ステファン・グラフ

ステファン・グラフ（1965年生まれ）は、ロンドンを拠点に活動する、独学で絵を学んだフランス系イギリス人アーティストです。写真と写実的な絵画を主に制作しています。グラフは、フロイトやユングの精神分析の伝統や科学的手法に影響を受けており、作品の中でアイデンティティ、隠蔽、記憶、聖なるものの世俗的概念といったテーマを頻繁に取り上げています。綿密なリサーチにより、グラフは科学者「教授」や民族植物学者アルベール・フリケ博士などの分身を生み出しました。最も大規模な作品群は、「ブラックボックス」絵画、「コンストリクションズ」写真シリーズ、そして多数の木片に描かれた絵画と彫刻の分野を組み合わせた「ミルフィーユ」絵画です。グラフは国際的に展示会を開催しています。主な展示会には、ローマのガレリア・ムッチアッチャ（2018年）、ロンドンのアルミネ・レック・ギャラリー（2016年）などがあります。フランスのニースの近代現代美術館（2013年）、イタリアのトリノのエルセル財団（2010年）、イスタンブールのアメリカン・ハスタネージの手術室（2010年）、モロッコのマラケシュ美術館（2004年）、ロンドンの人類博物館（1991年）。^{[1] [2] [3] [4]グラフは億万長者のダイヤモンド王}ローレンス・グラフの息子である。^[5]

1980年代後半、グラフは絵画、写真、フォトモンタージュを組み合わせた技法を採用した。^{[2] [6]} 1988年の個展では、「神学研究」、「女性美」、「叫び声を上げる肖像」の3つのカテゴリーの作品が展示された。^{[2] [6]}宗教作品の中には「最後の晩餐」がある。このフォトモンタージュでは、弟子たちの頭は黒い三角形で隠されているが、ユダだけは黒い四角で隠されている。^{[2] [7]}「マグダラのマリアの列聖」では、被写体は黒いベールで覆われ、キリストの磔刑を悼んでいる様子が描かれている。ドレイアーによれば、「黒で後光を描くことで、アーティストは娼婦から聖人への移行を物語っている」^{[2] 。}

女性の美をテーマにした作品では、グラフは「伝統的」な概念と「過激な」概念を並置した。^[2]グラフの初期の女性のヌードの扱い方、例えば「ツイステッド・ヌード」（1988年）は、ルネッサンス彫刻を参照し、「非人間的で石のような質感」があると解釈された。^[2]

「叫び声の肖像画」シリーズは、緊張した筋肉のディテールと「精神病を示唆する」ゆがんだ表情が特徴です。 ^[2]このシリーズには、「意見の相違を認める」、「老人の肖像」、「悪魔祓い」が含まれます。^[2]

グラフの初期の作品の多くは古代および部族芸術に触発されたもので、記憶や人間と過去との関係に関心を寄せていた。^[8] 1991年2月、グラフはロンドンのクレイン・カルマン・ギャラリーで「アースワークス」シリーズを展示した。作品は土、​​砂、油絵の具を混ぜて木製の表面に塗ったものだった。^[9] グラフは、洞窟の壁を想起させる「土着の素材」の厚い層と、灰色とアースカラーの限定されたパレットを使用した。^[8]グラフは洞窟を心理的な比喩として使い、「創作のプロセスは発掘のようなものだと私は思います。アーティストは徐々に深く掘り下げていき、無意識の化石を発掘していきます」と述べた。^[8]

グラフは1997年にスペインのファビアン・フリンスギャラリーで「アースワークス」シリーズの後期作品を「ミイラ化」シリーズの作品と並べて展示した。^[4]これらの「アースワークス」は同様の有機的な混合メディアで制作された。^[10]「Traces de Terre」、「Akhenaten's Dream」、「Moonblood Dance」は旧石器時代の絵画を参考にした。"。^[4]

1988年からグラフはカイロとルクソールを訪れ、古代エジプトの遺物の研究を行った。^[8]また、大英博物館のエジプト考古学部門で学び、古代エジプトのミイラや副葬品の膨大なコレクションを調査することができた。^{[11] [8]}

