リラ・カッツェン

ライラ・カッツェン（1925年12月30日、ニューヨーク州ブルックリン生まれ- 1998年9月20日、ニューヨーク州ニューヨーク市生まれ）は、ライラ・ペルとして生まれた、流動的で大規模な金属抽象彫刻を手掛けたアメリカの彫刻家である。^[1]

カッツェンはブルックリンで生まれ育った。^[1]彼女はクーパーユニオンに通い、後にニューヨーク市とマサチューセッツ州プロビンスタウンでハンス・ホフマンに師事した。 1955年、まだ画家だったカッツェンはボルチモア美術館で初の個展を開催した。その後、アラバマ州のモンゴメリー美術館やカンザス州のウルリッヒ美術館などで個展を開催した。1962年、カッツェンはメリーランド美術大学の職に就き、1980年まで在籍した。

ライラ・カッツェンは、クーパー・ユニオン大学の教授から彫刻の勉強を続けることを止められました。教授は、彼女は「物事をあまりにも早く終わらせたい」ので、画家になるべきだと言いました。 ^[2]カッツェンの絵画は抽象的で半具象的な作品で、人物の特定の側面を空間概念に関連付けています。絵画のスキルを磨くにつれて、カッツェンはより彫刻的な種類の絵画を実験することで挑戦し始めました。彼女はキャンバスのコラージュからナイロンキャンバスの染色へと進歩しました。最終的に、半透明のナイロンにさえ制限を感じたカッツェンは、1950年代後半にアクリル板に絵を描き始めました。^[3]

アクリル画によって、カッツェンは彫刻へと転向した。彼女は蛍光塗料やバックライトを試し、光自体を媒体として使った。^{[4]カッツェンは}「The Pressure Light」で、光は環境と相互作用するとより複雑になることを発見した。これがきっかけで、彼女は光の二重性を探求するようになった。光は作品の境界内に閉じ込められながら、同時に境界を超えて存在し、観客も芸術作品の中にいるのだ。^[5]

カッツェンの実験と発見は、1968年にニューヨークの建築リーグで展示されたライトフロアの制作につながった。ライトフロアは幾何学的なモチーフで作られ、ギャラリーの3つの部屋の床全体に展示された。黄色と紫外線の両方の光がアクリルを通して異なるシーケンスで示された。このインスタレーションのプレスリリースには、「カッツェンさんは自分の媒体を完全に制御しています。彼女は「光のあらゆる側面が使用されています。反射、透明性、放射、および空間座標から時間座標への変換が配置されています」と述べています。その結果、「恣意性と効果は相殺されます。」^[6]カッツェンは、宇宙は環境（1969年）や液体トンネル（光学の変化と液体と固体の類似性を駆使した、水を通して見える蛍光灯を特徴とする八角形のトンネル）でも光を媒体として使用し続けました。^[7]

1970年代初頭、彫刻に完全に没頭し、彫刻で知られるようになったカッツェンは、スリップ エッジ ブリス(1973) やトラホ(1973) など、最もよく知られている作品のいくつかを制作しました。どちらも素材の柔軟性を探求しています。カッツェンは、スチールやアルミニウムなどの金属を引き伸ばして操作し、流動的でリボンのように見えるようにしました。金属は、アーティストが達成したいことを十分に理解した上で、すぐに操作する必要がありました。アーティストは、「間違いは許されません。巻き直すことはできません。弾力性が失われます」と説明しました。^[8] 薄い金属箔から始めて、カッツェンは指で素材を操作して折り曲げ、冷たいスチールを人間の官能性で変形させました。ドナルド クスピットが指摘したように、

「カッツェンのしなやかで質感のあるステンレス鋼と青銅（時にはアルミニウムの彫刻）の優雅さは官能的なリボンのようにカーブし、しばしば一種の弓としか見なせないもので最高潮に達します。」^[9]

カッツェンの彫刻の多くは屋外の大型作品である。すべてが周囲の環境と関連してデザインされており、これは彼女が以前に試みた光に関する発見を反映したものである。カッツェンは彫刻を作品の設置場所と関連させつつも、人間との関わりを許容し、促進するようにデザインした。これは1960年代に流行したミニマリストの美学とは正反対である。 ^[10]彼女の彫刻の多くは配置を変えられ、座ったり、揺れたり、横になったり、その下に潜ったりすることを誘う。^[11]カッツェンは自分の作品に深い感情的なつながりを感じ、それらを自分の子供のように考えた。彼女は「自分の作品が家を見つけると素晴らしい気分になる」と語っている^[12]。

