ドナ・ネルソン

ドナ・ネルソン（1947年生まれ）はアメリカの画家であり、型破りな素材、プロセス、フォーマットを用いて、絵画や鑑賞者の従来の概念を覆す、没入感があり、身振りによる表現が多く、主に抽象的な作品で最もよく知られている。^{[1] [2]} 2014年のニューヨーカー誌のレビューでは、「ネルソンは、絵画を新鮮な雄弁さに変えるために、家を燃やすという点以外なら何でもすると予告している」と評されている。^[3] 2002年以来、それがより一般的になるずっと前から、^{[4] [5]}ネルソンは、より複雑で意識的な鑑賞体験を生み出す、自立型の両面絵画を制作してきた。^{[6] [7]}ニューヨークタイムズの批評家ロバータ・スミスによると、ネルソンは「表面的に一貫したスタイル」という重荷を回避し、「素材への冒険的な重点」とジャクソン・ポロックの作品に基づいたプロセスへの運動的なアプローチによって支えられている。^[2]アート・イン・アメリカとアートフォーラムのライターは、彼女の実験が、型破りな技法を探求する若い世代の画家に新たな興味を抱かせたと評価している。^{[8] [9]キュレーターの}クラウス・ケルテスは、ネルソンの本能的でプロセス重視の作品の1つについて論じ、「絵の具に浸したモスリンは、道具であり、媒体であり、そして作られたものである」と書いている。^[1]

ネルソンは、ウェザースプーン美術館やタン美術館（調査、2018年）での個展、アルドリッチ現代美術館、ローズ美術館、メアリーブーンギャラリー、マールボロファインアートでのグループ展など、国内外で展示を行っています。^{[10] [11] [12] [13] 2014年の}ホイットニービエンナーレで展示された両面絵画は広く認知され^{[14] [15] 、} 『アート・イン・アメリカ』誌では「最もうっとりした作品」の一部と評されました。^{[16]ネルソンは}グッゲンハイムフェローシップ（1994年）を受賞しており^{[17] 、}メトロポリタン美術館^[18]、 ソロモン・R・グッゲンハイム美術館^[19]、ボストン美術館など、数多くの公共コレクションに作品が収蔵されています。^{[20]彼女は}ペンシルベニア州ランズデールに住んでおり、 1991年からテンプル大学タイラー美術学校で絵画とデッサンを教えています。^[21]

ネルソンは1947年にネブラスカ州グランドアイランドで生まれ、オハイオ州立大学に通った。1967年秋、彼女はニューヨーク市に移り、新しく設立されたホイットニー美術館独立研究プログラムに参加した。^[22] 1968年にオハイオ州に戻って美術学士号を取得した後、彼女はロウアーマンハッタンに移り、現在のソーホーにロフトを借りた。5年後、彼女は将来のトライベッカ地区に別のロフトに引っ越した。1971年までに、彼女は、ルーシー・リパードがキュレーションしたアルドリッチ美術館の「26人の現代女性アーティスト」^[23]や、グッゲンハイム美術館の「10人の若手アーティスト」^[24]などの著名な展覧会に出展した。評論家のグレース・グリュックとヒルトン・クレイマーは、それぞれニューヨークタイムズの2つの展覧会のレビューで彼女の作品に言及した。^{[11] [25]} 1974年、ホイットニー美術館は「アメリカ美術における継続的抽象化」展に彼女を出展した。^[26] 1975年には57番街のローザ・エスマン・ギャラリーで初の個展が開催された。

1980年代から1990年代にかけて、ネルソンはニューヨークの美術館、大学、ハミルトンギャラリー、マイケルクラインギャラリーなどで作品を展示した。^[10] 1996年にフィラデルフィアに移り、タイラー美術学校で教鞭をとり続けた。ネルソンはニューヨークのチェイム・アンド・リードやトーマス・エルベンギャラリーで積極的に作品を展示し続けており、2006年からはトーマス・エルベンギャラリーで作品を展示している。^[10]

ネルソンは具象的なイメージを創り出しているが、主に流動的で抽象的な流れで作品を制作しており、作家たちは、抽象表現主義の伝統に正面から立ち向かい、非伝統的な材料とプロセスを使用して絵画の慣習を破壊したジョアン・ミロの反絵画を基盤にしていると示唆している。^{[27] [8] [28]} アートフォーラムは、リスクを冒す彼女の「爽快な」意欲をシグマール・ポルケのそれに例えた。^[29]批評家たちは特に、彼女の「プロセスに対する冒険的で強硬なアプローチ」に注目している。それは「慣習的な迎合」 ^[30]を拒否し、不協和な技法、表面、色を優先することで「絵画の破壊と戯れる」 ^[8]。ネルソンが簡単に識別できるスタイルに固執することをアナーキーに拒否していることに注目し、作家たちは彼女の展覧会が近代および現代の絵画思想の要約のように見えると述べている。^[31]

ネルソンは、表現主義者というよりもプロセスアーティストであると自認しており、プロセスにおける偶然性、即興性、タッチの優位性を強調している。^[7]彼女は、注ぐ、染色する、飛び散らせる、縫うなど、多様な手法を採用している^{[32] [27] 。}下塗りされていないキャンバスに、様々な絵の具、非伝統的な材料、時には絵画のストレッチャーを使って、予期せぬ表面、テクスチャ、レリーフ、パターン（時にはモダニズムのグリッドを参照）を作り出している。^{[6] [8]}

