デイヴィッド・シャープ（アーティスト）

デイヴィッド・シャープ（1944年生まれ）は、人物や風景を描いた様式化された表現主義的な絵画や、密度の濃い有機的な抽象表現の初期作品で知られるアメリカの芸術家である。^{[1] [2]}シカゴ美術館附属美術大学で学び、1970年までシカゴで活動した後、ニューヨークへ移り、現在も同地で制作活動を続けている。^[3]シャープは、ホイットニー美術館、シカゴ美術館、シカゴ現代美術館（MCA）、ドローイングセンター、アルドリッチ現代美術館、インディアナポリス美術館、シカゴ文化センターなど、数多くの会場で作品を展示している。^{[2] [4] [5] [6]}彼の作品は、Art in America、^[7] ARTnews、^[8] Arts Magazine、^[9] New Art Examiner、^[10] New York Times、^[11] Chicago Tribune、^[12]などでレビューされており、シカゴ美術館、^[13] スコットランド国立近代美術館、^[14] MCA Chicago、^[15] スマート美術館、^[16]メアリー＆リー・ブロック美術館など、数多くの公的機関に収蔵されています。^[17]

批評家のデニス・エイドリアンはシャープの作品を2つの時期に分けた。カンディンスキー、ミロ、ポップアートの伝統をミックスした有機的な抽象作品（風景画を思わせるものも含む）と、様々な様式を含む人物を題材にした作品である。^{[1]シカゴ美術館のキュレーター、リン・ウォーレンはシャープの初期の絵画は}シカゴ・イマジズムが市内で主流だった時代に完成した「重要な抽象作品群」であると書いている。 ^[2]ニュー・アート・エグザミナーのジェーン・アレンはそれらを「シカゴ風のファンクと主流のアメリカ抽象の間の危うい境界線」にあるシカゴ美術の重要な流れだと表現した。 ^[18]アーツ・マガジンのスティーブン・ウェストフォールなどの批評家はシャープの後期の具象作品について論じ、多様な20世紀美術の「総合力の広さ」、絵画的な表面、ハイキーな色彩の巧みな使用を指摘している。^{[9] [19] [20]} 1990年のシャープ回顧展のレビューで、フランク・ルイスは、「ポストモダニズム」という言葉が流行語になるずっと前から、シャープは「視覚的な参照の自由な連想の一種で歴史から借用し」、それが「学識、皮肉、偽りの素朴さの完璧な組み合わせ」を形成していたと書いている。^[21]

シャープは1944年、ケンタッキー州オーエンズボロで生まれた。^[22]シカゴ美術館附属美術大学でホイットニー・ハルステッドやレイ・ヨシダなどの教授に師事し（1966年に美術学士号、1968年に美術学修士号取得） 、ヘアリー・フーやシカゴ・イマジズムが初めて登場した芸術的興奮の時代であり、彼の作品に永続的な影響を与えた形成期であった。^[2] 1964年に学部生としてすでに展示していたシャープは、1968年にはスマート美術館で公開された「ユニバース」（1968年）などの大規模で複雑な抽象作品や、シカゴ美術館やルネッサンス協会の主要な展覧会への参加により、真剣に注目を集めた。^{[2] [1]}シカゴの著名な批評家デニス・エイドリアンは当時シャープの作品を賞賛し、^[3]彼は学生時代にもかかわらず、異常に落ち着きがあり、自信に満ち、「完全に形成された」人物だと評した。^{[23] [1]}

シャープは 1970 年にニューヨークに移り、GW アインシュタイン、アーティスト ハウス、パム アドラーの各ギャラリーで個展を開催しました。また、トレド美術館(1977 年)、アルドリッチ現代美術館 (1977 年、1985 年)、ドローイング センター (1978 年、1982 年、2002 年)、シンシナティ美術館(1979 年)、ホイットニー美術館 (1981 年)、ホールウォールズ(1981年)、インディアナポリス美術館 (1982 年)、インディアナ大学美術館 (2015 年) などの主要展覧会にも参加しました。^{[5] [4] [24] [17]}彼はまた、シカゴで大規模な展覧会を続け、アート・インスティテュート（1976年）、シカゴ文化センター（「近年のシカゴ美術の傑作」、1977年）、シカゴ現代美術館（「デニス・エイドリアン・コレクションからのセレクション」、1982年、「シカゴの美術 1945-1995」、1996年）、ハイド・パーク・アート・センター（「ビッグ・ピッチャー：シカゴ美術における抽象化された人物の20年」、1983年）のほか、ダグラス・ケニヨン、ソニア・ザックス（1978-2003年）、プリントワークス、カール・ハマーの各ギャラリーで個展を開催した。^{[2] [5] [17]}彼の回顧展は、ウィスコンシン大学ミルウォーキー美術館（1990年）とケンタッキー美術工芸博物館（2011年）で開催されている。^{[5] [17]}シャープは芸術作品の創作に加え、2006年からニューヨークのペインティングセンターの諮問委員会に所属している。^[25]