1970年代に始まった彼女の最も有名な彫刻作品は、滑らかでしなやかで丸みを帯びた曲線が特徴で、しばしば「叙情的」と評されたが、1990年代初頭には、ある作家が「荒々しく攻撃的」と評した、溶接された鋭くギザギザの鋼鉄片で構成された新しい作品群を制作し、断片的で脆弱な文化を表現している。^[13]この時期に制作された作品は、1992年春にマスカレル美術館で開催された「ライラ・カッツェン生誕500周年記念彫刻展：イザベル、コロンブス、自由の女神像」展で展示された。展示された作品には「探検の女王」、「五つの盾の女王」、「ワニの女王」などがあり、カスティーリャ女王イザベルの「幽霊のような女性のペルソナ」の「豊かな想像上の肖像」を創り出した。^[14]後期の作品のもう一つの展覧会は、1995年秋にウルリッヒ美術館で開催された「ライラ・カッツェン：フォースIの彫刻とドローイング」でした。この展覧会の作品には、神経糸（1992年）、マズルワープ（1993年）、旧石器時代の地図（1993年）などがありました。展覧会「ライラ・カッツェン：フォースIの彫刻とドローイング」に関連して発表された記事で、展覧会キュレーターのダナ・セルフは次のように述べています。

「過去の彫刻は、様式的にも文脈的にも攻撃的であったが、滑らかで、しなやかで、優しく丸みを帯び、ループ状の鋼鉄の形をしており、叙情的で優雅な概念などの美の規範に忠実であることを示している。カッツェンは、イタリアのバロック芸術家ベルニーニの聖テレサのエクスタシーをバロック様式の影響力のある例として挙げ、それが彼女に、その重さを偽りのように空間に浮かぶ塊を創作するインスピレーションを与えたとしている。カッツェンは新しい彫刻で美術史の影響に抵抗している。代わりに、この展覧会の彫刻は、抽象的な彫刻言語で現在の社会的および文化的問題をカッツェンが解釈したものである...カッツェンは以前の作品の劇的な叙情性を脇に置き、美術史を中断し、現在と交渉するために、厳しく攻撃的なスタイルを採用している。」^[15]

彼女の作品は、ワシントンD.C.のナショナル・ギャラリー、カリフォルニア州サンタモニカのJ・ポール・ゲティ美術館、ウルリッヒ美術館[ ^16]、ジョージア美術館^[17]などに収蔵されている。

晩年、彼女は彫刻の制作を手伝うために何人かの労働者を雇いました。

カッツェンは性差別に反対する声も上げ、芸術界におけるフェミニスト運動への関与でも知られていた。カッツェンは性差別の体験を語った。彼女によると、彼女の師であるハンス・ホフマンはスタジオにいる間は彼女の作品を応援してくれたが、彼女が芸術家としてのキャリアに真剣だと知ると苛立ったという。ある出来事では、カッツェンがホフマンとその友人のために企画したディナーパーティーで、ホフマンは芸術に乾杯の挨拶をし、「翼を持つのは男性だけだ」と宣言した。^[18]カッツェンは激怒し、2人は口論になった。実際、カッツェンの芸術は、彼女の率直なフェミニズムのために違った見方をされた。ニューヨークタイムズ紙の「 Ruins and Constructions」という彫刻のレビューでは、カッツェンがマヤのモチーフを使ったことを彼女の「過激なフェミニズム」と結び付けた。 ^[19]

メアリー・ベス・エデルソンのフェミニスト作品『現存するアメリカの女性アーティストたち/最後の晩餐』（1972年）は、レオナルド・ダ・ヴィンチの『最後の晩餐』を借用したもので、著名な女性アーティストの頭部がキリストと使徒の頭の上にコラージュされている。カッツェンもその著名な女性アーティストの一人である。女性の従属における宗教的および美術史的図像学の役割を扱ったこのイメージは、「フェミニスト芸術運動の最も象徴的なイメージの1つ」となった。^{[20] [21]}

• マンロー、エレノア（1979年）。アメリカの女性アーティスト。ニューヨーク：サイモン・アド・シュスター。ISBN 9780671231095。
• ネムザー、シンディ（1995年）。『アートトーク：15人の女性アーティストとの対話』ニューヨーク：アイコンエディションズ。ISBN 9780684139845。

• リラ・カッツェンへのインタビュー