グラフは1994年にロンドンのニューバーリントンギャラリーでエマージングアート財団の支援を受けて「ミイラ化」シリーズを展示した。^[12]この展覧会には「砂のレリーフ」と題された作品も含まれていた。^[3] 作品は1992年にロンドンのハミルトンギャラリーで開催した写真展「コンストリクションズ」と同様の関心から生まれたもので、紐で縛られた肉や粗いロープで縛られた彫刻的な女性の姿の画像が含まれていた。^[12]デビッド・コーエンは「コンテンポラリーアート」誌でこの展覧会を評した。「彼の新しい彫刻作品は、動的なものと静的なもの、官能的なものと病的なものの境界線を同様に探究している。」^[12]

いくつかの彫刻は、焼かれた麻布の包みに包まれて保存され、土の板に埋め込まれた個人的な品々を組み込むことでミイラ化のテーマを解釈しており、アーティストはそれを部族の墓地やエジプトのシャブティ像の列に似ていると見なしていました。^{[8] 「この作品は、私たちの目の前で見ることができるものと見られないものとの両方に関連しています。または、より簡潔に言えば、記憶と}抑圧 のテーマを示しています。」（グラフ）^[8]

1991年、グラフは「Constrictions」^[1] 、^{[13] [14] [15]}と題されたヌード写真シリーズの制作を開始し、2013年に再訪した。^[16]これらの画像では、男性と女性の両方の体が締め付けまたは隠蔽の対象として提示されている。^[13]通常、それらはロープで縛られている。^[13]「シュルレアリストの民族誌への傾倒に倣って」（ピエロニ）、^[14]グラフは、東南アジアのパダウン族の首を伸ばす輪や中国の纏足など、部族や文化的慣習に見られる締め付けの形に興味を持っていた。 ^{[1] [8] [13] [14] [15]} 男性の頭部が完全にロープで縛られた彼の写真「ロープヘッド」は、人工的な頭蓋骨変形を参照している。^{[13] [15]グラフは現実逃避の達人}フーディーニにも影響を受け、モンゴルの曲芸師やサーカス芸人を撮影した。^{[8] [13] [15]}グラフは1995年にオーストラリアの雑誌『ブラック+ホワイト』のインタビューで「...人物が裸であるというのはフーディーニのパフォーマンスと非常に似ている。彼は観客の前で服を脱ぎ、縛られる。彼は隠されたトリックがないことを証明しなければならなかった。」と説明した。^[15]

グラフは、マン・レイの『ヴィーナス・レストレ』（1936年）が彼の『コンストリクションズ』シリーズの先駆けであると述べた。^{[8] [15]彼はまた、パリの}オルセー美術館で開催された展覧会『ル・コルプス・アン・モルソー』（1990年）にも影響を受けた。^{[8] [15]評論家のキャロライン・スミスは、グラフは芸術と}ポルノグラフィ の関係に疑問を投げかける数多くの写真家の一人であると指摘した。^[13]

「ブラック ボックス」シリーズは、主に写実的なモノクロームの油絵で構成されている。これらの作品は、多くの場合、大勢の人や個人を描いたもので、発見された写真から派生したものである。^{[11] [8]}被写体の目の上に描かれた「ブラック ボックス」のモチーフは、「ミニマリスト ニヒリズムの構造」と報道機関の検閲の両方に関連付けられている。 ^{[11]グラフは、}マレーヴィチやラインハルトなどの黒い絵画を参照することも意図していた。 ^{[11]グラフの作品における隠蔽のテーマは、彼の初期の「コンスティチューション」 [8]}や「ミイラ化」シリーズにまで遡ることができる。ピエロニによれば、この一連の作品群は、大英博物館の古代のミイラや葬儀の遺物のコレクションが「隠蔽と神聖さの複雑な関係について考える」機会を提供したという。^{[11] [8]}

グラフのより概念的なブラックボックスの絵画の中には、フレーム付きの空間を描いたものがある。[ ^11]グラフのフロイトのオフィスの絵画の中には、フレーム付きの鏡があり、グラフはそれを黒い塗料で埋め尽くした。 ^{[11]この鏡は広場}恐怖症の患者の治療に使われたものであり^[11]、投影された恐怖や欲望が頻繁に現れる空間として解釈されてきた。 [ ^11]ルーブル1（モナ）という作品では、モナリザの周りに群衆が集まっているが、モナリザは黒いキャンバスに置き換えられている。この黒いキャンバスのイメージは、群衆のデジタルカメラのディスプレイ画面に繰り返し映し出される。^[11]ピエロニはこの写真を「絵画の前にいる片目だけの鑑賞者が多すぎる。見過ぎて、視力が足りない」ことを表現していると解釈している。^[11]

