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衣装デザインとは、パフォーマーのための衣服を選んだり作ったりするプロセスです。衣装はゼロからデザインすることも、既存の衣服を組み合わせてデザインすることもできます。「衣装」は、国、社会階級、または歴史的時代に特有の服装のスタイルを指す場合もあります。特定の演劇や映画作品に固有の芸術的、視覚的な世界の充実に貢献することを目的としています。衣装は、登場人物の地位、年齢、または性格を示すことができ、登場人物に視覚的な興味を与えることができます。[ 1 ]衣装は、劇場、映画、音楽公演、コスプレ、パーティー、またはその他のイベントで使用される場合があります。
古代ギリシャの演劇では、衣装はシンプルでありながら象徴的で、登場人物の区別に役立っていました。儀式的な仮面は特徴的なものであり、俳優は仮面を替えることなく感情を伝えることができました。[ 2 ]ディオニュソスを称える古代ギリシャの村の祭りや行列（ディオニュシアも参照）が演劇、ひいては演劇衣装の起源であると考えられています。彫刻や壺絵は、これらの衣装の最も明確な証拠を提供しています。[ 1 ]儀式的な仮面が使用され、各登場人物に特定の外観を与えました。それらは、喜劇目的か劇目的かによって異なりました。仮面を変えずに感情の変化を示すために、同じ顔に陽気な面と真剣な面の両方を持つように作られた仮面もありました。[ 3 ] 仮面の伝統を受け継いだローマ人にも同じことが言えます。仮面を二重にすることで、役を二重に演じることが容易になりました。
中世後期のヨーロッパでは、聖書の物語を劇的に再現する演劇が盛んに行われていたため、実際のキリスト教徒の祭服（伝統的なビザンチン宮廷服を様式化したもの）が衣装として着用され、上演をできるだけリアルにしようとしていた。[ 1 ]このスタイルの演劇では、演者の衣装を決める際に、ステレオタイプな人物像が重要だった。ほとんどの場合、俳優は日常生活で見かける人物を演じる際に、自分の衣装を用意しなければならなかった。[ 4 ]
エリザベス朝時代になると、衣装は最も重要な視覚的要素となり、しばしば豪華な生地で作られました。[ 2 ] 16 世紀と 17 世紀のイギリスのエリザベス朝演劇では、衣装が最も重要な視覚的要素として登場しました。衣服は最高級の生地で作られていたため、非常に高価でした。17 世紀と 18 世紀になると、ヨーロッパの演劇では、俳優が王族を示すために王冠などの要素を追加した当時のファッションを着用していました。[ 2 ]登場人物の大多数は、当時のエリザベス朝ファッションの服を着ていました。衣装は 5 つのカテゴリーに分けられます。「古代」は、別の時代を表すために使用された時代遅れの衣服です。「アンティーク」は、古典的な登場人物を区別するために当時の衣服に古い要素を追加したものです。「夢のような」は、超自然的または寓話的な登場人物のための「空想的な」衣服です。「伝統的」の衣服は、ロビン フッドなどのごく少数の特定の人物のみを表しています。「国民的または人種的」の衣装は、特定の集団を区別することを意図していましたが、歴史的に正確である傾向はありませんでした。[ 5 ]
「通常、1727年にアドリエンヌ・ルクヴルールが悲劇にはるかに精巧で格式張った宮廷服を採用するまでは、喜劇と悲劇の両方で流行の衣装が使われていました。彼女の慣習はすぐにすべての悲劇のヒロインの標準となりました」[ 6 ]主要な俳優たちは誰が最も豪華な舞台衣装を持っているかを競い合うようになりました。この慣習は1750年代頃まで続き、衣装が再び登場人物に関連するようになりました。芸術は生活を模倣し始め、特に19世紀には写実的な特徴が好まれました。19世紀は、本物の鎖帷子や鎧などの本物の素材を主張したザクセン＝マイニンゲン公ゲオルク2世のような人物によって推進された、歴史的正確さへの転換を示しました。[ 7 ]例えば、ザクセン＝マイニンゲン公ゲオルク2世は劇場に個人的な関心を持ち、劇団の運営を始めました。彼は脚本と時代背景の信憑性と正確さを重視したため、俳優が自分の衣装に手を加えることを許さなかった。また、本物の鎖帷子、鎧、剣などを使用し、素材が本物で特定のものであることを確認した。安価な代用品は一切認められなかった。[ 8 ]
1823 年 8 月、ジェームズ・プランシェが歴史的に正確なシェイクスピア衣装を提唱したことで、イギリスの演劇界は革命を起こし、特に衣装に関してはリアリズムを優先する作品が数多く上演されるようになった。[ 7 ] 同年、何気ない会話が、プランシェがイギリスの演劇界に与えた最も永続的な影響の 1 つにつながった。彼はコヴェント・ガーデンの支配人チャールズ・ケンブルに、「クリスマスのパントマイムやイースターのスペクタクルには 1000 ポンドもの費用が惜しみなくかけられているのに、シェイクスピアの戯曲は間に合わせの舞台装置で上演され、せいぜい主要登場人物に新しい衣装が 1、2 着せられる程度だ」と指摘した。[ 9 ] [ 10 ]ケンブルは「街の人々の好みに合う正確な衣装の利点」を見抜き、プランシェが調査を行い、衣装をデザインし、上演を監督するならば、次回の『ジョン王』の衣装を彼に任せることに同意した。 [ 11 ]プランシェはこの分野での経験がほとんどなく、フランシス・ドゥースやサー・サミュエル・メイリックなどの古物研究家の助けを求めた。この研究はプランシェの潜在的な古物研究への関心を刺激し、それが後の人生で彼の時間の多くを占めるようになった。[ 12 ]
