ビデオゲームのアートデザイン

ビデオゲームのアートデザインは、ビデオゲームの芸術的な側面を作成するプロセスを含むゲーム開発のサブセットです。ビデオゲームのアートデザインは、ビデオゲームを作成するプリプロダクション段階から始まります。ビデオゲームアーティストは、ゲームの構想段階から関わるビジュアルアーティストであり、キャラクター、設定、オブジェクトなどのラフスケッチを作成します。 ^{[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ] [ 4 ]}これらの初期コンセプトデザインは、ゲームが実際に開発段階に入る前にゲームデザイナーによって作成されることもあります。これらのコンセプトデザインは、「プログラマーアート」と呼ばれることもあります。^{[ 5 ]}ラフスケッチが完成し、ゲームを先に進める準備が整うと、これらのアーティストまたはそれ以上のアーティストが招集され、スケッチに基づいてグラフィックデザインを開発します。

ゲームのアートデザインには、2人以上が関わる場合があります。小規模なゲーム会社はチームにアーティストの数が少ない傾向があり、そのためアーティストは複数のタイプのアート開発スキルを持っている必要がありますが、会社が大きくなるにつれて、アーティストは複数のタイプの開発スキルを持っていることはできますが、各アーティストが担う役割はより専門化されます。^{[ 6 ]}

デモやスクリーンショットなどのメディアに含まれるゲームのアートワークは、プレビューからアートワークを判断できるのに対し、ゲームプレイは判断できないため、顧客に大きな影響を与えます。^{[ 1 ] [ 7 ]}

アーティストは、ゲームに必要なものをデザイナーと密接に協力して作業します。^{[ 8 ]}

アートデザインや制作に使用されるツールはアートツールとして知られています。これらは、ペンと紙から、2Dおよび3Dデジタルアート用の完全なソフトウェアパッケージまで多岐にわたります。^{[ 9 ]}開発者は、アート制作アプリケーションを担当するツールチームを雇用する場合があります。これには、既存のソフトウェアパッケージの使用や、それらのカスタムエクスポーターやプラグインの作成が含まれます。^{[ 10 ]}

初期のビデオゲームは、通常、ビジュアルが非常に限られており、プログラマー1人によって開発されていました。しかし、ビデオゲームの歴史のごく初期から、例えばパッケージアートやプロモーション資料などに、専任のアーティストが関わっていました。1974年には、Maze Warsがワイヤーフレームを使用して基本的な3Dグラフィックスを実現し、1970年代後半にはより詳細なピクセルアートが登場しました。^{[ 11 ]}初期の著名なゲームアーティストとしては、マリオやドンキーコングの生みの親である宮本茂が挙げられます。^{[ 12 ]}

1980年代の技術進歩により、ビジュアルはより複雑になり、より広いカラーパレットが追加されました。^{[ 13 ]}マイクロプローズは1985年に最初の専任アーティスト、マイケル・ヘアを雇いました。^{[ 14 ]} 1989年の16ビット世代により色の深度が向上し、1990年代のCDの登場によりゲームのストレージ容量が増加しました。これにより、フルモーションビデオなどの可能性が開かれました。3Dアートワークは1990年代初頭からより一般的になりました。^{[ 3 ]} 2010年代のゲームは、フォトグラメトリーやモーションキャプチャの使用など、リアリズムの向上を推進しました。^{[ 15 ]}ハードウェアの制限の減少により、ビデオゲームアートの可能性は広がり続け、より大規模なアート部門が標準になりました。^{[ 5 ] [ 16 ]}

ゲームアートにはいくつかの役割があります。プロジェクトの規模によって、アーティストが1人から部門全体まで様々です。小規模なチームでは、通常、個々のアーティストが複数の責任を負わなければなりません。AAAプロジェクトでは、通常、さまざまなゲームアート分野の専門家を中心とした大規模なチームが必要です。^{[ 17 ] [ 12 ]}他の種類のアーティストと同様に、ゲームアーティストも芸術の基礎を理解する必要があります。^{[ 18 ]}

ゲームアートの役割をいくつか以下に示します。これらの役割の中には、特定の種類のプロジェクトにのみ適用されるものもあり、たとえば、3D タイトルではスプライト作業は必要ない場合があります。^{[ 19 ]}

