ピエール・ジョドロフスキー

ピエール・ジョドロフスキ（1971年3月9日生まれ）は、フランスの混合音楽作曲家。特にインターメディアリティ、音楽情報学、ステージング、イメージ、インタラクティブアートに取り組んでいる。

トゥールーズ生まれのジョドロフスキは、トゥールーズ音楽院 [fr]で音楽の勉強を始め、1991年に音楽理論で一等賞を獲得した。ピアノ、サックス、エレクトリックベースなどの楽器を学んだ。ジャズやロックのプロジェクトを数多く手掛け、トゥールーズ大学で科学技術研究科(DEUST)の作曲コースを修了。1993年にジャック・デュパンの「Cinq poèmes」という磁気テープに固定された電子音楽作品で作曲を始めた。 ^[1]

1995年にリヨン大学で音楽と音楽学の学位を取得し、1996年にはリヨン国立音楽院で電子音響作曲の国立高等音楽学位（DNESM）を取得。^[2]その後IRCAMに移り、作曲とコンピュータ音楽を学びました。^[3] 1998年に電子音響作曲の教授資格を取得して訓練を完了しました。この時期にジョドロフスキが作曲した作品はすべて、リアルタイムの混合音楽へと移行しており、例えば「Dialog / No dialog」（1997年）では、舞台上のフルート奏者に仮想の声が伴奏しています。^[4]

この研究期間の後、ヨドロフスキは混合音楽作品の制作を続け、舞台上の楽器とスピーカーから発せられる音との間に多様な関係を確立しようと試みました。彼はすぐに身振りの問題が自分の作曲の発展に不可欠であると認識し、いくつかの作品で身振りに重要な役割を与えました。「De Front」（1999年）（ブールジュ賞／混合音楽部門）、「Mixtion」（2002年）、「Barbarismes」（2001年）、そして「Mecano 1」（2004年）は、ミュージシャンと小さなオートマトン（一種のメトロノーム、ミュージシャンにとって不可欠なツール）を対比させる打楽器作品です。

同じ時期に、トゥールーズ・シネマテークはエイゼンシュタインの最初の映画『ラ・グレーヴ』の電子化を彼に依頼した。 [ 5 ] ²⁰⁰⁰年に制作された後、彼はこのプロジェクトをヨーロッパのさまざまな舞台で発表し、それ以来国際的によく知られるようになった。

2001年から2003年にかけて、彼はベルリン芸術アカデミーに滞在し、舞台ショーにつながる最初の一連の作品に取り組んだ。^[6] 3つの作品は「ベルリンランダムメモリーズ」というタイトルで結び付けられ、新しいメディアが取り入れられた。ソロダンサーのための「N、N、N」（2002年）では、モーションセンサーの可能性を探り、^[7] 「Is it This?」では、リアルタイムビデオを取り上げている。^[8]

2004年から2006年にかけて、彼は打楽器と電子楽器のための作品「時間とお金」を作曲し、2015年に高校生作曲家賞を受賞した。 ^[9]この作品は、世界についての問いかけ、政治的関与、音楽創作における演劇性の問題、ジェスチャーの書き方、作曲プロセスにおける視覚的および舞台的メディアの統合など、ジョドロフスキの作品の主要テーマを強調している。^{[10]これらすべての点は、2016年に}音響調整研究所/音楽研究所（IRCAM）のInouïレビューに掲載された記事「ジェスチャー、作曲における問い」で展開された。^[11]

2006年以来、ジョドロフスキは一連の作品、特にピアノとサウンドトラックのためのシリーズを開発してきました。オルレアンピアノコンクールのために「Série Noire」を制作した後^[12] 、「Série Blanche」 、「Série Bleue」、「Série Rose」、「Série Rouge」を作曲しました。これらの作品はいずれも、視覚的な世界（一般的には映画^[13]に触発されている）とステージ上のソリストを結び付けています。

2006年から2008年にかけては、別のサイクルが構想され、ジョドロフスキーが累積的ライティングシステムと呼ぶものが始まりました。これらの作品では、舞台で演奏されるすべての要素を連続的かつ累積的にループするという原則が採用されていました。これらの作品はループの使用によりアメリカのミニマリズムに似ているかもしれませんが、累積されたループの数（一般的に40以上）は、彼の美学に特徴的な非常に強い劇的な緊張を生み出しています。その中には、M.C.エッシャーの絵画に触発されたフルートのための「Limite Circulaire」や、11人のミュージシャンとビデオのための 「Respire」があります。

