カール・スプリンコーン

カール・スプリンコーン
カール・スプリンコーン
	ロバート・アンリによるカール・シュプリンコルンの肖像画、1910年
生まれる	1887年5月13日; スウェーデン、ブロビー
死亡	1971年9月6日（享年84歳）; ニューヨーク州アルバニー
知られている	アーティスト

カール・スプリンコーン(1887-1971) はスウェーデン生まれのアメリカ人アーティストで、ロバート・アンリに師事し、抽象的かつ革命的と評された写実主義モダニズムのスタイルを採用しました。彼の油絵や紙に描いた作品は、幅広い主題を扱っています。都市の風景や街路、海の風景や海岸、田園風景や農場の風景を描きました。有名なダンサー、社交界の人物、都市や田舎で働く男性を描きました。ある批評家は「花束、6日間の自転車レースのライダー、スペインのダンサー、アメリカの風景など、どんな主題でも興味深く珍しいものにする稀有な才能がある」と評しました。^{[1]彼はニューヨークに住んでいた頃や広範囲に旅行した際に描いた絵で高い評価を得ました。1918年、ある批評家は彼の絵には、英国の風刺画家}トーマス・ローランドソンの作品に見られるような「太いペンの輪郭」と「鋭い表現」の才能が表れていると述べました。^[2]別の批評家は、スプリンコーンの都市風景に「官能的で貴族的な郷愁」を感じさせ、「繊細で示唆に富んだ印象」と評した。^[3]^{: 7}スプリンコーンの生涯を通じて、油彩、パステル、水彩で描かれた花の絵画も批評家の注目を集めた。1928年に展示された水彩画を批評したある批評家は、花の作品における「微妙な色彩関係」を称賛し、「もし色が歌えるなら」、これらの作品は「メロディアスに歌うだろう」と述べた。^{[4]スプリンコーンは、}メイン州北部の森にあるキャンプや村落を頻繁に訪れ、そこで描いた絵画やデッサンが最も高く評価された作品となった。 2002年に開催された死後展覧会について、ある評論家は次のように書いている。「スプリンコーンの手によって、メイン州の森は、主に狩猟者、罠猟師、木こり、川下りといった、木々に囲まれて最も快適に過ごす男たちの行動を通して生き生きと描かれている。これらの大きくて荒々しいイメージは、冬の青く冷たい寒さ、秋の燃えるようなオレンジ色の輝き、夜のキャンプファイヤーに伴う影のシーンを思い起こさせる土っぽい色彩に満ちている...」^[5]

2002年に、ある伝記作家は、スプリンコーンの作品の多くに見られる洗練された都会的な焦点と、メイン州の森で制作された作品に見られる素朴な田舎の焦点との対比について書いている。彼女は彼を「正反対の複合体」と呼び、田舎の下宿屋や木材伐採キャンプと同じくらい、洗練されたアーティストや裕福なパトロンがいるニューヨークのアート界でもくつろげたと述べている。^[6]^{: 122}

幼少期と教育

1974年に友人に宛てた手紙の中で、スプリンコーンはロバート・ヘンリーという刺激的な教師について読んだ後、スウェーデンから移住することを決意したと述べています。^[6]^{: 123}^{[注 1]}ニューヨークに向けて出発したとき、彼はまだ15歳でスウェーデン語しか話せませんでしたが、マンハッタンの家庭でメイドとして働いていた姉の一人が、到着後の困難な移行を助けてくれるだろうとわかっていました。^[6]^{: 123}彼は1903年10月30日にニューヨークに到着し、8日後にニューヨーク美術学校に入学しました。 ^[7]^[8]スプリンコーンは後に、ロバート・ヘンリーの下で学んだことが彼のキャリアの発展において最も重要な要素だったと述べています。^[6]^{: 122}ヘンリーはスウェーデン語をまったく知りませんでしたが、スプリンコーンは身振りやアイコンタクトによって彼の作品に対する批評を理解し、急速に勉強を進めていきました。^[6]^{: 123}アンリは、シュプリンコルンを最も優秀な生徒の一人だと考えていた。1909年にアンリは、シュプリンコルンは絵を描き始めた頃は芸術についてほとんど何も知らなかったが、すぐに「男らしさと個性」を持って絵を描くことを学んだと述べている。^[9]