2006年時点では、グラフのブラックボックス作品はアーティストのスタジオをテーマにしたものに集中しており、例えば、ベーコンスタジオ（モーションブラー）（2006年）、スタジオフロア（2006年）、リースミューズスティルライフI（2006年）、ブランクーシスタジオ（ネガティブ）2006年などがある。^[11]

2008年、グラフは、社会の「科学に対する生来の信頼」と彼が考えるものに疑問を投げかける手段として、彼の分身である「プロフェッソーレ」をフィーチャーした一連の写真作品を制作した。^{[17] [18] [19]}一連の作品は、一見アーカイブとして提示されている。^[20]「プロフェッソーレ」は架空の科学者であり、複雑で「不条理な」実験を行っている姿で描かれることが多い。 ^{[17] [21]}グラフは、主に写真、また絵画、コラージュ、彫刻、インスタレーション、サウンド、ビデオを駆使して、架空の「研究室」内に疑似科学的な環境を作り出した。^[18]グラフはインタビューで、「表面的には、[プロフェッソーレ]は天才のように見えるが、一度精査すると、彼の実験は無意味であり、完全な失敗に終わる可能性が高いことがわかる」と述べている。^[17]グラフは「教授」の描写にユーモアを交えつつ、^[21]人類の知識を拡張しようとする人物として教授を描写することを目指した。^{[17] [19]} 2010年、「教授」展がアメリカのハステナシ美術館の「オペレーションルーム」で開催され、同年、ジェームズ・パトナムがキュレーションしたグループ展「ワンダーランド」でミラノのアッサブ1で展示された。^{[17] [22]}フィリップ・ダゲンによる2012年のギャラリー・オディール・ウイズマンでの展覧会のレビュー^[23]がル・モンド紙に掲載され、「デュシャン、エルンスト、そして1920年代と1960年代のパフォーマンスアートの映画への言及」についてコメントしている。^[21]このシリーズは2013年にニース近代現代美術館（MAMAC）で開催された展覧会「La Quatrième Dimension」でも展示されました。^[24]

ヴァイツォウによれば、グラフの「教授」作品は、アイデンティティ、その構築、隠蔽、崩壊の探求である。^[18] 一連の作品はまた、社会がさまざまな人々のグループに対してどのように認識し、反応するかというさまざまな方法に挑戦することを意図していた。^[18]グラフは、風変わりな科学者の役割を採用することで、経験的観察、制御された実験、研究、試行錯誤など、アーティストと科学者の作業方法の類似点を明確に表現することを意図していた。^[18] ビデオ作品「存在の現象における実験」（2010年）では、「教授」の役割を担ったグラフは、路上やトルコのコーヒーハウス（キラアタン）で出会った見知らぬ人を監督し、しばしば「不条理な」体の表現や動きをうまく振り付け、時には疑似科学的な器具を一般の人々に対して使用した。^{[18] [25]}また、カフェの真ん中で「プロフェッソーレ」が実験装置を使って科学実験を行っている様子も見られる。^[25]グラフは「この人物に人々がどう反応するか興味があった。「プロフェッソーレの型破りな科学は、空想的なものから平凡なものまで多岐にわたるが、彼は常に実験を同等の敬意を持って扱い、それがもっともらしいものとして受け止められる」と主張した。^[25]

グラフの「ブラックボックス」作品は芸術家の集団の歴史的なイメージを提示していたが^[11]、「プロフェッソーレ」シリーズでは科学者の集団に興味を持つようになった。^{[17]そのため、「プロフェッソーレ」のイメージは}アルベルト・アインシュタインやジークムント・フロイト のイメージとモンタージュされている。^[17]「ブラックボックス」シリーズには、ベーコンやブランクーシのような空っぽのスタジオの絵画も含まれていた。「「プロフェッソーレ」作品によって、このアイデアは科学研究室、実験のための空間のイメージへと変化した」^{[11] [17]}