俳優たちの懸念にもかかわらず、ジョン王は成功を収め、ケンブルとプランシェによる同様の衣装のシェイクスピア作品が数多く上演されることになった（ヘンリー四世第一部、お気に召すまま、オセロ、シンベリン、ジュリアス・シーザー）。[ 12 ]ジョン王、ヘンリー四世、お気に召すまま、オセロ、ハムレット、ヴェニスの商人のデザインとレンダリングは出版されたが、ハムレットとヴェニスの商人がプランシェの歴史的に正確な衣装デザインで上演されたという証拠はない。プランシェはまた、歴史的に正確な衣装で上演された多くの戯曲や翻案を書いた（コルテス、女は怒らない、商人の結婚、シャルル十二世、パルチザン、山賊の首領、ホーファー）。[ 13 ] 1830年以降、彼は時代衣装を使い続けたが、戯曲における歴史的正確さを主張することはなくなった。彼の『ジョン王』での功績は、「19世紀の舞台演出における革命」 [ 13 ]をもたらし、それはほぼ1世紀にわたって続いた。[ 14 ]
1923年、シェイクスピア劇の革新的な現代衣装による一連の作品の第一弾となる『シンベリン』が、 HK アイリフの演出で、イギリスのバリー・ジャクソンのバーミンガム・レパートリー劇場で初演された。[ 15 ]
中国の演劇、特に京劇では衣装が非常に重要である。通常、衣装は濃い模様と鮮やかな色彩で彩られている。標準的な衣装は少なくとも300点からなり、装飾、デザイン、色彩、アクセサリーを通して役者の役柄、年齢、社会的地位を示す。「色は常に象徴的に用いられる。赤は忠誠心と高い地位、黄色は王族、濃い深紅は蛮族や軍事顧問を表す。」[ 16 ]象徴的な意味は紋章のデザインにも見られる。例えば、虎は権力と男らしさを象徴する。階級に関係なく、衣服の大部分は豊かで豪華な素材で作られている。化粧も象徴的に用いられ、全体の印象を完成させる。
日本の能では、常に面が使用され、衣装の重要な要素となっています。面は木製で、通常は何世代にもわたって使われます。面には、男性、女性、老人、神、妖怪の5つの基本タイプがあり、それぞれに多くのバリエーションがあります。[ 17 ]面は劇中、頻繁に交換されます。日本の別の演劇形式である歌舞伎では、役者は面を着用せず、役柄を表現するために化粧に大きく依存します。特徴は誇張されたり、削除されたりし、運動能力を要する役柄では、筋肉が特定のパターンで輪郭付けされます。各役には、歴史的な衣服を基に劇的な効果のために変更された伝統的な衣装が使用されます。「衣装の中には50ポンドもの重さのものもあり、舞台係が役者が舞台上で衣装を適切に配置できるように手助けします」[ 18 ]
21世紀に入り、デジタル技術は衣装デザインの新たな時代を切り開きました。従来、劇場衣装は縫製と紙に描かれた型紙によって手作業で製作されていました。現在では、3Dプリンター、モデリングソフトウェア、その他のデジタルツールを使用して、より効率的に衣装をデザインすることが可能になっています。[ 19 ] 3D衣装モデリングプログラムと3Dプリンターを活用することで、デザイナーはプロジェクトで使用する材料の量を削減する最も効率的な方法を考案できます。[ 20 ]デザイナーはデザインソフトウェアを使用して材料の使用を最適化し、3Dプリンティングで印刷された安価な材料によってコストを削減できます。さらに、これらの技術は、仮想フィッティングと縫製を通じて対応するフィードバックにモデルをリアルタイムで調整できるため、時間を節約できます。[ 21 ]
衣装デザインのプロセスには多くの段階があり、ジャンルによって異なるものの、基本的な方法は共通して用いられている。
ショーのデザインが決まったら、アイテムの調達先を計画する必要があります。選択肢は4つあります。衣服は以下のとおりです。
衣服の製作を開始する方法は2つあります。パターン作成とドレーピングです。多くの場合、両方の方法が併用されます。 パターン作成は、俳優の寸法に基づいて作成された一連の基本パターンブロックを使用することから始まります。それらは最初に紙に描かれ、次に生地に転写され、縫い合わせてフィット感をテストします。[ 23 ]
ドレーピングとは、俳優の体型に酷似した寸法のドレスフォームやマネキンに布地を被せて形を整える作業です。平らな布地を裁断したりピンで留めたりして、立体的な身体の形に沿うように成形していく工程です。
しかし、衣装は完成しても「機能」を終えたわけではありません。衣装の非常に重要な側面は、それが俳優の演技にどのように影響し、舞台設定の中でどのように機能するかということです。最高の衣装デザイナーは、衣装の視覚的および空間的な条件を評価した後、独自のアイデアを構築します。[ 24 ]
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