芸術家としてのキャリア

スプリンコーンのキャリアは、彼がまだ学生だった頃に始まりました。2年ちょっとの勉強の後、ニューヨーク美術学校での学内作品展で展示されたデッサンと絵画で2つの佳作を受賞しました。^[10] 1907年初頭、彼の「ニューヨーク、イーストサイドの冬景色」という絵画が、ナショナル・アカデミー・オブ・デザインの年次展覧会で審査員に受け入れられましたが、アンリが他の絵画が却下されたことに対する抗議を行ったため、アカデミーはスペース不足を理由にスプリンコーンの絵画を展示しないことに決めました。^[9]この決定に怒ったアンリは、アカデミーはスプリンコーンのような革新的な若い芸術家を拒絶すべきではないと言いました。彼は、スプリンコーンが「大きな新しい音」を捉えてそれを「忘れられない効果」でキャンバスに描いたことを称賛し、「これほど有望な画家はほとんどいない」と付け加えました。^[11]数か月後、ニューヨーク・サン紙の評論家が、ニューヨーク・スクールの別の学生展に展示されていたスプリンコーンの絵画について論じた。評論家は、スプリンコーンの絵画「吹雪の中の渡し船」を賞賛し、「物事をありのままに」描くことで「学術芸術のあらゆる規範」に違反していると述べた。^[12]別の評論家は、スプリンコーンは将来有望な芸術家であり、その作品は「大きな感覚で描かれている」と述べた。^{[13] 1908年初頭、彼は}国立芸術クラブで行われたアンリとその学生の作品展に絵画を寄贈した。スプリンコーンの絵画「冬の日」について、ある評論家は「これは11度まで押し進められたリアリズムだ。視覚的な感傷主義者に容赦はない」と書いた。^[14]

1909年1月、スプリンコーンはアンリの後を継ぎ、自身の学校を設立したが、翌年プロの芸術家としてのキャリアを追求するために学校を去った。^[15]^[16] 1907年から1909年の間、スプリンコーンはニューヨーク美術学校のマネージャーを務めており、新しいアンリ学校に在籍している間もその役職を続けた。^[17]^[18]

当時、ある評論家はスプリンコーンを「新しい『革命的』な芸術家たちの流派の若いメンバーの一人であり、彼らは全体として、国立デザインアカデミーの審査員からほとんど励ましを受けていない」と評した。^[19] 1910年初頭、スプリンコーンはペンシルベニア美術アカデミーの第105回年次展覧会に絵画を出品し、その少し後にはニューヨークのランドスクールでアンリやアンリのもとで学んだ人々とともに展示を行った。参加者にはジョージ・ベローズ、ジョージ・ラックス、ジョン・スローンなどが含まれていた。^[20]^[21]

スプリンクホーンは普段はニューヨークに住んでいたが、キャリアを通じて広く旅をした。1912年後半から1913年初めにかけてはカリフォルニア州ロサンゼルスに住んでいた。1914年と1915年にはパリに住み、アカデミー・コラロッシのデッサン教室に通った。^[18]彼は夏の間、マサチューセッツ州プロビンスタウン、メイン州オガンキット、メイン州モンヒガン島など、水辺の芸術家コロニーで過ごすことが多かった。^[16]^[22]彼はときどきスカンジナビアに戻り、絵を描いたり家族と会ったりした。^[18]

1910年、彼はメイン州中北部にある、すぐにお気に入りの場所となる場所を初めて訪れた。彼は家族の友人にモンソンを訪れるよう誘われたのだが、そこはスウェーデン移民の小さなコミュニティがあった町だった。^[23]冬の間、モンソンには木こりたちのキャンプがあり、彼らは増水した小川や川を利用して南や東の製材所に木材を運んでいた。^[24]以前からマンハッタンのスラム街の吹雪や大雪のシーンで知られていたスプリンコーンは、これらの木こりたちの仕事や、彼らが一年のうちの寒い時期に過ごす環境を描くことに抵抗がなかったようだ。^[13]^[25]^{[注 2]}キャリアが成熟するにつれ、スプリンコーンはその後30年間にわたりモンソンやメイン州北部の森の他の場所を再訪し、1942年から1952年にかけてほとんどの時間をそこで過ごしました。^[25]彼が亡くなった時点では、メイン州の森で描いた絵画、デッサン、水彩画が彼の主な主題であり、最も人気のある作品と見なされるようになりました。^[26]

1912年から1914年にかけて南カリフォルニアに滞在していた間、スプリンコーンはアート・スチューデンツ・リーグで教鞭をとり、一時期は同リーグのディレクターを務めた。^[18]^[7]

1915年、彼はカリフォルニア州サンディエゴで開催されたパナマ・カリフォルニア博覧会の美術棟メインギャラリーで展示される「代表的なアメリカ画家」11人のうちの1人に選ばれた。 ^[27]^{[注 3]}その年の後半、彼はニューヨーク・マクドウェル・クラブのグループ展に参加し、翌年にはジョージ・S・ヘルマンが主催した個展でデッサンを展示した。^[28]^[29]^{[注 4]後者の展覧会を評して、}ニューヨーク・サンの評論家は、彼の絵は気迫と優雅さに満ち、批評家が新鮮だと感じた若々しい品質を備えていると述べた。^[29] 1918年、彼はスカンジナビア・アート・ショップでの展覧会で再びデッサンを展示した。このとき、ある評論家はイギリス人アーティストのトーマス・ローランドソンとの類似性を認めたが、スプリンコーンはより断片的な方法で、曲線よりも角度で、より辛辣なユーモアで物事を見ていると指摘した。批評家は、シュプリンコーンは「顔料の力を完全に抑え、表面の絵の具の背後に色の蓄えがあることを示唆することで、最も豊かで素晴らしい結果を得ることに驚くほど熟練していた」と結論付けた。^[2]

