管弦楽のための狂詩曲

『管弦楽のための狂詩曲』は、アメリカの作曲家スティーヴン・スタッキーによる単一楽章の管弦楽曲である。この作品は、 2008年8月と9月に行われたニューヨーク・フィルハーモニックのヨーロッパツアーのために、ニューヨーク・フィルハーモニックとBBCの共同委嘱により作曲された。この作品は、2008年8月28日にロイヤル・アルバート・ホールで開催されたザ・プロムスで、ニューヨーク・フィルハーモニックが指揮者ロリン・マゼールの指揮のもと演奏し、世界初演された。 ^[1]

スタッキーに新しい曲の依頼をしたとき、マゼールはスタッキーに、その曲は「狂詩曲的なもの」にするよう提案した。スタッキーは後に「辞書に助けを求めに駆け込んだ。『狂詩曲』や『狂詩曲的な』という言葉について考えれば考えるほど、自分の音楽を説明するのに決して選ばない言葉だが、限界は押し広げられるべきものであり、『狂詩曲的な』のような外部の、さらには異質な刺激こそが、自分の音楽を押し広げるにはうってつけだと気づいた」と書いている。スタッキーはスコアのプログラムノートでさらにその曲について次のように述べている。

出来上がった作品は、2 つの意味で狂詩曲的です。即興のように自由に展開する形式を持ち、恍惚とした熱烈な表現形式をとっています。この作品は 1 つの連続した楽章ですが、Rhapsodies が複数形になっているのは、一連の狂詩曲のエピソードとして展開するためです。通常、1 人の演奏者が熱烈なフレーズを奏でることで、隣の演奏者に徐々に「感染」し、やがてオーケストラのセクション全体が恍惚とした音色を奏でます。ソロのフルート( appassionato ) が他の高音木管楽器を 1 つずつ引き寄せ、騒々しい音の塊を作ります。ソロのイングリッシュ ホルン( cantando, fervente ) がクラリネット、バス クラリネット、ファゴットなどを引き入れ、周囲の全員が歌い出します。ソロのホルンとトランペット( nobile ) が、今度は金管楽器の間で、さらに別の爆発を起こします。一方、こうした熱狂的な演奏の裏には、オーケストラの他の部分でより穏やかに支えられた音楽が流れ、背景として機能している。容赦ない熱狂は、長くは続かない。やがて、オーケストラは疲れ果て、静かなコーダへと落ち込み、そこでは、それまでの強烈な体験を静けさの中で思い出すことができる。^[1]

2011年12月のシカゴ初演を批評した音楽評論家のジョン・フォン・ラインは、ラプソディーズ・フォー・オーケストラを称賛し、「一連の絡み合ったエピソードの中で、ソロ・フルート、イングリッシュホルン、ホルン、トランペットが他の楽器やグループに反響され、模倣された。オーケストラの色彩の渦巻きに風変わりなリズムの活力が吹き込まれた。ヴァン・ズヴェーデンとシカゴ交響楽団は、10分間の作品を非常に楽しく生き生きと表現した」と書いている。 ^[2]ダラス・オブザーバー のケイティ・ウォマックもダラス初演時に同様にこの作品を称賛し、「この作品のダイナミクスは親密なものから大げさなものまで幅広く、その両極端の並置により、マイヤーソン管弦楽団で素晴らしいサウンドが生み出された。スタッキーのラプソディーズはわずか10分で、もっと聴きたいと思わせた」とコメントしている。 ^[3] ニューヨーク・タイムズのアンソニー・トマシーニもこの作品を称賛し、次のように述べている。

この曲は、刺激的な和音がパチパチと鳴り響くところから始まり、落ち着きのないフルートのソロが最初のラプソディを始める。ある印象的なエピソードでは、鋭い金管合唱団が忍び寄る和音と上昇する音階の奇妙なパターンを次々と奏でる。この緊迫感があり、時には目が回るような、そして常に驚かされる曲全体を通して、オーケストラのバックグラウンドは、より穏やかに持続するハーモニーと波打つリフで構成されている。しかし、その穏やかさは欺瞞的である。物事は常に動いているのだ。^[4]

ボストン・グローブ紙 のジェフリー・ガンツはより批判的で、この曲を「ある楽器がアイデアを試し、他の楽器がそれを取り入れる一連の恍惚とした爆発」と評した。ガンツは「理論上はうまくいったが、実際はそうではなかった。オーケストラの12音のオスティナートにビオラが甘く歌う部分が気に入った」と付け加えた。^{[5]同様に、}シカゴ・クラシカル・レビュー紙 のローレンス・A・ジ​​ョンソンは「スタッキーの最も重要な作品の1つではない」と呼び、「スタッキーがヴィトルド・ルトスワフスキに負っているものが、ときどき明白に表れていた」と指摘した。^[6] 音楽評論家のカーラ・リースも同様の意見を述べた。

ラプソディというコンセプトは、準即興的な素材が連鎖的に展開する形で作品に自由を与えた。この作品は、オーケストラの幅広い色彩と独創的なオーケストレーションを駆使した、よく練られた作品だった。私が少しだけ気になったのは、音楽言語が全体的に保守的だったことだ。境界を打ち破るものはほとんどなく、その点では、この作品は誰の反感も買わない「安全な」委嘱作品だった。^[7]