。この目的のために、レイルはオーブンに入れる前に素材をジェスチャー的に酷使し、表面に傷やひび割れを加え、しばしば容器の閉じた形状を壊します。沸騰した溶岩ペーストと明るいオレンジ色またはカドミウムイエローの釉薬、または金属的なモノクロームの表面を非公式に適用して完成します。このようにして、レイルは現代アートのキッチュと伝統的特徴の両方に根ざしたスタイルのハイブリッドを作成します（たとえば、ルーチョ・フォンタナを考えてみてください）。彼は、ある種のアンビバレンスを生み出しながら、ステージングでそれらを直感的に開きます。

最近の一連の絵画では、陶芸と同様に、アーティストは絵画制作のプロセスそのものを解き放とうとしています。これらの作品の多くは粗い黄麻布に描かれており、物質性と自由な形式の存在がここでも重要な役割を果たしています。これらの絵画は、相反する力学が強烈に凝縮されています。ここでレイルは、長年かけて培ってきた不協和な色彩と物質の規範を、自由な抽象形式で表現しています。これまでに培った語彙、つまり彼の特徴的なジェスチャーのすべてがこれらの作品に見られ、同時にそれらは新たな複雑さに織り込まれ、新たな強度と新たな視覚効果を獲得しています。

レイルの過去の個展には、ケーニッヒ ギャラリー、ベルリン (2023)、アランヤ アート センター クインファンダオ (2020)、ケーニッヒ ギャラリー (2017)、ギャラリー アルミネ レヒ (2017)、ゲイリー タティンツィアン ギャラリー(2013)、ダイヒトールハレン ハンブルク (2012)、クンストハレでの展示が含まれます。テュービンゲン(2009);グラスゴーの現代研究所（2007）。チューリッヒ美術館の新しい彫刻と絵画の 1 つ（2006 年）。 Galerie Giti Nourbakhsch (ベルリン) とGavin Brown's Enterprise (ニューヨーク)。彼の最初の米国個展はデモイン アート センターによって開催されました。^[10]

このアーティストの作品は主に、ロンドンのサーチギャラリー、ベルリンのダイムラー・コレクション、ヴェネツィアのピノー財団、マイアミのルーベル・ファミリー・コレクション などの個人コレクションに収蔵されています。

• 国立美術館、ベルリン国立美術館、ベルリン、ドイツ
• ダイムラー コンテンポラリー、ベルリン、ドイツ
• ザムルング ボロス、ベルリン、ドイツ
• ザムルング・イングヴィルド・ゲッツ、ミュンヘン、ドイツ
• コレクション リンギエ、チューリッヒ、スイス
• ピノー コレクション、ヴェネツィア、イタリア
• ポンピドゥーセンター、パリ、フランス
• アルケン近代美術館、イショイ、デンマーク
• サムスン美術館、リウム、ソウル、韓国
• サーチギャラリー、ロンドン、イギリス
• ルーベル ファミリー コレクション、マイアミ、アメリカ

• ハンブルク美術大学（HFBKハンブルク）のプロフィール
• ゲイリー・タティンツィアン・ギャラリーのウェブサイトのアーティストページ