スプリンコーンは1920年に3回作品を発表した。1回はアメリカ・スカンジナビア財団で他のスウェーデン系アメリカ人芸術家たちと、1回は国立芸術クラブでアン・レクターを含むグループと、そして1回は独立芸術家協会の展覧会であった。^[32]^[33]^[34]最初の3回の展覧会を評して、タイムズの評論家はスプリンコーンが「非常に際立った2枚の大きな絵画」と、さらに力強いデッサンを寄稿したと述べた。^[34] 1922年はスプリンコーンにとって実り多い年であった。1月、ハミルトン・イースター・フィールドの雑誌「芸術」に、文学理論家ケネス・バークの「カール・スプリンコーンの芸術」と題する記事が掲載された。バークはスプリンコーンの技法を詳細に分析した。視覚的メタファーの使用に注目したバークは、抽象化を利用して絵画の中で主題を複数の目的に役立てていると述べた。例えば、彼は「カール・スプリンコーンは雪から始め、雪が残っている間に何か他のものを足していく。彼はキャンバスに対象とその解釈の両方を載せることに成功した」と述べている。^[^35]その月と翌月、スプリンコーンはジュニア・アート・ペインターズ・ギャラリー^{[注 5} ]で水彩画とデッサンを、スターナー夫人のギャラリー[35]で絵画と紙の作品を展示した。^{: 192, 230}^{[注 6]}その後の数か月で、ウースター美術館で彼の最新作の個展が開催された。^[38]年末には、ニュー・ギャラリーで自ら企画したグループ展に参加した。^[39]スターナー・ギャラリーでの展覧会は、アーツ誌、ブルックリン・デイリー・イーグル、ニューヨーク・ヘラルドの各紙から広範囲にわたる批評的検討を受けた。アーツ誌で、文学理論家ケネス・バークは、細部を省くことで、スプリンコーンは主題の「より真実の解釈」を達成したと述べた。^[35]ブルックリン・デイリー・イーグル紙で、ハミルトン・イースター・フィールドは、自分はスプリンコーンの「最も熱烈な崇拝者」たちの熱意を共有していると書いている。^[40]ニューヨーク・ヘラルド紙の評論家は、スプリンコーンの作品について「抽象的だが、健全で素晴らしい」と評した。^[41]美術評論家、キュレーター、コレクターのクリスチャン・ブリントンは、展覧会カタログの序文で、スプリンコーンの「新鮮な造形と色彩の刺激を求める熱心で絶え間ない旅」について次のように述べている。^[3^]^{7 [注 7]}

1922年から1925年の間、スプリンクホーンはニューギャラリーのアートディレクターを務め、そこではあまり知られていないアメリカ人アーティストや前衛的なヨーロッパのアーティストの作品を展示・販売した。^[39]^[43]^{[注 8]}彼の作品は1920年代から1930年代初頭にかけてグループ展で頻繁に展示された。1923年と1924年にニューギャラリー、1924年にホイットニースタジオクラブ、1925、1926、1928、1929年にブルックリン美術館、1928、1930、1933年にマリースターナーギャラリー、1929年にロエリーヒ美術館、1931年にニューヨーク市美術館で展示された。 1930年にはフィフティシックスストリートギャラリーでも個展を開催した。 ^[1]^[45]^[46]^[47]^[48]^[49]この間、自身のスタジオ（1924年と1933年）、レーンギャラリー（1927年）、エインズリーギャラリー（1928年）、ペントハウスギャラリー（1930年）、サリバンギャラリー（1936年）で個展を開催した。^[50]^[46]^[48]^[51]^[52]アメリカ・スウェーデン歴史博物館は1942年に彼の個展を開催した。1930年にはサリバンギャラリーのオーナー、コーネリアス・サリバン夫人が3つの美術館を巡る彼の作品ツアーを企画した。^[6] 1920年からの10年間で、ダイアル誌は彼の多くの絵を掲載し、フォードモーターカンパニーのために制作したイラストでも収入を得た。