シャープは1979年から画家のアン・アブロンズと結婚している。^[26] 2人の間には2人の子供と2人の孫がいる。^[26]シャープとアブロンズはニューヨーク市に住み、働いている。^[11]

シャープの作品は、そのキャリアの早い段階から、その形式的な洗練性と成熟度で評価されており、批評家の中には、それが彼に比較的劇的なスタイルの変化の中で作品を展開する自信と信頼性を与えたと指摘する者もいる。^[1]スタイルの変化にもかかわらず、彼の作品は、色彩の巧みさ、絵の具の扱い、複雑な構成、そして幅広い形式的戦略によって一貫して評価されてきた。^{[18] [9] [27]}批評家はまた、記憶と文化的知識を媒介とした見るプロセスとしての絵画に取り組む、美術史的な暗示や戦略を彼がますます自由に使用していることにも注目している。^{[21] [9] [20]}シャープの作品は、1) 有機的抽象 (1967–1973)、2) 抽象風景画 (1970 年代初頭–1979)、3) 抽象的具象作品 (1970 年代後半–) の 3 つの比較的異なる作品群に分類できる。^{[1] [2]}

シャープがSAICを去ったとき、彼は鮮やかな色彩、密集した構成、そして形式戦略の冒険的な組み合わせで知られる、複雑で活気に満ちた抽象画を制作していた。^{[22] [28]} 「Three」 （1970年、上）などの絵画は、批評家が評したように、色彩と模様が重なり合った生物学的で抽象的な形をキャンバス全体に爆発させた後、端で単色の背景に収められた。^{[2] [3]}デニス・エイドリアンは、これらの絵画には視覚的な出来事が多すぎて、鑑賞者はその全体を把握することも「楽しみを尽くすこともできない」と述べ、ジェーン・アレンは「動く形と色の万華鏡のような効果」を指摘した。^{[29] [18]}

シャープの初期の作品は抽象的であるにもかかわらず、シカゴ・イマジストと結び付けられることが多い（2006年には「アブストラクト・イマジスト」と題された展覧会に実際に登場した）。^{[18] [30] [31]}アレンは、シャープをシカゴ・アートの一系統、すなわちイマジズムと主流のアメリカ抽象主義の有機的な融合の重要な提唱者と位置付けた。^[18]ポップアートの要素や、カンディンスキー、クレー、ミロ、ゴーリキーなどの画家たちのモダニズムの伝統との明確なつながりを指摘する者もいる。 ^{[2] [23]} アート・イン・アメリカのジョアンナ・フルーは、シャープの形式的な実験は、初期のモダニストや抽象表現主義者が経験したインスピレーションを、彼らに対抗しつつも模倣しない独自の言語の中で実現しようとする試みだったと示唆した。^{[7] [18]}

1970年代初頭、シャープは、無題の風景（1970年）のような、明るい色の点、ダッシュ、波線、ハッチングを繰り返したリズミカルで抽象的な作品を作り始めた。批評家はこれを点描画法やカリグラフィーの「風景」と評し、新印象派と関連付けた。^{[32] [3] [29] [33]}初期の作品ほど抑制されておらず、単一の焦点もないこれらの複雑な構成は、色とリズムで統一されたフォーマット全体に横方向に広がる小品のパッチワークを特徴としていた。^[32]シャープはキャンバスと紙の白を多用し、動き、叙情性、鮮やかさにおいてカンディンスキーを彷彿とさせる「制御された自発性」で描かれた表現力豊かなマークのインパクトを高めた。^{[34] [35] [36] [37]}

シャープがアメリカ中西部の風景を体験した絵に基づいているため、^{[34] [1]}絵画は、上空から見下ろした山、川、地形のパノラマを思わせる構成と、建築や地形の標識やシンボルを参照していると思われるマークを除けば、主に抽象的に見える。^{[10] [3] [33]} メアリー・ジェーン・ジェイコブは、絵画は文字通りの表現ではなく、架空の場所の合成物または「想像上の図表」として機能していると書いている。^[3]ジョアンナ・フルーは、それらを「統合された広大な有機体」に似ていて、団結、満足感、浮遊感、遊び心を表現しているシャープのビジョンの「叙情的な実現」であると表現した。^[7]

