ニューヨーク アイ アンド イヤー コントロール

ニューヨーク アイ アンド イヤー コントロール
スタジオアルバム​ アルバート・アイラー
リリース	1965
記録済み	1964年7月17日
ジャンル	フリージャズ
長さ	43 : 19
ラベル	ESPディスク
アルバート・アイラーの年表
スピリチュアル・ユニティ （1964） ニューヨーク・アイ・アンド・イヤー・コントロール （1965） ゴースト （1965）

『ニューヨーク・アイ・アンド・イヤー・コントロール』は、マイケル・スノー監督の同名映画のサウンドトラックとして、アルバート・アイラーのグループの拡張バージョンによって1964年7月に録音されたグループ即興演奏のアルバムである^{。 [4]}

『ニューヨーク・アイ・アンド・イヤー・コントロール』は、アーティスト、ミュージシャン、映画監督のマイケル・スノーが、トロントを拠点とするテン・センチュリーズ・コンサートという団体から、ジャズを取り入れた映画の制作を依頼されたことから始まった。^{[5]スノーは最近、サックス奏者の}アルバート・アイラーのコンサートに行って楽しんだばかりで^[5]（「完全に圧倒された」と回想している^[6]）、マンハッタン南部のチェンバーズ・ストリートにある自身のスタジオを、ロズウェル・ラッド、アーチー・シェップ、ポール・ブレイ、ミルフォード・グレイブスなどのミュージシャンにリハーサルのために開放していた。^[7]彼はアイラーと彼のカルテット（当時はトランペット奏者のドン・チェリー、ベーシストのゲイリー・ピーコック、ドラマーのサニー・マレーで構成され、アルバム『プロフェシー』と（チェリー抜きで）『スピリチュアル・ユニティ』をレコーディングしたばかりだった）、トロンボーン奏者のラッド、サックス奏者のジョン・チカイを雇ってレコーディングを行うことに決め、「30分の音楽を買いたい」と述べた。^[5]

スノーは、セッションに入る前にいくつかの条件があったことを回想している。「以前に演奏された曲は不要で、ソロなしでできるだけアンサンブルの即興演奏にしたかった」。^[5]また、次のように述べている。「いわゆるフリージャズに関わっていたとき、以前のジャズのように、曲を演奏し、バリエーションを演奏し、そしてまた曲を演奏するという、みんなの締めくくりのやり方にいつも驚かされました。私は、それはしたくないと感じていました。特に、映画のために考えていたものは、絶対に望んでいませんでした。できる限り純粋なフリー即興にしたかったのです。」^[8]スノーによると、「彼らはそれを受け入れ、そのように演奏しました...私の意見では、これが音楽がこれほど素晴らしい理由の1つです。」^[6]スノーは後に、このアンサンブルを「史上最高のジャズグループの一つ」と呼んだ。^[9]（1966年のエッセイ「ニューヨークの目と耳のコントロールについて」で、スノーは音楽に関する考えを次のように要約している。「歌の形式はついに使えなくなり、厳格なリズムはついに『ジャズ』では使えなくなった。ジャズは『先へ』進む必要があるところまで進む...驚いた！歌とダンスの需要があまりにも自然で、『新しい』歌、『新しい』リズム、『新しい』ダンスが生まれる可能性がある。とても嬉しい驚きだ。」^[10]）

レコーディングは1964年7月17日に詩人のポール・ヘインズのロフトで行われた。ヘインズはスノーの隣人で、レコーディング機材のセットアップと操作も担当した。^{[11] [12]}ロズウェル・ラッドは、スノーは「何も言わなかった。とにかく演奏していいと言って、必要な時間ができたらそれを映画にした。言い換えれば、映画を作ってからサウンドトラックを合わせるのではなく、即興のジャムセッションから映画を作ったのだ。サウンドトラックを作ってから外に出て映画を撮影した。そんなことをした人がこれまでに何人いるか分からない」と回想している。^[12]（アルバムのライナーノーツはこれを裏付けており、「音楽は映画の製作前に録音された」と述べている。^[13]）

スノーの映画は、カーラ・ブレイのイメージに基づいたシルエットで、彼が「ウォーキング・ウーマン」と呼ぶモチーフを使用している。^[14]スノーは「私の映画では、音を映像に対してより純粋で平等な位置に置くように努めてきた」と述べている。^[6]「私は、ネガまたはポジの2次元のウォーキング・ウーマンのほぼ完全に静止したショットを配置する上で、途切れることのないエネルギーの流れを望んでいた。映像は、それに伴うサウンドエピソードについては一切考慮せずに編集された。これは、「目」と「耳」の同時性を作り出す試みである。そして、音楽は、単なる「音楽」ではなく、映画のサウンドトラックとして作られた。」^[15]