スプリンクホーンはニューギャラリーでの仕事で得た収入やその他の収入をもとに、1926年と1927年にプエルトリコとサントドミンゴを1年半旅行した。その後、1930年後半から1931年初めにかけてスウェーデンに戻った。1931年から1937年の間はほとんどの時間をニューヨークで過ごした。彼の作品は1932年夏季オリンピックの美術競技会の絵画部門に出品された。^{[53]彼の作品は1936年の第2回隔年展の}ホイットニー美術館や1938年の現代美術の年次展にも展示された。^[54]^[55]彼は作品の販売で得たお金を使って、1937年から1943年の間、その一部またはすべてをメイン州で過ごし、主にパッテンかシンポンドに住んでいた。^[18]^[25] 1943年1月、スプリンコーンは収集家で美術館長のダンカン・フィリップスに手紙を書き、マクベス・ギャラリーで開催される自身の作品展を見てほしいと頼んだ。フィリップスはその後、絵画のうちの1枚「雪に覆われた翼のある馬」（1920年）を購入し、その後のメイン州の森での冬を過ごす資金を援助した。^[18]この間、彼はめったに作品を発表しなかったが、マクベス・ギャラリー（1943年、1947年、1950年）、バーサ・シェーファー・ギャラリー（1944年）での個展が目立った。^[56]^[57]^[58]^[59] 1950年以降、健康状態が悪化したため、以前の数十年間の作品の発表は続けたが、絵を描く頻度は減った。^{[60]彼は1950年から1956年までマンハッタンに住み、その後}ニューヨーク州セルカークの農場に移った。この時期に彼が展示を行ったギャラリーには、ニューヨークのベルタ・シェーファー、パッセドワ、ザブリスケ、ノードラーの各ギャラリーがある。^[6]彼は1963年に展示をやめ、8年後に亡くなった。^[17]

1984年、ニュージャージー州立大学ラトガース校の美術館で「カール・スプリンコーン：リアリストの衝動とロマン主義のビジョン」と題した回顧展が開催された。^[17] 1994年、メイン州ファーミントンのヴェイユギャラリーでメイン州の森で撮影された絵画と紙の作品60点が展示された。ニュース記事によると、60点のうち44点が購入者に見つかり、彼の作品がこれまで受けた中で最も成功した展覧会となった。^[25]スプリンコーンの遺産を展示するギャラリーは、1996年に2回目の回顧展を開催した。^[60]「カール・スプリンコーンの芸術：カタディン・コレクション」という展覧会が、1998年にオガンキット美術館で開催された。 ^[61] 2002年の夏、メイン州で3つの展覧会が開催された。「カール・スプリンコーン：森の王」はルイストンのベイツ大学美術館で、「カール・スプリンコーン：メイン州の森とその先」はファーミントンのヴェイユギャラリーで、「四季：メイン州のカール・スプリンコーン」はブランズウィックのニュー・オファレルギャラリーで行われた。^[5]

雪景色や冬の仕事の絵が好きだったにもかかわらず、スプリンコーンはメイン州の田舎で完全にくつろいだことはなかった。地元住民のカレブ・スクリブナーとは友人になったが、スクリブナーは例外だった。1937年、スプリンコーンがシン・ポンド近くのパッテンにあるスクリブナーの家族の家に下宿していたときに、2人は出会った。アマチュア画家だったスクリブナーは、他の地元の人には興味のない話題でもスプリンコーンと会話することができた。^[62] 1946年に友人に宛てた手紙の中で、スプリンコーンは「結局のところ、屋根の木と屋根裏部屋を共有しているという偶然以外には、私の人生にとって重要ではないこれらの人々とは、私の興味、問題、その他すべてを共有できる意味や方法はありません」と認めている。^[23] 1988年に書いたスプリンコーンの伝記作家メアリー・タウリー・スワンソンは、彼を「正反対の複合体」と呼んだ。^[6]^{: 122}彼は都会の生活を楽しみ、ニューヨークの美術界の芸術家やパトロンと永続的な友情を築いた。彼のキャリアのほとんどを通じて、批評家は静物画やその他の室内の主題にほとんどの注意を向け、彼の美術品販売に関する現存する数少ない記録は、この作品に最も関心が寄せられたことを示している。しかし、彼はキャリアを通じて長い間田舎で過ごし、彼の死後、批評家やキュレーターは田舎の絵画を強く好んだ。^[18]キャリアの終わりに近づくにつれて、スプリンコーンは彼の作品のこの二面性について言及した。友人のリチャード・スプレイグへの手紙の中で、彼はこう書いている。「まあ、私は都会っ子だ。つまり、田舎生まれだが、都会の考え方を持っている」^[6]^{: 122} 1953年に彼は友人にこう書いている。「私は神秘主義者と呼ばれてきました。私は自然に対して汎神論的な精神を持っており、それが自然の単なる模倣を阻んでいると思います。私はどんなに真剣に取り組んでも、自然を模倣することに成功したことは一度もありません。すぐに飽きてしまいました。私は自然の源泉に近いところで生活した後、自然を選択し解釈することが好きです。しかし逆に、批評家の生活や、一般的に生活の洗練された側面に興味を持っていました。一言で言えば、私は多くのことを網羅しようと努めてきました。」^[6]^{: 135}

