Loading article…
音楽劇は、オペラやミュージカルといったより伝統的なジャンルに対抗して、20世紀を通じて出現したパフォーマンスのジャンルである。[1][2] この用語は、1960年代と1970年代に、楽譜の中に音以外のジェスチャー、動き、衣装、その他の視覚的要素を取り入れた、器楽と声楽の作曲に対する前衛的なアプローチを説明するために広く使われるようになった。[ 3 ]これらの作品（ジェルジ・リゲティの『アヴァンチュール』（1962年）、マウリシオ・ケーゲルの『マッチ』（1964年）、ピーター・マックスウェル・デイヴィスの『狂王のための8つの歌』 （1968年）など）は、コンサートホールの舞台で、おそらくより長いプログラムの一部として上演されることを意図していた。[ 4 ]
1980年代以降、音楽劇という用語は、音楽と演劇を組み合わせる新しい方法を実験するために、前衛演劇やパフォーマンスアートの技術と理論を使用するあらゆるライブプロジェクトを含むようになりました。これは、アルノルト・シェーンベルクの『月に憑かれたピエロ』（1912年）、イーゴリ・ストラヴィンスキーの『兵士の物語』（1918年） 、クルト・ヴァイルの『マハゴニー・ソングシュピール』（1927年）など、1960年代の音楽劇に影響を与えた歴史的な作品の一部も含むように拡張されています。[ 5 ] [ 6 ] [ a ]この作品の型破りな規模と馴染みのない美的言語は、オペラやミュージカルの確立された伝統、制度、言説の外に位置づけられることがよくあります。このため、このジャンルは、新しい音楽劇[ 7 ]や実験音楽劇[ 8 ]とも呼ばれています。
音楽劇プロジェクトは作曲家主導で行われることが多く、通常は台本作家、演出家、デザイナーが決定するテキスト、演出、デザインの多くの要素を作曲家が決定します。[ 9 ]作曲と演出の両方を行う主要な音楽劇アーティストの例としては、ジョルジュ・アペルギスやハイナー・ゲッベルスが挙げられます。[ 10 ]ローリー・アンダーソン、メレディス・モンク、ロバート・アシュリーなどの音楽劇アーティストの中には、自身の作品を自ら上演する人もいます。[ 11 ]音楽劇の他の演出家には、ロバート・ウィルソンやクリストフ・マルターラーなどがおり、ポーランドのソング・オブ・ザ・ゴートやドイツのディ・モールヴェルカーなどのパフォーマンスカンパニーが共同で制作する作品もあります。[ 12 ]
音楽劇がオペラやミュージカル劇とは異なるジャンルとして認められるかどうかは、国によって異なる。[ 13 ] [ 14 ]ドイツやベルギーのような国では、音楽劇の概念は広く理解され、フェスティバル、会場、資金提供機関などの専用のインフラによって支えられている。他の国では、音楽劇はオペラ、演劇、パフォーマンスアートに完全に包含されているか、分類の対象外の周縁的な地位に追いやられている。[ 15 ]それにもかかわらず、サイモン・スティーン＝アンデルセン、ヨハネス・クライドラー、ジェニファー・ウォルシュなどの21世紀の作曲家による、非音響的、演劇的、「パフォーマンス的」要素への作曲上の新たな関心が、このジャンルとその歴史への関心の復活につながっている。[ 16 ] [ 17 ] [ 18 ]