アリス・ダルトン・ブラウン

アリス・ダルトン・ブラウン（1939年4月17日生まれ）は、特定の場所や瞬間（多くの場合は架空のもの）の光と質感を捉えた写実主義の作品で知られるアメリカの画家です。 ^{[1] [2] [3]}彼女の代表的なモチーフには、窓や薄いカーテン越しに見るビクトリア朝の家の外観、納屋、水辺の風景などがあり、さまざまな表面での光、影、反射、幾何学の遊びを探求しています。^{[4] [5] [6]}評論家のJ・ボウヤー・ベルは、ダルトン・ブラウンのスタイルについて、「彼女の写実主義の作品は、その部分の総和以上のものです。実際、非常に多くの部分が巧みに組み込まれ、非常に多くの技術が披露されているため、その結果は、何ができるかについての百科事典のようなものです。」と書いています。^[7]

ダルトン・ブラウンは、ハーバート・F・ジョンソン美術館[8]、バトラーアメリカ美術館[9]、ブロンクス美術館、オルブライト=ノックス美術館、マクネイ美術館[2]などの施設で展示してきました。彼女^は ローマ^の アメリカン・アカデミーで認められ^ており、彼女の作品はメトロポリタン美術館^[10]、ジョンソン美術館^[11] 、ミネアポリス美術館^[12]、タンパ美術館^[2]などの公共コレクションに含まれています。 30年以上ニューヨーク市を拠点にした後、ダルトン・ブラウンはニューヨーク州ピークスキルと同州のフィンガーレイクス地域のカユガ湖を行き来しています。^[13]

ダルトン・ブラウンは1939年にペンシルバニア州ダンビルで生まれ、ニューヨーク州イサカで育った。^[14 ]幼少期にこの地域で過ごした光、影、家々の思い出が、後の彼女の芸術のインスピレーションとなった。^[15]高校卒業後、ダルトン・ブラウンはフランスのアカデミー・ジュリアンとグルノーブル大学で美術を学び、その後コーネル大学で英語を専攻した。^{[14] [16]}オバーリン大学 に転校後、1962年にスタジオアートの学士号を取得し、当時主流だった抽象画の様式とは相容れない写実主義的な作風で制作した。オバーリンでは美術史家ヴォルフガング・ステコウと彼の構図力学と図像学に関する議論に大きな影響を受けた。^{[17] [16]}

1960年代、ダルトン・ブラウンはニューヨーク州北部に引っ越した後、家庭生活と芸術制作のバランスを取り、室内や人物、田舎の構造物のイメージに焦点を当てた作品を制作した。1970年に彼女と家族はマンハッタンのグリニッチ・ヴィレッジに引っ越し、そこで抽象表現主義からミニマリズム、コンセプチュアリズム、さまざまな写実主義へと広がるアートシーンを間近に体験した。 ^{[5] [16]} 1975年、彼女は田園風景を描いた絵画やコラージュの展示を始めた。^{[14] [16]}住宅を主題にしてからは、1980年代にニューヨークのAMサックス^{[1] [18]}やカタリーナ・リッチ・パーロウ^[19]ギャラリーでの個展や、マクネイ美術館、コロンバス美術館、ミネソタ美術館でのグループ展を通じて、より大きな注目を集めた。^{[14] [2]}

ダルトン・ブラウンは、その後のキャリアにおいて、ニューヨークのフィッシュバッハギャラリー（1987年～2014年） ^{[20] [7] [21] [3]}、バトラー・インスティテュート・オブ・アメリカン・アート（2018年、2019年）^[9]で個展を開催したほか、スプリングフィールド美術館（1999年）^[22] 、ジョンソン美術館（2013年）^[23] 、マイ・アート・ミュージアム（2021年、ソウル）で回顧展を開催した。^{[24] [25]}

ダルトン・ブラウンの作品は、様々なリアリズムの傾向を、現代のリアリズムやフォトリアリズムの典型的な様式に簡単に当てはめることのできない方法で統合している。^{[8] [7] [2]}たとえば、参考写真を使用しているにもかかわらず、彼女はそれらの光学的性質を模倣したり、それらから直接構成を導き出したりせず、むしろ現実を自分の目的に合わせて自由に再構築、編集、コラージュしている。^{[8] [26] [21]}同様に、彼女の葉、水、床板の絵画的な扱い、風変わりな構成のリズムと遠近法、心理的および感情的な内容のレベルは、より伝統的なリアリズムとは相反する表現主義的な性質を導入している。^{[8] [27] [2]美術史家エイプリル・キングスリーは、ダルトン・ブラウンのアプローチをリチャード}・エステスやエドワード・ホッパーのアプローチと比較し、彼女を「主観的リアリスト」とみなしている。^[2]ホッパーの影響に加え、作家たちはゴーギャン、ボナール、ヴュイヤール、ゴッホなどのポスト印象派、オランダの巨匠、19世紀アメリカの崇高な伝統、アメリカの精密主義者、そしてヨーゼフ・アルバース（色彩構造の理論）が彼女の作品に大きな影響を与えたと指摘している。^{[2] [28] [6]}