芸術的なスタイル

ロバート・アンリを師と指導者として迎えたスプリンコーンは、当時革命的と考えられていた写実主義のスタイルを採用した。 ^[63]アンリの下で学んだ画家たちは、上品ぶったアカデミックな芸術や現実逃避的な印象派の芸術に逆らい、周囲の荒々しい都会の世界から題材を選び、大胆な自由と素早い筆遣いで絵を描き、感情表現の即時性を追求した。^[64]^{[注 9]}スプリンコーンの初期の作品が展示された展覧会を批評したある評論家は、スプリンコーンの「吹雪の中の渡し船」は「アカデミックな芸術のあらゆる規範」に違反し、美術界の権威を怒らせたと述べた。 ^[12]別の評論家は、スプリンコーンの絵画が写実主義を「十一段階まで押し進め」て「感傷主義者」を怒らせたと述べた。^[14]^{[注 10]} 1906年の絵画「嵐の後」は「吹雪の後」（右）とも呼ばれ、この時期のスプリンコーンのスタイルを示している。^{[注 11]}初期のスプリンコーンの紙に描いた作品は、油絵と同じくらい注目を集めていた。^[29]すでに述べたように、彼は 1906 年にデッサンで佳作を受賞し、1908 年のグループ展にデッサンを出品し、1916 年にはデッサンをテーマとした初の個展を開催した。数年後、彼はニューヨークの新聞がこの作品に好意的に反応したことを振り返り、個展で大量の購入があったと述べた。^[18]スプリンコーンは油絵だけでなく、デッサンでもアンリのスタイルを踏襲した。アンリは学生たちに、デッサンを冷静なデッサン家としてではなく、表現豊かに、主題全体を深く意識して描くようにと説いた。^[64]^{: 110} 1916 年、ニューヨークサン紙の批評家は、スプリンコーンの簡略化された線と簡略化の使用に注目し、そのデッサンに「精神と優美さ」があると記した。^[29]ニューヨークタイムズの批評家は1918年に、スプリンコーンの絵に「鋭い洞察力と機知に富んだ分析」が見られると述べ、この芸術家は「顔料の力を完全に抑え、表面の絵の背後に色の蓄えを示唆することで、最も豊かで素晴らしい結果を得ることに驚くほど熟練していた」と述べた。^[2] 1920年代初頭、批評家は引き続き彼のシンプルさ、直接性、感情の強さを強調した。^[3]^[67]彼らは、作品の構成要素を優先して、厳密に具象的な表現を拒否したことを認識した。^[35]ある批評家は彼の技法に「本物の美的感覚」を見出し、別の批評家は主題を意味のあるシンボルに変換する彼の能力を挙げた。^[3]^{: 7}

1920年、タイムズ紙の批評家は、スプリンコーンの才能が最も顕著に表れたのは絵だと書いた。批評家は、それらの絵を「生き生きとしたシンコペーションのあるスケッチ」と呼び、「ほとんどの芸術家が最大のキャンバスで表現できると考える色彩と形状に関する真実を、その狭い範囲でより多く伝えている」と評した。^[34] 1922年、ある批評家は、それらの絵は「活気のある線と、青、紫、淡い黄色、緑の微妙に調整された部分で表現されている。本物の美的感覚に満ち、ある種の官能的で貴族的な郷愁に満ちている」と述べた。^[3]^{: 7}同年、ある評論家は『芸術』誌に、彼は「構成そのもの」を重んじ、「主題をほとんど軽蔑している」と書いた。彼はその例として、シュプリンコーンが人物を「運命も目的地もない人間」として扱っていることを挙げた。^[35]シュプリンコーンの「扇を持つ女性」（左の写真）は、水彩画の淡彩による線描の技法を示している。

カール・スプリンコーン、ハンターの幸運、1937年頃、キャンバスに油彩、26 1/8 x 34 1/8インチ

カール・スプリンコーン、グロリア 1946年10月、キャンバスに油彩、26 x 34インチ

カール・スプリンコーン、ひまわりとトリトマ、1935年、キャンバスに油彩、24 x 20インチ

スプリンコーンのスタイルは、その後のキャリアを通じてほとんど変化せず、2002年に書いた批評家が1920年代初頭の批評家が書いたものと同じことを繰り返すほどだった。どちらの批評家も、彼の芸術的感受性に自由さと大胆さ、客観的で具象的というよりは表現的で抽象的なアプローチを見出していた。彼らは彼のスタイルを「自由で大胆」または「自由で反応的」といった言葉で表現した。^[3]^[5]キャリアの初期も後期も、彼はある批評家が「象徴的な強調」と呼ぶものを作品に取り入れていると見られていた。^[17]初期も後期も、彼は繊細な色彩表現者と見られ、ある批評家が「活力と推進力」と呼ぶ力強さで頻繁に引用された。^[2]^[59]すべての時期において、批評家は彼の作品に「抽象的要素を伴う表現主義」と呼ばれる感情的な内容を見出していた。^[59]スプリンコーンの作品を総括したある批評家は、スプリンコーンのスタイルの特徴は「他に何もできないかのように、残酷なほどの個人的な正直さでイメージを描く能力」であると述べた。^[60]別の批評家は、彼は「主題の真実性にこだわりながらも、通常の遠近法とは異なる図と地の関係、表現力豊かな色使い、絵を描くことへの喜びを示す絵画的な絵の具の塗り方など、抽象画家が用いるのと似た手法を用いていた」と書いている。^[7]スプリンコーンの絵画「ハンターズ・ラック II」（右の写真）と「グロリア・オクトーバー」（左の写真）は、彼のスタイルのこれらの側面をよく表している。