彼はまた、照明、ビデオ、舞台美術など、あらゆる舞台装置を徐々に統合する大規模なプロジェクトを開始した。 2007年の『ライフタイム』には、『時間とお金』、『ラビリンス』、『人々の時間』が含まれる。^[14]ダンスとのコラボレーション（ラマゾン・カンパニーとの『ナルシス・サイクル』）、 ^[15]新しいサーカスとのコラボレーション（2011年にプティ・トラヴェール・カンパニーとの『レ・ボー・オラージュ』）^[16]

彼はジョルジュ・ペレックの未完の小説『53日』 [fr]に触発された作品『Jour 54 』でラジオアートのジャンルに挑戦した。^[17]この作品は舞台版としてフランスとカナダで上演され、舞台美術家ピエール・ヌーヴェルが監督したビデオが使用された。

2011年、彼は初のミュージカルドラマ「L'Aire du Dire」を制作した。これは、話し声または歌声を使用する12人の歌手をフィーチャーした、言語の問題について語る 1時間のオラトリオである。

ジョドロフスキは、初期の作品で声を組み込んでいます。当初は、電子楽器のパートで声の存在が凝縮されることが多く、映画のようなナレーションもよく使われます。最初の本格的な声楽作品「L' Aire du Dire」の後、アルダ・メリーニの詩 に基づいて、ソプラノ、バスクラリネット、電子楽器のための「Ombra della Mente」を作曲しました。

その後、第一次世界大戦をテーマにしたソプラノ、アンサンブル、電子楽器のための長編作品『ソレイユ・ノワール』が発表され、特にシェイクスピアの『ヘンリー五世』に捧げられた抜粋では、語りと歌唱が交互に登場する。 2017年には、アンリ・ミショーの同名テキストに基づく舞台作品『ラ・ラランティ』を制作した。^[18]

純粋に器楽的な作品においても、声は存在し続けている。例えば、2016年に作曲された『Diary Random and Pickles』では、ミュージシャンは新聞の抜粋を朗読しなければならない。^[19]また、2017年にストラスブール打楽器団の委嘱を受けて作曲されたショー『Ghostland』では、録音された声で偉大なドイツロマン主義者のテキストを歌っている。^[20]

ジョドロフスキーはインタラクティビティの問題にも関心があり、観客は彼の作品のいくつかに積極的に参加している。観客は、（センサーによって検知された）ジェスチャーで、音や視覚要素の進化をコントロールすることができる。最初のインスタレーションであるMendel（2005）は、さまざまな種類のセンサーとテクノロジーを未来的な環境で活用した。^[21] GrainStick 2.0（2010）は、ビデオゲームにインスピレーションを得た作品である。インタラクティブなオーディオビジュアルインスタレーションであるSoleil blanc（2016）は、訪問者を第一次世界大戦の兵舎の中に引き込み、インタラクティブなプロセスの中心に置く風景を提供する。^[22]

2009年以来、ジョドロフスキーは自身のインスタレーション作品の一つ「Passage」に特に力を入れています。インタラクティブな10メートルのトンネルで構成されたこのプロジェクトでは、訪問者は別の個人の記憶と対峙し、この空間内を自由に移動することでその記憶を探索することができます。

ヨドロフスキーの美学の中心である記憶の問題は、このインスタレーションのさまざまなバージョンで取り上げられており、それぞれが親密さ、生態学、時間、都市の肖像、難民の記憶など、特定のテーマに捧げられています。

ジョドロフスキは、学業を終えた後、故郷トゥールーズで作曲家グループを集め、ノヴェラム フェスティバルを創設しました。17 年間、ベルトラン デュブドゥと共同で監督を務め、舞台パフォーマンスに関する自身の関心を反映したプログラムを開発しました。ブラニャックのオデュッス文化センターにあるエオール スタジオは、このアーティスト グループの作品を主催し、国内および国際レベルでのプロジェクトの発展を支えています。

ヨドロフスキは、常に作品に政治的関与を主張してきた。『時間とお金』のように、深いヒューマニズムの思想で社会問題に取り組んでいる。弦楽オーケストラと録音された声のための『最後通牒』では、若い十代の若者がフェルナンド・ペソアの有名な最後通牒を激しく歌っている。これは権力者に対する批判的なマニフェストである。 ^[23]講義やマスタークラスで、ヨドロフスキは、作曲家がもはや世界から離れることはできず、現代音楽芸術の自由で実験的な表現を維持するために自分自身を捧げなければならないという、作曲家の社会的役割を主張している。

• 公式サイト
• 「ピエール・ジョドロフスキー（略歴、作品、リソース）」（フランス語と英語）。IRCAM。