ダルトン・ブラウンは、記憶、無意識、アイデンティティ、現実に関する喚起力のある題材として、家やポーチ、納屋、水、カーテンなどを選んでいる。^{[27] [17] [29]}彼女の対照的な表面や質感、捉えられたはかない現象（光、風、水）は、これらの側面だけでなく、家庭と外の世界、開放と閉鎖、柔らかさと硬さ、固体と反射の形、不明瞭と可視、運動と静止、秩序と無秩序といった様々な対立をも強調している。^{[26] [15]}彼女は、鑑賞者が空間を完全に占有できるよう、人物や家具を場面から省くことでこれらの効果をさらに高めている。^{[27] [22] [17]}批評家は、この純粋で空虚な性質が、絵画にほとんどシュールな神秘感を与えていると示唆している。^{[8] [28] [26]}一部の作家は、ダルトン・ブラウンの作品の進化を、ファサードからポーチ、内部、そして窓から超越的な水面へと時系列的、物理的、心理的な軌跡で描いている。^{[8] [29]}

1965年から1977年にかけて、ダルトン・ブラウンは納屋やサイロの絵画やドローイングを制作した。批評によると、これらの作品は「写真のコラージュと芸術的感性と記憶のフィルターを使って」作られたという。^{[21] [5]} ニューヨーク・サン紙の批評家デイヴィッド・グロスは、彼女のアプローチを「原型の芸術であり、特殊性ではない」と評し、日光と影の遊びによって中断された単色の単純化されたブロックを通して、主題に「静かな象徴的なオーラ」を与えた。^[21]時間の経過とともに、この作品はますます抽象的になり、例えば「木とテーブルの影」（1977年）では、垂直の白い梁と板で囲まれた赤い納屋の正面に、不定形の深紅の影が描かれ、その前には暗い影によってのみ見える赤いピクニックテーブルが描かれている。批評では、このような正面の平坦な空間を、キュビズムに影響を受けたチャールズ・シーラーやジョージア・オキーフの表現と比較した。^{[8] [2] [5]}

1977年、ニューヨーク州ウェストフィールドの空きカントリーハウスがダルトン・ブラウンの目に留まり、多くの作品の焦点となった。それが彼女の作品における新たな大きなモチーフの始まりとなった。それは、外から見たビクトリア朝様式の家であり、しばしば中に入ってみたいという願望を表現しており、フェミニスト的あるいはフロイト的とみなされることもある。^{[8] [2]}彼女は当初、観察された時間、場所、季節に忠実であったが、次第に異なる場所、視点、瞬間の要素や、光、比率、切り抜きのバリエーションを組み合わせることで、現実には存在しない構成へと移行していった。^{[1] [15]}彼女は、幅11フィート、大部分が白色のグランド・ウェストフィールド・ポーチ（1980年）のように、より充実した場面を描いた作品もある。不規則なアーチ、細い柱、装飾的な彫刻が施された衝立が遠近法のトリックで位置がずれているように見える正面の部分的なファサードは、幾何学的抽象の研究としても機能していた。^{[8] [30]他の作品では、彼女はアーチ型の窓、いくつかの階段、または}キャシーの部屋シリーズ（1983）のようなポーチの一部など、細部に焦点を当てました。 ^[2]

住宅の絵画は、境界や敷居の空間、つまり内と外、公と私、美や脅威や混沌の感覚をつなぐ門や窓やポーチに焦点を当てることが多かった。このような空間により、ダルトン・ブラウンはさまざまな質感（例：建築物と葉）、硬い形と柔らかい形、光の遊び（影、反射、実際の形）が物体をさまざまな方法で明らかにする方法を探求することができた。^{[27] [1] [19]} 1980年代後半から、彼女はこの作品に色彩的にも構成的にも新たな強さをもたらし、自然の活気と無秩序さを称賛した。^{[22] [31] [32]}これらの作品は、北半球と太陽が降り注ぐ亜熱帯の風景を描いており、斑点模様の葉、複雑な影の模様、反射、水たまり、明るい色の壁などが特徴的であった（例：Tropical Shadows、1988年、Pool: Tropical Reflection、1989年、Dappled Pink、1992年）。^{[20] [2] [6]}