シュプリンコーンの作品は、生涯を通じてキャンバスに油絵を描くことと、水彩、鉛筆、ペン、ウォッシュ、クレヨン、木炭で紙に描いた作品であった。^[68]

彼の題材は多岐にわたる。ニューヨークの街並み、メイン州の森や熱帯の風景、都市労働者や田舎の林夫、都会の洗練された人々などの人物、スカンジナビアの農場の風景、花の静物画など。^[1]^[59]^[69]メイン州の森を描いた作品は彼の死後に最も注目を集めたが、彼はキャリアの大半を通じて静物画やデッサンでよく知られていた。^[6]スプリンコーンの「ひまわりとトリトマ」（右の写真）は、花の静物画の扱い方を示している。1936年、ある評論家は、この絵は彼がサリバン・ギャラリーで展示した「生き生きとした花の絵」の中で最も生き生きしていると評した。^[52]

私生活と家族

シュプリンコルンは1887年5月13日、スウェーデンのクリスチャンスタード近郊のブロビー村で生まれた。^[3]^{: 7}彼の父はクラース・シュプリンコルン（1845–1907）で、大工仕事と家具の修復をしていた家具職人だった。^[6]^{: 122}彼の母はヨハンナ・ルドルフソン（アンドレアスドッター）・シュプリンコルン（1844–1932）だった。^[70]彼は7人兄弟の末っ子だった。^[6]^{: 122}子供の頃は絵を描くのが好きで、すでに述べたように、ロバート・アンリに師事するためにニューヨークに移住することを決意した。

1956年、健康上の理由で絵を描くことができなくなったため、ニューヨーク州セルカークに住む姉のアンナ・ジョンソン夫人の家に引っ越した。1971年に彼が亡くなったとき、彼の唯一の生存者はジョンソン夫人と、同じくセルカークに住む姪のルース・オルソン夫人であった。^[26]

注記

^ 彼はまた、「芸術を学ぶ目的でアメリカに来た最初の人物」だと言ったとも伝えられている。^[7]
^ すでに挙げたものに加えて、スプリンコーンが描いたニューヨークの冬を描いた作品には「吹雪の後」や「吹雪」があり、どちらも1908年以前に描かれたものである^。[13]
^ シュプリンコーンの他に、代表的なアメリカの画家としては、ジョージ・ベローズ、アーネスト・ローソン、ロバート・アンリ、チャイルド・ハッサム、ジョン・スローン、ギイ・ペーヌ・デュ・ボワ、モーリス・プレンダーガスト、JHシャープ、ジョージ・ラックス、ウィリアム・グラッケンズなどがいた。^[27]
^ジョージ・S・ヘルマン（1878-1958）はニューヨークの銀行家 セリグマン家に生まれた。彼は著名な作家、編集者であり、美術評論家、コレクターでもあった。彼はニューギャラリーアートクラブの会員でもあった。彼はまた、ニューヨークのギャラリーやオークション会場で希少本、原稿、美術品を販売するディーラーでもあった。^[30]^[31]
^ 1921年5月、ウィリアム・K・ヴァンダービルト夫人と他の芸術パトロンは、若くて貧しい芸術家に資金援助を提供し、ギャラリーを借りて作品を展示するためにジュニア・アート・パトロン・グループを組織しました。このグループは、若い都市住民に現存する芸術家の絵画を鑑賞し、購入するよう奨励することを目的としていました。^[36]
^ マリー・スターナーは1920年から1950年まで彼女の名前を冠したギャラリーを経営していた。彼女のギャラリーは才能あるアメリカやヨーロッパの芸術家をコレクターに紹介することに成功していた。マリー・ワルターとして生まれた彼女は、最初にアルバート・スターナーという男性と結婚し、離婚した後、エドワード・リントンという男性と再婚した。^[37]
^ クリスチャン・ブリントン（1870-1942）は、著名なクエーカー教徒の家庭出身の美術評論家であり、展覧会カタログ、記事、書籍などで近代美術を擁護した。^[42]
^ 1942年、スプリンコーンはこの仕事で「働くための手段はあったが、働く時間はなかった」と書いている。彼は、同世代のアメリカ人アーティストの作品だけでなく、マティス、モディリアーニ、セザンヌなど「名声を確立した」ヨーロッパのアーティストの作品の展覧会を企画したと述べている。^[18]ニューギャラリーは、弁護士、画家、慈善家のジェームズ・N・ローゼンバーグによって1922年11月に設立された。^[43]同ギャラリーは、「過去の巧妙で卑屈なパターン以上の何かである絵画」を展示することを目指していた。^[44]同ギャラリーは、1923年2月に開始された革新的な計画、ニューギャラリークラブによって部分的に資金提供された。クラブは会費でギャラリーを支援し、資金を集め、娯楽、お茶会、レセプションなどの方法で展覧会を宣伝した。クラブのメンバーの多くはアマチュアアーティストであり、ギャラリーは彼らの作品を特別展で展示した。^[44]
^ 1923 年にアンリは次のように書いている。「芸術家がどんな人の中にも生きているとき、その作品が何であれ、芸術家は発明家で、探求的で、大胆で、自己表現する生き物になる。芸術家は人をかき乱し、動揺させ、啓蒙し、そしてよりよい理解への道を開く。」^[64]^{: 5} また、「芸術の学生であるべきであり、そして非常に稀なのは、自分の個人的な感覚を愛し、それを育み、自分の感情を大切にし、決して過小評価せず、それを他人に叫ぶ喜びを持ち、その最も明確な表現を熱心に探求することに人生を捧げる人である。芸術家になったときに後で役に立つからという理由で、絵を勉強することはない。そんな時間はない。芸術家は最初から芸術家であり、自然がすでに彼に与えている喜びと感情を表現するために線や形を見つけることに忙しい。」^[64]^{: 74}
^ フリーメイソンでは、「第11階級」という語句は頂点を意味する。^[65]
^ 1907年にアンリは、この絵は主題を忠実に表現していると書いている。「吹雪の後にイーストサイドの通りを掃除するニューヨークのホワイトウィングス。理想化された研究ではなく、私たちが見てきた通りの姿だ。」^[9]当時、ニューヨーク市の清掃員は白い制服を着ていたのでホワイトウィングスと呼ばれていた。^[66]