ネルソンの初期の作品は、直感的で体系的な絵画構成を通じて、幾何学的でグリッドベースの抽象表現を探求したもので、批評家たちはそのスタイルの把握、[25] 、微妙な色彩、アグネス・マーティンやエルズワース・ケリーの作品との類似性に注目した。^[ 11 ] [ 19 ]^彼女はこの作品を発展的なものだと考え、最終的には破棄した。1980年代、ネルソンは、感情的なリアリズムと飾り気のない物質性で描かれた、ありふれた室内、風景、都市の風景を特徴とする絵画的具象作品（例えば、デイリー・ニュース、1983年）に移行した。 ^{[33] [34] [35]}具象画、例えばサマー・マン（1983年）^{[36] は、}ニューヨーク・タイムズがフィリップ・ガストンの作品のように率直で「満足のいく堅実さ」を示していると評したように、中心的で等身大の日常的な主題を提示した。その後の作品である「カリフォルニアの風景」や「あらゆるものを必要とする男」（1988年）^[37]は、接着された衣服のようなモスリンの断片、飽和した色彩、抽象化の増加によって将来の方向性を予見した。^{[38] [34]}

多くの批評家（そしてネルソン自身）は、彼女の成熟した作品は、長い発展の期間を経て、1990年代に抽象画に戻ったときに始まったと考えています。^{[34] [39]}この時期、彼女はチーズクロス、モスリン、ジェル、モデリングペーストなどの型破りな素材を定期的に取り入れました。^{[40] [41]}また、グリッド状のフィールドにラテックスエナメル塗料を注ぐ（「地下鉄の12駅」シリーズ、1997-8年）、非常にテクスチャのある既存の絵画の木炭の擦り絵を作る（幽霊のような「擦り絵」、2002年）、^[42]または、塗料を浸したモスリンの綿をキャンバスに貼り付けるなど、制御と偶然を組み合わせて絵画を「破壊する」という型破りな技法も使い始めました。^{[43] [44] [30]}評論家たちは、新作の「形式的秩序と手順的混沌」^[13]と、生々しさと完成度の高さが衝突していることに言及し、その力強さは、一連の個別的かつ非線形的な行為と決断を明らかにする、絵画制作過程の「フリーズフレーミング」から生まれていると論じた。^{[30] [43] [45]}クラウス・ケルテスは、ネルソンの作品のこの一節を絵画「オクトパス・ブルー」（1990年）を通して描写し、「私たちは、複雑で、神秘的で、激しく、遊び心があり、官能的な自己形成と格闘する有機体と対峙している」と書いた。^[1]

2002年、ネルソンは両面作品の制作を開始した。ある作家はこれを「絵画を彫刻の領域に押し上げる」という「神経質な試み」と呼んだ。^{[5] [22]}批評家は『ガウチョ・グルーチョ』（2005年）、『ストリング・ターン』（2015年）、 『コインズ・イン・ア・ファウンテン』（2015年）などの作品について、その独創性とパフォーマンス感覚の高まり、^{[46] [6]}「断固たる難解な美」と「プロセスの精巧な物語」^[4]を称賛した。これには、キャンバスに穴を開けたり、両面を行ったり来たりしたり、両面に染みをつけたり、キャンバスを取り外して再び張ったりすることなどが含まれていた。^{[7] [2]}デビッド・ペイゲルは、この作品は「プロセスに記憶を組み込み、部分の総和よりも大きな、そしてはるかに神秘的な体験を生み出す」と主張している。^[6] ニューヨーク・タイムズ紙は、「絵画は…それがどのようにしてそのようになったのかを考えるよう要求する…謎は積み重なり、解決し、そしてまた積み重なる」と書いた。^[27]ネルソンは、スチール製のスタンド、プラットフォーム、レンガ、ケーブルを使用した彼女の展示構成は、表面の複雑さや関与よりも芸術の具体化を優先する典型的な「大きな白い箱型」の現代美術空間の人工性に対抗し、より意識的で親密な鑑賞プロセスを追求していると説明しています。^{[47] [48]}

2016年、ネルソンは、両面で様々な構成の「ボックス」作品^[49]で人物像に立ち返りました。これは、建築に迫るドアサイズのペイントパネルで、型破りな素材とプロセスを採用し続けています。^{[4] [22]批評家は、2017年のショー「絵画の近くに立つモデル」 [50]}などの作品のインスタレーションを「対照的な視点のゆるやかな万華鏡のような迷路」と相互作用する作品と表現しています。この感覚は、ネルソンがそこに描く中心の抽象的な人物によってさらに強化されています。^{[4] [22] [51]}ダン・キャメロンなどの批評家は、ネルソンが従来の絵画の正面性を破壊し、両面作品の物理的存在を新しい比喩的なレベルに進化させたことを指摘しました。^{[52] [53]}

ネルソンは、 Anonymous Was a Woman（2015）、^[54] Artist Legacy Foundation（2013）、Foundation for Contemporary Arts（2011）、^[55] Tesuque Foundation（2000年、ピアノミネート）、John Simon Guggenheim Memorial Fellowship （1994） ^[17]から賞や助成金を受賞しています。彼女の作品は、メトロポリタン美術館、^[18]ソロモン・R・グッゲンハイム美術館、^[19]ボストン美術館、^[20] ニューサウスウェールズ州立美術館、^[56] オルブライト・ノックス美術館、^[57]ペンシルバニア芸術アカデミー、^[36]ウェザースプーン美術館、^[58]ローズ美術館、^[59]など多くの公共コレクションやいくつかの企業コレクションに収蔵されています。

• ドナ・ネルソンのウェブサイト
• ドナ・ネルソンとリーザ・メクシンのインタビュー、ブルックリン鉄道、2018