1990年代半ば、ダルトン・ブラウンは視点を変え、家の中から外を眺める風景を描くようになった。最も特徴的なのは、開いた窓から見える風景で、その窓の透き通ったカーテンが風になびき、静まり返った殺風景な部屋に人間の存在をほのめかして活気づけている。^{[7] [22] [33] [29]} 「サマー・ブリーズ」（1995年）、 「ブルース・カム・スルー」（1999年）、「ウィスパー」 （2001年）など、湖の風景を描いた絵画では、カーテン、壁、床、水面に映る光、影、幾何学模様が、反射、屈折、歪みを通じて活発に描かれている。^{[22] [26] [34] [35]} 「アート・イン・アメリカ」の評論家ゲリット・ヘンリーは、これらの作品を「心理的な汎神論が極めて明瞭」で「太陽と天気へのきらめく不安」と日常の中にある非日常への目を持っている、永遠の夏の作品だと評した。^{[6]哀愁漂う「}秋の夢想」 （1998年）などの作品では、ダルトン・ブラウンの重点は家の建築と窓が作り出すさまざまな視覚効果に移り、その場合、ポーチ、出入り口、内部からなる移行通路の精巧に連結された三連画のような構造が強調された。^{[31] [8]}

ダルトン・ブラウンは、その後の青を基調とした海の絵画では、しばしば鑑賞者を水の真上に置き、枠線を一切使わず、凧や帆のようなカーテンがほとんどないような別世界の構図を描いている（例えば、Nor Earth nor Boundless Sea、2011年）。^{[28] [8]}彼女の展覧会「Nocturnes and Diurnes」（Fischbach、2010年）では、朝から夜へと移り変わる瞬間を捉えた揺らめく波の絵画12点が展示された。^{[3] [17]} 2014年のエッセイで、美術史家マリアン・エインズワースは、ダルトン・ブラウンの水彩画の効果を、観察力、プロセス、効果の点で、オランダのオールドマスターの画家たちの入念に構築された構図や創作された世界と比較した。エインズワースは、水彩画が呼び起こす複雑で相反する感情的反応、つまり解放と安全の喪失の両方を「永遠にそこにあり、永遠に変化する」瞬間として描写した。^[28]

ダルトン・ブラウンの「イタリア」シリーズ（2015-19年）は、彼女がローマのアメリカン・アカデミーの客員アーティストだったときに始まった。パステル画と油彩画は、様々なヴィラの内部（窓越し）と外部の両方からの眺めとともに、その地域の日常的な風景の温かみのある光と質感に焦点を当てている。^{[29] [16] [25]} 2021年、ソウルのマイ・アート・ミュージアムは、ダルトン・ブラウンの作品80点の回顧展「光が呼吸する場所」を開催した。これには、「静かな瞬間に」、「期待」、「持ち上げる光」（すべて2021年）という3つの委託された「夏のそよ風」の絵画が含まれていた。^{[24] [15]}

ダルトン・ブラウンの作品は、アレン記念美術館^{[36] 、} アッシュビル美術館、バトラーアメリカ美術館、ジョンソン美術館^{[11] 、} フロスト美術館、マイヤー美術館^[37]、メトロポリタン美術館^[10] 、ミネアポリス美術館^[12]、 ニューヨーク公共図書館、スプリングフィールド美術館^[26]、タンパ美術館、テルフェア博物館などの公共コレクションのほか、企業、大学、個人のコレクションにも収蔵されています。^{[9] [2]}

• シン、ミリ、ボラ・キム、ジェームズ・マレン。アリス・ダルトン・ブラウン：光が呼吸する場所、ソウル：マイ・アート・ミュージアム、2021年
• ゾナ、ルイス。アリス・ダルトン・ブラウンのパステル画、オハイオ州ヤングスタウン：バトラー・アメリカン・アート研究所、2019年
• エインズワース、メアリーアン W. 『天使の言葉』、ニューヨーク：フィッシュバッハギャラリー、2014年
• ワイルズ、ステファニー。『サマーブリーズ：アリス・ダルトン・ブラウンの絵画と素描』、ニューヨーク州イサカ：ハーバート・F・ジョンソン美術館、ニューヨーク、2013年。
• キングスリー、エイプリル。アリス・ダルトン・ブラウンの絵画、ニューヨーク：ハドソンヒルズプレス、2002年

• アリス・ダルトン・ブラウン公式サイト
• アリス・ダルトン・ブラウン、ジェーン・エッカート・ファインアート
• 夏のそよ風、アリス・ダルトン・ブラウン、2010年、ジョンソン美術館