参考文献

^ abc 「カール・スプリンコーンがマリー・スターナー・ギャラリーでワンマンショーを開催」。ブルックリン・デイリー・イーグル。ブルックリン、ニューヨーク。1930-03-09。p. E7。彼は、花束、6日間の自転車レースのライダー、スペインのダンサー、またはアメリカの風景など、自分が描くどんな主題でも興味深く珍しいものにする稀有な資質を持っています。さらに、彼は、今日では認識にほぼ不可欠と見なされている流行の癖を1つも取り入れずにこれを行います。特に注目されたのは人物の印象で、その中には有名な人物の肖像スケッチもあれば、一般的なタイプの肖像画もありました。それらすべてにおいて、彼はポーズや身振りの本質的な特徴を持ち込み、スケッチのような新鮮な正確さでそれを描き出しました。
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[8] 彼はまた、「芸術を学ぶ目的でアメリカに来た最初の人物」だと言ったとも伝えられている。^[7]

[27] すでに挙げたものに加えて、スプリンコーンが描いたニューヨークの冬を描いた作品には「吹雪の後」や「吹雪」があり、どちらも1908年以前に描かれたものである^。[13]

[30] シュプリンコーンの他に、代表的なアメリカの画家としては、ジョージ・ベローズ、アーネスト・ローソン、ロバート・アンリ、チャイルド・ハッサム、ジョン・スローン、ギイ・ペーヌ・デュ・ボワ、モーリス・プレンダーガスト、JHシャープ、ジョージ・ラックス、ウィリアム・グラッケンズなどがいた。^[27]

[35] ^ジョージ・S・ヘルマン（1878-1958）はニューヨークの銀行家 セリグマン家に生まれた。彼は著名な作家、編集者であり、美術評論家、コレクターでもあった。彼はニューギャラリーアートクラブの会員でもあった。彼はまた、ニューヨークのギャラリーやオークション会場で希少本、原稿、美術品を販売するディーラーでもあった。^[30]^[31]

[41] 1921年5月、ウィリアム・K・ヴァンダービルト夫人と他の芸術パトロンは、若くて貧しい芸術家に資金援助を提供し、ギャラリーを借りて作品を展示するためにジュニア・アート・パトロン・グループを組織しました。このグループは、若い都市住民に現存する芸術家の絵画を鑑賞し、購入するよう奨励することを目的としていました。^[36]

[43] マリー・スターナーは1920年から1950年まで彼女の名前を冠したギャラリーを経営していた。彼女のギャラリーは才能あるアメリカやヨーロッパの芸術家をコレクターに紹介することに成功していた。マリー・ワルターとして生まれた彼女は、最初にアルバート・スターナーという男性と結婚し、離婚した後、エドワード・リントンという男性と再婚した。^[37]