多くの大学では、正式な環境で職業を学ぶ方法としてゲームアートのコースを提供しています。これらのコースのいくつかは、1990年代にはすでに利用可能でした。しかし、より一般的なアートコースも業界への道であり、多くの専門家はより伝統的なアートのバックグラウンドを持っています。業界で働きたいと考えている人にとって、ゲームアートの学位を取得することは有益ですが、必須ではありません。大学は、ツールや設備を提供するだけでなく、志を同じくする他の学生との環境も提供できます。プリンストンレビューは米国でゲームコースを認定しており、英国ではTIGAが認定しています。 ^{[ 44 ]} TIGAはまた、大学とゲームスタジオ向けに毎年教育カンファレンスを開催しています。^{[ 45 ]}他の国で働きたいアーティストには、大学のコースが必要になる場合もあります。^{[ 46 ]}英国では、大学レベルのゲームコースに進みたい人向けに、ゲームアートのBTECも利用できます。 ^{[ 47 ]} The Rookiesは、この分野の学校の世界ランキングを維持しているが、すべてのゲーム分野は単一のカテゴリとして扱われている。ランキングは、 Gnomon School of Visual Effectsのような営利団体によって占められることが多い。^{[ 48 ]}

学位を取得した後でも、十分なエントリーレベルの職がないため、実際に業界に入るのは困難です。ジュニアを採用するには、スタジオが彼らを一人前にするためのトレーニングを提供する必要がありますが、これはスタジオが通常行おうとしない長期的な投資です。ジュニアの求人の割合は2022年にはすでに低かったのですが、 2023年から2024年の人員削減で劇的に減少しました。英国では、2022年には求人の9%がジュニアレベルでしたが、2023年には3%未満にまで減少し、全国で年間を通じてジュニアの求人はわずか34件でした。^{[ 49 ] [ 50 ]}ジュニアの職はアウトソーシングされた役割でのみ利用できることが多く、それでも何千もの応募が集まります。^{[ 51 ]}これは、長年中堅または上級職のみを採用することに重点を置いてきたため、経験豊富なスタッフが不足し、業界のスキルに関する構造的な問題の一因となっています。^{[ 52 ]}さらに、ゲーム業界の混乱の中で、多くのベテラン社員が他のクリエイティブ産業で「より良い機会」を求め、これによりトップレベルの人材プールがさらに狭まった。^{[ 49 ]}

専門分野によってアーティストの給与には大きな差がある。^{[ 60 ]} Skillsearchは2024年に、英国ではテクニカルアーティストの給与が他のどの芸術職よりも高いことを発見した。中堅レベルのテクニカルアーティストの平均年収は6万ポンドを超えている。^{[ 61 ]}上級レベルのテクニカルアーティストは10万ポンド以上を稼ぐことができる。^{[ 60 ]}米国では、テクニカルアーティストの同等の年収は20万5000ドルで、上位では29万7000ドルに上昇する。^{[ 62 ]}これは、テクニカルアーティストの不足を考えると、彼らを獲得するための競争が非常に激しい性質によるものだと考えられている。^{[ 55 ]}

Bevanの給与データによると、2Dアーティストの平均は22,000ポンドで、シニアレベルでは37,500ポンドに上昇します。3Dアーティストの場合、同様の数字は28,000ポンドで、シニアレベルでは35,000ポンドに上昇します。Silent GamesのCEOであるSally Blakeは、2022年から英国とアイルランドのゲーム開発者から匿名で報告された給与をまとめたスプレッドシートを維持しており、データセット全体は公開されています。^{[ 63 ]}

• ゲーム開発
• ビデオゲームデザイン
• ビデオゲームのグラフィック
• テクスチャアーティスト

• ベイツ、ボブ（2004）。ゲームデザイン（第2 版）。トムソン・コース・テクノロジー。ISBN 1-59200-493-8。
• ベスケー、エリック（2003）。ゲーム開発と制作。テキサス：ワードウェア・パブリッシング社。ISBN 1-55622-951-8。
• チャンドラー、ヘザー・マックスウェル（2009）。『ゲーム制作ハンドブック（第2 版）』。マサチューセッツ州ヒンガム：インフィニティ・サイエンス・プレス。ISBN 978-1-934015-40-7。
• マクガイア、モーガン；ジェンキンス、オデスト・チャドウィック（2009）。『ゲーム制作：メカニクス、コンテンツ、テクノロジー』ウェルズリー、マサチューセッツ州：AKピーターズ。ISBN 978-1-56881-305-9。
• ムーア、マイケル・E.、ノヴァク、ジーニー（2010）。ゲーム業界キャリアガイド。デルマー：センゲージラーニング。ISBN 978-1-4283-7647-2。