タイトルの選択に関して、スノー氏は次のようにも述べた。

音楽は特別な体験で、映画は同時に見るまったく別の何かです。だから、タイトルは「ニューヨーク アイ アンド イヤー コントロール」です。音楽が「この画像は悲しい」とか「この画像は楽しい」と言わなくても、音楽を聞きながら画像を見ることができるのです。これは映画音楽でいつも使われる方法です。私は、本当にその両方が聞こえるようにしたかったのです。ですから、それらは非常に、非常に異なっています。まるで、画像の部分が非常に古典的で静的であるかのようです。実際、ほとんどの動きは音楽の中にあります。ですから、それらは一種の対位法で、それぞれの世界にありながら、同時に起こっているのです。^[16]

この映画は同年後半にトロントでプレミア上映された。^[15]スノーは「映画の上映開始早々に観客が立ち上がって立ち去っていくのを見て驚いた」と回想している。^[15]その後ニューヨークで上映された際、「観客は野次を飛ばし、ブーイングをし、口笛を吹き、スクリーンに紙を投げつけた。映画が終わると、驚いたことに大きな拍手もあった。観客の中から2人が飛び上がって、映写技師と一緒に立っていたブースに走っていった。彼らはとても興奮して『素晴らしかった。誰がやったの?』と言った。私は自分がこの映画の製作者だと言った。私たちは短い会話を交わし、彼らは自己紹介をした。アンディ・ウォーホルとジェラルド・マランガだ」。^[15]スノーによると、ESP-Diskの創設者バーナード・ストールマンがこの映画のことを聞き、アルバムで音楽をリリースしないかと彼にアプローチしたという。スノーは次のように述べている。「このアイデアは映画が完成し、上映されて皆を困惑させた後に思いついたものです... [ストールマン] は私に興味があるかどうか尋ねましたが、実のところ私は非常に複雑な気持ちでした。なぜなら、このアイデアはまさに私が作った映像と組み合わせて使うために作られたものだったからです。私はこの音楽を使って映画を作っていましたが、この2つを切り離すには、本当に自分自身で説得する必要がありました。少し奇妙に思えるかもしれませんが、このアイデアは特定の種類の映像で特定の方法で使用することを意図していました。」^[17]

評論家たちはこのアルバムを、オーネット・コールマンの初期の『フリー・ジャズ』やジョン・コルトレーンのその後の『アセンション』といった重要なフリージャズの録音と比較している。ジョン・リトワイラーは、このアルバムの「テンポの自由な動き（遅いことが多いが、通常は速い）、アンサンブルの密度（演奏者が自由に出入りできる）、直線的な動き」を理由に、このアルバムを好意的に評価している。 ^[18]エッケハルト・ヨストは、このアルバムを同じグループに分類し、「ミュージシャンによる並外れて激しいやり取り」や「あらゆる音楽レベルでの幅広いバリエーションと差別化」についてコメントし、「アイラーの最高傑作の1つ」と呼んでいる。^[19]リチャード・ブロディは、このアルバムは「特定のソリストや伴奏者がいない、より自由で真にグループ指向の形式において、それらの演奏よりも優れている」と書き、「騒々しいお祭り騒ぎは、ニューオーリンズの伝統の喜びと当時の都会的な激しさを結びつけている」と述べている。^[20] オール・アバウト・ジャズの評論家クリフォード・アレンは、ニューヨーク・アイ・アンド・イヤー・コントロールを「音楽の初期の歴史を知る貴重な窓であり、録音日以外に何が起こったかを知ることのできる、通常は誰も知らない貴重な窓」と評した。 ^[21]劇作家で監督のリチャード・フォアマンは、映画と音楽の結合に対する自身の反応を次のように述べている。「マイク・スノーは、非常に強烈に表面を見つめる目を仮定している...イメージ自体が震えているように見え、最終的には圧力に屈する。欺瞞的な始まり-沈黙: 平らな白い形が、木や岩や海岸に立てかけられた歩く女性のシルエットに鋭くカットされる。しかし、時間、光、そして信じられないほど増大する音楽の攻撃を受け、耳を迂回し、目の視覚習慣を攻撃し始める。カットが女性という不条理なイディオグラムを拭い去るたびに、彼女は再び現れる-破壊的な目の脅威に対して、音が支える-物体が自立できる空間を構築しようとする。」^[22]

1. 「ドンの夜明け」（チェリー/ピーコック） – 0:57
2. 「AY」（アイラー） – 20:17
3. 「ITT」（アイラー） – 22:05

• アルバート・アイラー- テナーサックス
• ドン・チェリー- トランペット
• ジョン・チカイ- アルトサックス
• ロズウェル・ラッド- トロンボーン
• ゲイリー・ピーコック- ベース
• サニー・マレー- ドラム