[49] クリスチャン・ブリントン（1870-1942）は、著名なクエーカー教徒の家庭出身の美術評論家であり、展覧会カタログ、記事、書籍などで近代美術を擁護した。^[42]

[52] 1942年、スプリンコーンはこの仕事で「働くための手段はあったが、働く時間はなかった」と書いている。彼は、同世代のアメリカ人アーティストの作品だけでなく、マティス、モディリアーニ、セザンヌなど「名声を確立した」ヨーロッパのアーティストの作品の展覧会を企画したと述べている。^[18]ニューギャラリーは、弁護士、画家、慈善家のジェームズ・N・ローゼンバーグによって1922年11月に設立された。^[43]同ギャラリーは、「過去の巧妙で卑屈なパターン以上の何かである絵画」を展示することを目指していた。^[44]同ギャラリーは、1923年2月に開始された革新的な計画、ニューギャラリークラブによって部分的に資金提供された。クラブは会費でギャラリーを支援し、資金を集め、娯楽、お茶会、レセプションなどの方法で展覧会を宣伝した。クラブのメンバーの多くはアマチュアアーティストであり、ギャラリーは彼らの作品を特別展で展示した。^[44]

[73] 1923 年にアンリは次のように書いている。「芸術家がどんな人の中にも生きているとき、その作品が何であれ、芸術家は発明家で、探求的で、大胆で、自己表現する生き物になる。芸術家は人をかき乱し、動揺させ、啓蒙し、そしてよりよい理解への道を開く。」^[64]^{: 5} また、「芸術の学生であるべきであり、そして非常に稀なのは、自分の個人的な感覚を愛し、それを育み、自分の感情を大切にし、決して過小評価せず、それを他人に叫ぶ喜びを持ち、その最も明確な表現を熱心に探求することに人生を捧げる人である。芸術家になったときに後で役に立つからという理由で、絵を勉強することはない。そんな時間はない。芸術家は最初から芸術家であり、自然がすでに彼に与えている喜びと感情を表現するために線や形を見つけることに忙しい。」^[64]^{: 74}

[75] フリーメイソンでは、「第11階級」という語句は頂点を意味する。^[65]

[77] 1907年にアンリは、この絵は主題を忠実に表現していると書いている。「吹雪の後にイーストサイドの通りを掃除するニューヨークのホワイトウィングス。理想化された研究ではなく、私たちが見てきた通りの姿だ。」^[9]当時、ニューヨーク市の清掃員は白い制服を着ていたのでホワイトウィングスと呼ばれていた。^[66]

[Brooklyn_Daily_Eagle_Mar_1930-1] 「カール・スプリンコーンがマリー・スターナー・ギャラリーでワンマンショーを開催」。ブルックリン・デイリー・イーグル。ブルックリン、ニューヨーク。1930-03-09。p. E7。彼は、花束、6日間の自転車レースのライダー、スペインのダンサー、またはアメリカの風景など、自分が描くどんな主題でも興味深く珍しいものにする稀有な資質を持っています。さらに、彼は、今日では認識にほぼ不可欠と見なされている流行の癖を1つも取り入れずにこれを行います。特に注目されたのは人物の印象で、その中には有名な人物の肖像スケッチもあれば、一般的なタイプの肖像画もありました。それらすべてにおいて、彼はポーズや身振りの本質的な特徴を持ち込み、スケッチのような新鮮な正確さでそれを描き出しました。

[New_York_Times_Apr_1918-2] 「フランスの彫刻とさまざまな展覧会：国内外の芸術、カール・スプリンコーンの絵」。ニューヨーク・タイムズ。ニューヨーク、ニューヨーク。1918-04-14。p. SM8。彼は、顔料の力を完全に抑え、表面の絵の具の背後に色の蓄えを示唆することで、最も豊かで素晴らしい結果を得ることに驚くほど熟練しています。

[Sterner_Catalog_1922-3] クリスチャン・ブリントン (1922). カール・スプリンコーン展。アルバート・スターナー夫人のギャラリー。 2020年4月26日閲覧。

[New_York_Post_Dec_1928-4] 「その他の展覧会」。ニューヨークポスト。ニューヨーク、ニューヨーク。1928-12-08。カール・スプリンコーンは最近は地元のギャラリーにほとんど現れないので、色彩が豊かなだけでなく、以前の作品よりもしっかりとしたパターンの網目模様が描かれた水彩画の作品群に出会うと、うれしい驚きを感じる。スプリンコーン氏の個性的なパレットと微妙な色彩関係は、これらの花の作品に予想外の刺激的な風味を与え、色が歌うとすれば、それはメロディアスに歌っているかのようだ。

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[Gravar.se-81] “スウェーデン / スコーネ / Broby-Emmislövs Församling / Östra Broby / Block G”. Gravar.se 。2020年5月9日に取得。