シャープは1970年代後半、やや物議を醸しながらも作品に人物（妻のアン・アブロンズをモデルにしたものが多い）を導入したが、これは批評家のウィリアム・ジマーをはじめとする人々から「いまだに結果が不透明な芸術的賭け」と評された。^{[33] [38] [7]}当初、シャープは目が回るような構図の中に、小さく、しばしば隠れたマティス風のニンフたちを散りばめていた。^{[1] [7]}しかし、1979年までに人物が主な主題となり、模様のある風景画は背景や室内の壁に掛かる絵画へと退いた。^[3]これらの新しい作品、例えば『浴室』（1981年）^[39]や田園風景画『水浴者たち』 （1982年）では、マティスの室内、キュビズムや未教育芸術の歪んだ解剖学など、さまざまな美術史的な言及が用いられている。アングル、ドラクロワ、マネのオダリスクやピカソの巨大な男性水浴者、そしてイマジズムの高音の色彩と極端な角張った表現などである。^{[3] [10] [40]}

批評家の意見は当初は賛否両論だった。人物が登場したことで風景画が台無しになったと感じた批評家もいた^[37]し、シャープのファンの間で「気まぐれな気まぐれ」が受け入れられなくなるのではないかと懸念した批評家もいた^[34] 。しかし、アーツ・マガジンの批評家でアーティストのスティーブン・ウェストフォールは「シャープの20世紀美術への攻撃はより騒々しくなり、絵の具の扱いもより大胆になった」と書き、シカゴ・サンタイムズのデイビッド・エリオットは、挑発的な色彩、ユーモア、歴史の教訓、キッチュ、知識人の混合が「スポーティ」だと評価した^{[9] 。 [38]}

シャープは1980年代半ばに、前近代文学、神話、大衆文化をモチーフにして作品の幅を広げた。^[36]ニューヨークタイムズの批評家グレース・グリュックがその無表情な風刺と大げさな滑稽さで評価した『デメテル』（1985年）などの作品で、彼は芸術を鑑賞したり読んだりすることの盗み見的かつ演劇的な側面に取り組んだ。^{[4] [21]} 80年代後半には、「グアドループ」シリーズを制作した。これは、ビーチ、カフェライフ、農業活動の思い出に基づいた、熱帯の島の輝くような風景である。^[41]プッサン、ミレー、17世紀オランダの風俗画家を参考にした、典型的には複雑なフリーズのような構成の「偽素朴」スタイルで描かれたこれらの絵画は、シャープが制作した作品の中で最も満足のいくものと考えられている。^{[41] [19] [2]}かつてはシャープの具象的な変化に懐疑的だったアラン・アートナーは、シャープが探求してきた暗いテーマよりも牧歌的で気楽な雰囲気が漂い、装飾的な作品が美しく融合されていると感じた。^[19]

その後の数十年間、シャープはテーマや要素を新たな方向に作り変えた。1990年代初頭までに、彼は「グアドループ」作品の鮮やかな色彩とパターンを都市と農村の風景の両方に持ち込み、^{[42] [43]}、1970年代の風景画のマークメイキングを、自身と妻アンの「ネオ・フォーヴィスム」の肖像画に戻した。概して正面から描かれ、表現主義的に歪んだ頭部に焦点を当てた肖像画は、ポーズや位置のずれでピカソを、色彩と室内の設定でマティスを彷彿とさせた。^{[44] [12]} 2000年代半ば以降、シャープの絵は、絵画の中でも、紙に描かれた展示作品でも、より目立つようになった。^{[27] [45]}批評家のマーガレット・ホーキンスらは、シャープの後期の具象的な室内（例えば、 2015年10月9日）を、ほとんど暴力的で「引っ掻き傷のある即時性」があり、それ以外の穏やかな家庭環境に心理的な緊張を生み出していると評している。^{[46] [47]}アラン・アートナーは、狂気じみたマークメイキングにもかかわらず、シャープの作品の中で最も自由で子供っぽい一節であるとみなした。^[27]近年、シャープは2/26/14（2014年）などの絵画で風景画にも戻り、場所の日常的な経験を瞑想的に再検討するために直接的で表現力豊かなマークをもたらしている。^[48]

シャープの作品は、シカゴ美術館^[13]、スコットランド国立近代美術館^[14] 、シカゴ現代美術館^[15]、スマート美術館^[16]、メアリー＆リー・ブロック美術館、インディアナ大学美術館、ミネアポリス美術館、ワシントン郡立美術館、エバーソン美術館、イリノイ州立博物館、デポール美術館^[47]、オクラホマ・アート・センター、エルムハースト大学^[49]など、数多くの公共コレクションに収蔵されている。^{[5] [24] [17]}また、彼の作品は数多くの企業コレクションにも収蔵されている。^{[5] [24] [17]} 2006年、シャープはアメリカ芸術文学アカデミー購入賞と全米芸術アカデミー博物館・学校アドルフ＆クララ・オブリッグ絵画賞を受賞した。^{[50] [17]}

• デビッド・シャープ、カール・ハマー・ギャラリー